Era Dorada del Cine

Hidden, lo oculto

2008-08-11T01:12:00.000-07:00

Jack Sholder es uno de esos modestos artesanos del género fantástico que nunca ha obtenido el reconocimiento ni las oportunidades que se merece. Actualmente está condenado a un mercado mucho menos sugestivo: después de la fallida "Arachnid" producción de nuestra patria Fantasy Factory, lo más reseñable que ha hecho es algún capítulo para la serie de televisión "Temblores" basada en los personajes originales de dicha película.
Pero en sus días más gloriosos, Sholder aportó una imaginería oscura y tenebrosa a una secuela condenada al fracaso, "Pesadilla en Elm Street 2, La venganza de Freddy" película con un guión ridículo que desvirtúa no pocos conceptos interesantes que Craven dejara cultivados en su película, y con unos actores realmente inadecuados, cuya vida, muerte y sufrimientos nos importan bien pocos. Solo gracias a Sholder, que filma una historia infumable con bastante acierto, y a la banda sonora de Christopher Y0ung (la mejor y más sugerente de toda la saga) la película no se hunde en los abismos de la más absoluta mediocridad, donde sus actores y su guión pretendían hundirla.
También es reseñable ese típico y a la vez atípico slasher, "Solos en la oscuridad", con unos nombres en su ficha artística que harían las delicias de cualquier aficionado. Pero es con la presente "Hidden, lo oculto" estrenada en 1987, con la que el director alcanzaría mayor popularidad. Su palmarés así lo demuestra: nominada, en el Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror de Estados Unidos, al mejor actor (Michael Nouri) mejor director, mejor película y mejor guión; ganadora, en el festival de Avoriaz, del gran premio a mejor película, en Fantasporto, ganadora del premio a mejor director, y nominada como mejor película; en Sitges, ganadora al mejor actor (Nouri de nuevo) y el Gran premio especial del Jurado. Por lo tanto, estamos ante un filme muy reconocido en su día, que arrastra cierto prestigio a sus espaldas, más o menos merecido.
Todo comienza con una escena en la que un hombre, Jack DeVries (Chris Mulkey) roba un banco, matando a varias personas. DeVries es perseguido por la policía, que efectúa varios disparos contra su Ferrari negro, pero el asesino no parece afectado. Se forma una barrera de coches policiales, capitaneados por el agente Tom Beck (Michael Nouri) que abaten a tiros el criminal. Sin embargo, este sale ileso del coche, pero el depósito de gasolina estalla. Horriblemente quemado, sin embargo, sigue vivo, por lo que es trasladado a un hospital. Lo extraño es que DeVries, un par de semanas atrás, era un ciudadano corriente, un banquero simpático que no había cometido delito alguno.

El alien en pleno cambio de cuerpo

Poco después llega a la ciudad el agente del FBI Lloyd Gallagher (Kyle McLachlan) que se presenta en la comisaría, explicando que viene persiguendo a DeVries. Beck le informa de que el caso está cerrado, pero en el hospital, algo extraño sucede: el delincuente ha muerto, pero su compañero de habitación, un hombre que estaba en estado terminal, se ha levantado y se ha ido. Gallagher dice a Beck que deben perseguirle, pues el hombre era un compinche de DeVries. Beck, sin embargo, comprueba la ficha del paciente, que es un ciudadano modelo, y se niega a perseguirle, pero poco después, comete un brutal asesinato en una tienda de música...
Lo que el espectador averigua, mucho antes que el personaje de Nouri, es que en realidad no se trata de asesinos humanos, sino de una gigantesca y asquerosa larva venida de otro planeta, que se aloja en el estómago de los seres humanos, controlando sus actos. Este asesino espacial tiene gusto por la música fuerte, la buena comida, el sexo, las drogas y sobre todo, conducir Ferraris. El espectador no tarda en percatarse de que Gallagher no es sino otro extraterrestre en un cuerpo humano, enviado para detenerle. El personaje de Nouri queda a oscuras durante todo el tiempo, sabiendo que pasa algo raro, pero no qué, y que su compañero sabe más de lo que dice.
De Gallagher sabremos poco. Explica que el alien mató a su compañero, a su esposa y a su hija. Acude a una cena familiar en casa de Beck, una escena atípica y extraña, donde Galalgher dice a Beck y a su esposa que su hija pequeña es "especial", mientras la niña parece rehuir al agente, lo cual conecta directamente con el estupendo final de la película.
Finalmente una vez enterado Nouri de la verdad de todo lo que Gallagher le cuenta, ambos deberán detener al asesino, que ha llegado a la conclusión de que podrá cometer sus fechorías con más seguridad si se introduce en el cuerpo de un senador que opta a la Presidencia de los Estados Unidos... el ser no puede ser destruido con armas corrientes, solo con un extraño objeto plateado que Gallagher posee, y los dos hombres se lanzarán a la caza del asesino espacial.
Ciertos toques de humor hacen que la película sea verdaderamente refrescante, sin perder su sentido de lo extraño e inquietante, como las pullas que se lanzan los policías entre ellos, los ruidos corporales que el cuerpo que el extraterrestre posee va realizando, debido a una enfermedad. Es también ciertamente irónico que el extraterrestre decida que podrá satisfacer sus apetitos de manera mucho más impune si posee a un político importante que si solo es otro anónimo asesino en serie indestructible.

Beck sospecha que el reservado agente del FBI le oculta algo

"Hidden, lo oculto" es una película de ciencia ficción y suspense muy entretenida. Realmente no evoluciona el género, y ni siquiera es una obra maestra de su subgénero, pero si es una película muy bien filmada, cuyo guión exhibe una lógica interna aplastante, como puede comprobarse a través del personaje de Michael Nouri, quen es el único con quien el espectador puede identificarse: un policía honesto, sencillo, cabeza de familia y buen compañero, que asiste, primero con franca extrañeza y luego con incredulidad a los hechos que se le presentan. Es divertida y muy bien planificada la escena en que Beck exige a Gallagher que le ponga en antecedentes, que le cuente lo que sabe. El agente del FBI le cuenta la verdad, que el ser a que persiguen es un ente que pasa de un cuerpo a otro, cuando su "huésped" está dañado y ya no le sirve. Gallagher, con la mirada triste, le dice "Creo que en la academia no nos preparan para esto", a lo que Beck, con una mirada desilusionada, asiente "Lo hicieron" y el plano cierra y encadena con otro, donde Beck pone a su compañero a buen recaudo... tras los barrotes de una celda. Pero cuando no queda más remedio que creer en la disparatada historia de Gallagher, cuando Beck vacía el cargador de su arma sobre el ser, ahora en otro cuerpo, que ha ido a la comisaría a matar a Gallagher, y este ni se inmuta, no le queda más remedio que creer en Gallagher y pedirle ayuda para acabar con el asesino.
El final de la película puede ser contemplado de varias maneras, pero en cualquier caso, es una excelente metáfora sobre la aceptación de lo diferente, y fue pobremente desarrollada en la secuela, "Hidden 2, el regreso" estrenada directamente en vídeo en 1994, donde la hija de Tom Beck, Juliet, tendrá que enfrentarse a los retoños del extraterrestre de la primera parte, que despiertan en medio de una fábrica abandonada, con la ayuda de otro extraterrestre enviado a combatir a estos seres, que, irónicamente, se llama McLachlan (Raphael Sbarge, visto en algunas producciones de la casa Disney en los ochenta). La película tiene aires de telefilm y no aporta absolutamente nada, siendo totalmente prescindible.
Jack Sholder tuvo su hora feliz con esta "Hidden, lo oculto". Hoy en día, la película sigue siendo una excelente película de suspense y ciencia ficción, cuyos efectos especiales (el cambio de cuerpo del alien) sigue siendo realmente inquietante y asqueroso. Naturalmente, Sholder no pretende haber inventado América, el alien podría decirse, es una mezcla entre el de la película de Ridley Scott, que se oculta en el estómago de sus huéspedes, y el monstruoso ser de resonancias lovecraftianas de "La cosa" de John Carpenter, que se esconde igualmente en imitaciones de los humanos, imponiendo su voluntad.
Pese a ser una historia sobre alienígenas de vacaciones por nuestro mundo, la película rezuma humanidad por los cuatro costados, mostrando las relaciones del protagonista humano, con sus compañeros, con su mejor amigo, con su mujer y su hija... actualmente, ha pasado al panteón de películas sobre "extraterrestres hostiles" y sin llegar al nivel, sin ir más lejos, de las dos antes mencionadas, si que merece realmente todo el prestigio que obtuvo en su estreno.

Noche de miedo 2

2008-08-10T10:33:00.000-07:00

El éxito de Noche de miedo, estrenada en 1985, dejaba abierta la puerta a nueva secuela, o secuelas, y esta llegó, en 1989, servida por Tommy Lee Wallace, director que navega siempre entre las aguas de lo meramente decente y lo mediocre. Aquí se muestra completamente desganado, la película, además de un guión caótico y mal planteado, es fría e incapaz de hacer que el espectador se meta en la historia, como si el film careciera de alma. El guión está escrito por el propio Wallace y otros dos guionistas, y es confuso y contradictorio con lo visto en la primera parte: se suponía que Charlie Brewster (William Ragsdale) había acabado con su vampírico vecino, salvando así a su novia Amy. Así se nos cuenta en un breve flashback teñido de rojo que abre la película, para presentar a continuación a Charlie, ahora universitario. Durante los tres últimos años, ha tenido que ir al psiquiatra para superar tan traumática experiencia, aunque esto no encaja para nada con lo visto al final de la original, y ya ha conseguido superarlo: los vampiros no existen, y su vecino Jerry Dandridge era solo un asesino en serie. Ahora, como última prueba de recuperación, debe visitar a su antiguo compañero de fatigas, el actor Peter Vincent (entrañable, pero aquí desaprovechado Roddy McDowall) a quien Charlie teme, porque Peter vio o creyó ver las mismas monstruosidades imposibles que él. Acude a verle con su novia, Alex (Tracy Lin) pero durante su estancia allí, ve como unos hombres introducen unas cajas de madera en el edificio donde vive Peter, y luego en el vestíbulo se encuentra con una extraña mujer, Regine (Julie Carmen) que después le visitará en sueños... ¿o no son sueños?
La película se antoja casi un remake de la primera entrega, introduciendo nuevos elementos (el hecho de que el protagonista sea poco a poco convertido en vampiro) y añadiendo más sangre, más esbirros de la vampira jefa, más sangre y más momentos de comedia, mal planteados y mezclados con los momentos de supuesto terror.

Peter Vincent, intrépido matavampiros, y compañía

Los personajes aquí no son más que meros calcos o estereotipos. Así, Charlie intentará convencer a Peter de la amenaza, pero este no le creerá, y le convencerá de que todo es ilusión; pero luego el propio Peter tiene evidencia de que los avatares vampíricos vuelven a sucederse, e intentará convencer a Charlie, que ahora cree que todo es un producto de su traumática experiencia en la película anterior. Respecto a los vampiros, Julie Carmen interpreta a la vampira hermana de Jerry Dandridge, que en su venganza planea matar a Peter y convertir en vampiro a Charlie, para así torturar eternamente al joven. Regine llegará incluso a robarle a Peter el espacio televisivo, añejo, envejecido y muy lejos de lo que fue, el programa "Noche de miedo". Sus esbirros son una colección de seres grotescos sin función definida, a saber: un chófer musculoso que come insectos de todo tipo, una especie de patinador o patinadora (es difícil de discernir) que actúa como guardaespaldas, y un personaje supuestamente humorístico, un novato que no se decide entre irse a la cama con jovencitas o chuparles la sangre, y del que no sabemos en ningún momento si es vampiro, hombre lobo o un monstruo de otra índole, pero que, de gracia, tiene poca.
Así, los momentos cómicos y terroríficos estaban bien diferenciados en la película original: el divertido Peter Vincent y algunas personas que rodean a Charlie se encargaban de los momentos de humor, y el vampiro y su secuaz, de provocar auténtico terror. Aquí los momentos de comedia saltan de unos personajes a otros, llegando los vampiros a protagonizar incluso una escena musical donde juegan a los bolos con una cabeza humana. Demencial y sin sentido.
En resumen, "Noche de miedo 2" no es más que una peliculilla que aprovecha un éxito anterior para ganar algún dinero, sin un guión elaborado, con una dirección completament eneutra. El gran Roddy McDowell poco puede hacer, pues su papel ya fue explotado con gran acierto en la primera entrega, y todo lo demás no son sino forzados añadidos, un papel plano y sin interés en una película que más parece un telefilme de sobremesa que contemplar con una sonrisa irónica, que una película dirigida por un cineasta profesional. Una pena. Por lo menos, es la última secuela, y ningún productor ha intentado retomar el invento... todavía.

Profesión: El especialista

2008-08-02T12:57:00.000-07:00

Esta película, curioso cruce entre film de suspense y comedia negra, es un, por desgracia, bastante olvidado trabajo de Richard Rush, que revitalizó la carrera de Peter O'Toole, nominado al OSCAR por su impresionante interpretación de Elliott Cross. Cuenta también con una enigmática y adecuada Barbara Hershey, y varios secundarios más que sólidos, una banda sonora adecuada a las circunstancias, y sobre todo, un guión que, sin decidirse entre suspense o comedia, no deja un momento de respiro al espectador. Una farsa sobre el mundo de Hollywood, mitificando y desmitificándolo a la vez, con unas considerables dosis de dudas y paranoias acerca de si lo que vemos en la película es real, representación o ambas cosas.
Todo comienza con un fugitivo, Cameron (Steve Railsback) huye de la policía, que intentan detenerle en una cafetería. Al llegar a un puente, trata de hacer autostop, pero el hombre que conduce el coche le echa, y luego intenta atropellarle, por lo que Cameron provoca, accidentalmente, que caiga al río. Poco después aparecen extras en el bosque, y un enorme helicóptero se alza sobre el puente: en él va Eli Cross (Peter O'Toole) director de la película que se está rodando. El director le lanza una mirada siniestra al fugitivo, como si ya hubiese decidido un destino para él.
Cameron sigue huyendo y llega hasta una playa donde se está rodando otra escena bélica, ya que la película trata sobre la Primera guerra mundial. Aquí tendremos varios ejemplos de lo ya dicho, todo es representación: así, tras un supuesto bombardeo, algo sale mal y los actores quedan mutilados y muertos, horrorizando al público, per todo resulta ser un truco de efectos especiales. Luego, una anciana cae al mar, por lo que Cameron se lanza para rescatarla, pero la anciana resulta ser la actriz Nina Franklin (Hershey) maquillada para la última escena del filme. En la playa, llega el helicóptero, donde Cross explica a los demás que el especialista Burt ha desaparecido en el fondo del río. Este será uno de los grandes misterios: ¿ha muerto Burt realmente?

El mefistofélico cineasta Eli Cross

Al reconocer a Cameron, Eli decide utilizarle para librarse del jefe de policía, que pretende echar a toda la gente de Hollywood, usando como excusa el accidente del puente. Así, Eli finge que Cameron es Burt, el especialista, y que si ha sido sacado del río. Luego le ofrece al joven fugitivo una oferta, que tiene no poco de pacto fáustico: Cameron será su especialista durante los tres días de rodaje que faltan, y a cambio podrá esconderse entre su equipo, y Eli hará que todos fingan que es Burt. Así comienza un juego de identidades fascinante donde Cameron se hace pasar por Burt, pero comenzará a confundir la realidad, viéndose él mismo como el personaje que interpreta. A ello ayuda que Burt, el especialista que sale brevemente en una escena, sea el hermano del actor Steve Railsback.
Pronto, Cross aprovechará la absoluta inocencia del joven, que nada sabe sobre trucajes cinematográficos, para hacerle creer que corre peligro real durante las escenas de riesgo, y de esa manera, sus reacciones sean totalmente auténticas. Cameron, en un principio parece que tiene intención de huir, pero se enamora de Nina, una mujer tan misteriosa como neurótica. no sabremos nunca si Cross siente verdadero aprecio por su nuevo especialista, o si solo quiere utilizarle para terminar su película, y tampoco sabremos si Nina realmente siente algo por él, o solo se aprovecha de su inocencia. Todo es equívoco, ambiguo, paranoico. La paranoia aumentará cuando Cameron empiece a sospechar que Cross planea matarle durante el rodaje de la última escena, precisamente, la escena en que deberá conducir el coche por el puente y hundirlo en el río...

El falso especialista y la enigmática actriz: Cameron y Nina, una relación incierta

Sin duda, el mayor logro del filme, además de darle ese aureola de misterio y sugerencia, es Peter O'Toole. Esta película volvió a poner en marcha su carrera, gracias a un personaje que, según se dice, está inspirado en el cineasta David Lean. Aquí, Eli Cross es un hombre de genio vivo, carismático y despreciable, de intenciones inciertas. Sabemos que lo único que le importa es terminar su película, a cualquier precio. No duda en despreciar, humillar y utilizar a quien se lo impide, y de hecho, aunque en determinado momento dice "Ninguna película vale la vida de un hombre" no le importa en absoluto la muerte del especialista, solo el hecho de que, sin él, no podrá completar el rodaje. De hecho se nos presenta como un ser mefistofélico, que mueve los hilos de todos los que le rodean, un auténtico demiurgo que decide la suerte que cada uno va a correr. Sin embargo, pese a su aparente inmoralidad y egoísmo, O'Toole compone a un personaje carismático, simpático para el espectador. Así le vemos a través de los ojos de Cameron, que siente simpatía y agradecimiento hacia Cross, pese a saberse utilizado por él.
Curiosamente, se nos presenta como Dios y el Diablo, a la vez. De hecho, la famosa frase acerca de Dios está censurada en el doblaje español: si el original era "Si Dios hubiera hecho nuestros trucos, hubiera sido feliz", nosotros escuchamos en la versión doblada "Si el mago Merlín hubiera hecho nuestros trucos habría sido feliz". Cuanto menos, curioso.
Al final, tendremos respuesta a algunos de los interrogantes, pero no a todos, lo cual hace que el halo de ambiguedad y misterio no desaparezca del todo, y quede en nuestras mentes esa atmósfera de desconfianza, fascinación, engaño, carisma y paranoia. Un filme tristemente olvidado hoy en día, y que merece ser reivindicado y descubierto por nuevos cinéfilos.

Almas de metal

2008-07-31T14:04:00.001-07:00

En "Runaway, Brigada especial", unas máquinas que hacían el trabajo de los hombres se descontrolaban al ser modificadas, llegando a atacar a las personas. En Parque Jurásico, un increíble parque temático comienza a sufrir fallos, y pronto estará bajo la le de Murphy: si algo puede ir mal, irá. Ambas películas contienen en su génesis conjunta esta Almas de metal, y no es de extrañar que todas lleven el nombre de Michael Crichton (como director o como autor de la novela original, en el caso de Parque Jurásico).
Como director, esta fue su primera gran película, y no cabe duda de que estamos ante un clásico del cine de ciencia ficción, de la que han bebido incontables películas posteriores, desde "La noche de Halloween" a "Terminator".
Así, se nos presenta, en un futuro presumiblemente cercano, una gran compañía llamada Delos, que ofrece impresionantes vacaciones a quien pueda pagarlas, claro. Por mil dólares diarios, los clientes vivirán en una recreación absolutamente fiel de tres "mundos" ya extintos: el Imperio romano, el mundo medieval, y el Lejano Oeste. Así, dos de estos clientes se conocerán durante el viaje al Mundo del Oeste. Ellos son Peter Martin (Richard Benjamin) y John Blaine (James Brolin). John ya acudió al Mundo del Oeste el año anterior, por lo que es el experto, mientras Peter es el novato. Los dos traman amistad y deciden pasar las vacaciones juntos, ya que van al mismo destino.
En el Mundo del oeste, los clientes pueden mezclarse con la multitud para robar el banco, asaltar una diligencia, emborracharse en el saloon y luego pasar el rato con una prostituta, o incluso, batirse en duelo a muerte. Todo está permitido, ya que en Delos, la población está compuesta por robots increíblemente realistas, programados para servir a los clientes en todo, o para ser asesinados por ellos, sin consecuencia alguna. De noche, grandes camiones recogen a los robots "asesinados", o sea, dañados, y los llevan a un gran centro de reparación donde son concienzudamente arreglados por un equipo experto, para que puedan volver a "servir" a la clientela por la mañana.

El centro de reparaciones

Peter se muestra tímido e inseguro, lo que divierte a John, que finalmente le azuza a batirse en duelo con un forajido vestido de negro y de aspecto siniestro (inolvidable Yul Brynner). Finalmente, Peter lo "mata", exultante, y una posterior borrachera y ligoteo en el saloon le convencen de que las vacaciones serán tan inolvidables como el anuncio prometía.
Pero, mientras los dos amigos disfrutan, en la sala de control comienzan los problemas, primero minuicias, que van aumentando en intensidad: una falsa serpiente robótica que ataca a un cliente cuando no debería hacerlo, una "cortesana" del mundo medieval, que abofetea a otro cliente en lugar de satisfacerlo... y el "pistolero de negro", una vez reparado, vuelve a atacar a John y Peter. En esta ocasión, Peter, exhultante y seguro de si mismo, lo liquida, con orgullo. El pistolero volverá en una tercera ocasión... pero para matar realmente. Y en ese momento, todos los robots se dedicarán a matar a todas las personas, sin que los técnicos comprendan qué sucede, ni puedan pararlo. Peter sufrirá una persecución que puede equipararse a la que sufrirían Dennis Weaver en "El diablo sobre ruedas", Laurie Strode en "La noche de Halloween" o Sarah Connor en "Terminator": humanos perseguidos por máquinas de matar imparables. No se puede acabar con los robots, la única manera de evitar ser asesinado es destruir su sistema de audición y sus ojos... la carrera ha comenzado.

Yul Brynner, el inolvidable pistolero de negro

La película puede ser contemplada desde variados puntos de vista: o bien el progreso se vuelve contra el hombre, de esa manera, los robots, meras máquinas, escapan al control y atacan a los humanos por inercia, sin motivo, sin objetivo ni control, o bien, los robots han llegado a desarrollar "conciencia", incluso orgullo. La verdad es que viendo como son tratados por los clientes, no es nada desdeñable esta teoría, estos seres metálicos por dentro comienzan a adquirir conciencia de si mismos, y se vengan por los abusos sufridos en las manos de hombres y mujeres comodones que creen que pueden hacerlo todo porque son ricos.
Da igual la teoría, o el punto de vista bajo el que se contemple el filme, Almas de metal es una película entretenida, sencilla, y que no pretende contener en su núcleo un mensaje filosófico "importante", como por ejemplo, en "Blade Runner". Es solo un filme de entretenimiento más o menos original (en su época, claro) con un guión que ofrece sugerentes ideas, una persecución que puede llegar a agobiar al espectador y unos actores más que correctos, siendo especialmente inolvidable ese pistolero de negro, frío, inhumano, implacable, interpretado por Yul Brynner.
Además de poder rastrearse multitud de influencias en películas posteriores de todo tipo, Almas de metal contaría con una secuela tres años después, de bajo presupuesto y producida por la AIP, productora bajo cuya estela creció Roger Corman con sus adaptaciones de Edgar Allan Poe, y contaba con Peter Fonda como protagonista, y con Yul Brynner como reclamo, si bien solo aparecía en una breve escena, y el tratar de vender la película con su nombre es un camelo. Bastante casposa e inferior a su original, es simplemente un divertimiento sin relevancia, es decir, todo lo contrario que el film de Crichton.

Sepultado vivo

2008-07-31T11:33:00.000-07:00

Este interesante thrillertiene la virtud de haber sido la primera película de Frank Darabont, posteriormente, de sobra conocido por "Cadena Perpetua" y "La milla verde". Dirigida en 1990 para la televisión, todo ronda en torno al eterno tema del enterramiento en vida, y el terror a despertar a dos metros bajo tierra. Sin demasiadas pretensiones y complejos, consigue crear un ambiente claustrofóbico y hacernos sentir una gran simpatía hacia el protagonista.
Clint Goodman (interpretado por Tim Matheson, actor que durante los setenta y los ochenta interpretó diversas películas de adolescentes, como Desmadre a la americana o Los albóndigas en remojo, y que aquí resulta francamente simpático y sorprendente) es un buenazo. Tras casarse en Nueva York con Joanna (Jennifer Jason Leigh) vuelve al pueblecito donde creció, para disgusto de ella. Clint lleva un negocio de construcción más que rentable, ha construído con sus propias manos la casa de sus sueños, y hace lo posible para que ella se amolde a su nueva vida, pese a que su mujer nunca está contenta. Años atrás, de adolescente, Clint era un auténtico delincuente, pero se reformó bajo la tutela del sheriff Sam Eberly. Ahora, de adulto, este es su mejor amigo, y los dos suelen ir a pescar, y Clint se lamenta de lo poco feliz que parece su esposa. A él le apetece de verdad tener un hijo, pero ella se niega.
Lo que el espectador descubre pronto, y el pobre Clint no, es que Joanna ya estuvo embarazada, pero abortó. El médico que realizó la intervención, Cort (William Atherton) es ahora su amante. A este no le cuesta demasiado explotar los sueños de Joanna de huir de esa vida, para convencerla de que asesine a su marido y venda su rentable negocio de construcción. Pese a sus temores (de orden práctico, no moral) Joanna acaba aceptando, y una noche envenena a Clint con un extraño veneno que le proporciona Cort, y que no deja huellas. La tacañería de Joanna hace que su marido sea enterrado deprisa y corriendo, sin autopsia, ni velatorio, y en un ataúd de madera podrido que lleva años almacenado en la funeraria.
La noche después del entierro, Clint despierta sepultado vivo... gracias, irónicamente, a la tacañería de su esposa, no le cuesta romper el ataúd podrido, pero la agonía de subir entre los kilos y kilos de tierra que le aprisionan no se le olvidará... acude a su casa, medio muerto de sed y con las manos destrozadas, y allí descubre a su esposa con el médico, y por fin se percata de lo sucedido. En un impulso, se decide a asesinar a Joanna, pero cuando está junto a ella mientras duerme, comprende que no sería suficiente, y trama un diabólico plan de venganza contra ambos...

Clint sufre la agonía de la tumba

La película ostenta un nivel bastante superior a lo que suelen ser este tipo de telefilmes, con un guión correcto, interesante, y que consigue en todo momento meternos en la historia, y ponernos totalmente de parte de su torturado protagonista, haciéndonos sentir ultrajados ante la inhumana frialdad con la que su esposa (magnífica Jennifer Jason Leigh) corresponde a toda la atención y paciencia que él le presta.
Si bien se nota cierta dejadez en lo visual, la banda sonora, el guión y los actores corresponden a una buena película de suspense, muy entretenida. Los inicios (bastante olvidados, me temo) de un director reconocido hoy en día por sus películas. No estaría nada mal que se recuperase, pues ya se detecta que en este telefilm hay "algo más".
La película gozó de cierto prestigio en el mercado de vídeo, gracias al boca a boca, lo que propició que, años después, se rodase una secuela, dirigida por el propio Matheson, que contaba con este y con Ally Sheddy como actores, y que hasta ahora no he conseguido ver.

House, una casa alucinante

2008-07-16T13:04:00.000-07:00

Podría decirse que "House, una casa alucinante" fue, para las casas encantadas, lo que supuso "Un hombre lobo americano en Londres" a la licantropía, y "Noche de miedo" a los vampiros, en los años ochenta, un filme que "cruzaba" horror con comedia. En este caso, pese a estar dirigida por el mediocre Steve Miner, tiene un guión del desgraciadamente desaparecido en combate Fred Dekker, y los integrantes de su ficha artística contribuyen a hacer de la película algo más que otra peliculilla de terror. Para empezar, el hecho de que el protagonista sea un adulto, y no un adolescente, ya la pone por encima de las antes mencionadas en el aspecto argumental. Aquí tenemos a Roger Cobb (el siempre simpático "gran héroe americano" William Katt) un afamado novelista de terror con legiones de fans. Su editor le presiona para que escriba otra novela, pero Roger lleva una vida personal muy confusa: todavía sigue traumatizado por su experiencia en la guerra de Vietnam, y desea exorcizar esos recuerdos escribiendo un libro, pero su agente le presiona para que escriba otra novela de terror; su hijo desapareció mientras estaban de vacaciones en casa de su tía, a consecuencia de ello, su esposa le abandonó, y ahora, Cobb recibe la noticia de que su tía ha muerto, presuntamente se ha suicidado. Roger quiere vender la casa, pero cuando la visita con un agente inmobiliario, le pueden los viejos recuerdos infantiles, y decide trasladarse a la casa, y encontrar allí la paz que necesita para escribir su novela sobre la guerra.
El film empieza bien, con una escena de terror puro, donde un joven repartidor acude a la casa, y descubre a la anciana ahorcada, y balanceándose todavía en la soga. Un buen susto para comenzar antes de meternos en la historia. Una vez en la casa, buenos momentos de terror se sucederán, como el ataque de un ser que sale del armario todas las noches a las doce, un enorme pez pescado por su tío décadas antes, que vuelve a la vida, o un engendro que se hace pasar por su esposa y que quiere matarlo a toda costa. Pero los momentos de comedia no tardarán en hacer acto de presencia: la vecina que nada en la piscina de Roger y le lleva a su hijo para que lo cuide, los policías que acuden a la casa mientras el escritor trata de ocultar el cadáver del engendro que le ha atacado, pero sobre todo, ese vecino cotilla y fan irredento del escritor, interpretado por George Wentz (la serie Cheers) que pensará que Roger es un desequilibrado e incluso que puede llegar al suicidio.
Roger por su parte, comenzará a tener visiones y sueños que le llevarán a estar convencido de que su hijo está preso por fuerzas malignas en algún lugar de la casa...

La casa maldita

Como muchas películas sobre la temática de casas encantadas, al principio se juega con la idea de que Roger sea realmente un enfermo mental debido a los trágicos sucesos que han golpeado su vida, y que todas las experiencia supuestamente sobrenaturales sean fruto de su enajenación. Así, la estupenda escena en la que su esposa va a visitarle, convirtiéndose en un grotesco monstruo que le molerá a golpes, por lo que Roger lo mata, para a continuación observar horrorizado como el ser ha vuelto a tomar la apariencia de su esposa. Sin embargo, pronto no quedará duda de que lo que sucede en la casa es real, la casa está encantada. Es, sin embargo, una auténtica sorpresa, la conclusión del filme, que no tiene nada que ver con maldiciones antiguas, sino con el suceso que más aterra a nuestro protagonista, un suceso real que no tuvo nada de mágico. Así, los incómodos flashbacks sobre la guerra que hemos presenciado, y que parecían innecesarios y de relleno, cobran sentido hacia el final.
House, una casa alucinante, es, por lo tanto, una película sobre sucesos sobrenaturales con insertos de comedia, que juega con el equívoco y que combina bastante acertadamente los elementos de ambos géneros, tan opuestos como solo pueden serlo el terror y la comedia.
La película gozaría (es un decir) de varias secuelas: así, House II, aún más alucinante, está dirigida por el co guionista de la primera parte, Ethan Whiley, y es interesante debido a lo enrevesado y psicodélico de su guión; House III cuenta con el gran Lance Henriksen para darle solvencia, interpretando a un policía traumatizado por un asesino al que supuestamente cazó. House IV ignoro si se ha estrenado en España, y pese a contar de nuevo con William Katt, los que la han visto solo tienen palabras de decepción.
La primera entrega de esta curiosa saga es de esas películas que se dejan ver con una sonrisa, gracias a la labor de los actores, que hacen creíbles a sus absurdos personajes. Un film modesto, pero refrescante.

Estamos muertos, ¿o qué?

2008-07-16T10:36:00.000-07:00

Mark Goldblatt tiene un impresionante currículum como montador (desde filmes de Joe Dante como Piraña o Aullidos a los dos Terminator, Rambo: Acorralado Parte 2, Razas de noche, Mentiras arriesgadas, Commando...). Como director, sin embargo, debutó con este filme para dirigir posteriormente la penosa "The Punisher" con Dolph Lundgren... y nada más. La presente película, rodada en 1988, es uno de esos filmes de finales de los ochenta que produjo New World, la productora de Roger Corman, tan deficientes como divertidos. El presente solo destaca por tener una ficha técnica un poco por encima de la media: así, el desaprovechado Treat Williams, secundario en la obra maestra de Leone "Érase una vez en América" y protagonista de una cinta injustamente olvidada, al menos por estos lares, de Sidney Lumet "El príncipe de la ciudad" sobre la corrupción policial y los peligros de la lealtad/traición hacia los compañeros, interpreta aquí a un policía serio, formal y discreto, de elegante vestuario, Roger Mortis. Es todo lo contrario que su compañero, Doug (Joe Piscopo, salido del programa Saturday Night Live) un tipo mal hablado, rudo, inculto y que viste más como un matón que como un policía.
Los dos investigan una serie de inverosímiles robos, donde los ladrones, atracando siempre en parejas, irrumpen a tiro limpio en bancos y joyerías y se llevan el dinero y las joyas sin que nadie pueda detenerles. La banda ha sido denominada por la prensa "Toma el dinero y corre" y las pistas sobre ellos son escasas. En un alucinante tiroteo, Roger y Doug eliminan a dos de los ladrones, y más tarde la forense policial, Rebeca Smithers, antigua novia de Roger, les llama para decirles que los dos atracadores ya estuvieron antes en el depósito... como cadáveres, e incluso tienen realizada la autopsia.
Un extraño producto hallado en la piel de los cadáveres lleva a la pareja a un complejo farmacéutico donde aparentemente, todo es normal, pero durante una visita por el centro, Doug se cuela en una sala donde un enorme monstruo le ataca. Durante la lucha susbsiguiente, Roger queda atrapado en una cámara descompresora que priva al organismo de oxígeno, y muere asfixiado. Cuando Rebeca llega al lugar de los hechos, descubre en la sala donde Doug luchó con el monstruoso zombie, una máquina capaz de revitalizar los tejidos y reanimar a los muertos. Roger será resucitado, pero con malas noticias: se descompondrá en doce horas, muriendo, esta vez definitivamente. Los dos policías aprovecharán este lapso de tiempo para intentar descubrir a su asesino.
La película reúne todos los tópicos de las "buddy movies" de la época: los dos amigos radicalmente opuestos, pero que trabajan bien juntos, el compañero policía chulo y altanero que no les cae bien, el jefe de policía gruñón, pero que en el fondo sabe que "nuestros héroes" son buenos policías, el antiguo interés amoroso del protagonista, o incluso la "mujer fatal" y misteriosa, aquí Randy James (Lindsay Frost) que conoce todo lo que está sucediendo.
Vincent Price, en una interpretación lamentablemente cortísima, interpreta a un multimillonario supuestamente fallecido, Arthur P. Laudermilk, que es en realidad el inventor de la máquina de la resurrección. Darren McGavin interpreta al jefe de forenses, que desde el primer plano en el que aparece, cualquier espectador se da cuenta de que sabe más de lo que dice.

La máquina de la resurrección en pleno apogeo

Los zombies del filme son muertos devueltos a la vida que pueden recibir toda clase de heridas sin inmutarse, y que se pudren con el tiempo. Es interesante que la mayoría sean grotescamente mutantes, pero Mortis no experimente una transformación tan acusada (se le cae la piel, y poco más). Muy recordados por los aficionados que solían pescar estas películas en el videoclub o en televisión, son los momentos más desmadrados, como la visita de la pareja de policías a un restaurante chino, donde el dueño resucita a todos los animales que tiene en su carnicería, o cómo determinado intérprete se descompone rápidamente ante los ojos de Roger.
Los momentos de comedia son muy de la época, por lo que en su mayoría han quedado notablemente desfasados, aunque las ocurrencias de Doug tienen siempre cierto humor "atemporal", o aquella escena en la que Roger, ya bastante deformado, es detenido por un joven policía motorizado, que se queda completamente anonadado al ver como el "zombie" saca su placa de policía y se presenta, como si nada. Lo más notable, sin embargo, son los momentos realmente solemnes y melancólicos que inundan el filme, como aquel en el que los dos policías y la joven interpretada por Lindsay Frost están leyendo esquelas en una biblioteca, y de pronto Roger toma conciencia de que está realmente a punto de morir, y que no ha hecho con su vida todo lo que habría deseado.
Por desgracia, el guión está lleno de fallos de estructura incomprensibles, que no sé si achacar a un mal montaje (aunque siendo su realizador un montador con oficio, lo dudo) o simplemente, a que los guiones de este tipo de películas nunca han sido muy coherentes. Así, queda bastante claro que el plan de Laudermilk es vender el secreto de la inmortalidad a una serie de ancianos ricachones, a cambio de grandes sumas de dinero, pero, si esto es así, ¿porque el personaje de McGavin resucita delincuentes y los obliga a robar diversos establecimientos, si pronto va a tener más dinero del que podrá contar? No queda clara la relación entre ambos, porque están indudablemente asociados para vender la inmortalidad y sacar provecho económico de ello, pero, si esto es así, ¿porque Laudermilk deja la pista encriptada en su tumba, que llevará a los policías hasta McNab? Todos estos fallos hacen que la película sea muy inverosimil.
Así, nos queda un filme netamente ochentero, con todos los defectos (y virtudes) que ello conlleva, unos actores que están por encima de lo esperado en estas películas de serie B (lástima del desaprovechamiento de Price, en uno de sus últimos papeles) pero que, pese a todo, puede ser contemplada con indulgencia, con una media sonrisa de complicidad. Al fin y al cabo estamos ante un producto "palomitero" de la época, con tiros, zombies, explosiones, humor "ochentero", caras conocidas y una trama no del todo ridícula. Sobre todo, perfectamente disfrutable, sin llegar a tomarse en serio a si misma, pero sin caer en la auto parodia tipo Scary Movie, siendo un producto de su época que se puede disfrutar todavía hoy en día sin demasiados complejos.

1997... Rescate en Nueva York

2008-07-13T04:22:00.000-07:00

Tras dirigir dos pequeñas joyas enclavadas en el género del terror "La noche de Halloween" y "La niebla", quizás por miedo a encasillarse en aquellos primerizos tiempos, John Carpenter decidió cambiar de rumbo y atreverse con una película de acción futurista, tan anti utópica y fatalista como suele serlo la obra de este hombre a la hora de juzgar a sus congéneres, los seres humanos. Las incursiones de Carpenter en la ciencia ficción pura son escasas, pero todas intensísimas, desde la presente y su secuela "2013 Rescate en Los Angeles" a esa maravilla titulada "Están vivos".
Producida por la independiente Avco Embassy, que ya se había hecho cargo de la anterior "La niebla" Carpenter contó con Kurt Rusell, quien inmortalizaría al personaje de Plissken "el Serpiente", un mercenario duro, solitario, amargado e individualista.
La historia que se nos presenta en los títulos de crédito cuenta como el gobierno americano, ante la preocupación por la vertiginosa ascensión del número de delitos cometidos en su territorio, convierte Nueva York en una enorme prisión, en el año 1988. Así, todos los accesos a la prisión están minados o inundados, y se vigila a los prisioneros desde la mismísima Estatua de la Libertad, evitando así las fugas. Dentro de la prisión no hay guardias, rige la ley de la selva, y la única acción policial se sucede siempre para evitar fugas.
En 1997, el Presidente de Estados Unidos (adecuadísimo Donald Pleaseance) sobrevuela la ciudad en el Air Force One para dirigirse a una conferencia en la cumbre, con los representantes de China y la Urss, llevando atado a su muñeca un maletín que contiene una grabación cuyo contenido sobre fusión nuclear podría evitar una nueva guerra mundial. Por desgracia, su avión es secuestrado por una guerrilla revolucionaria y estrellado en Nueva York en una maniobra suicida, de la que el Presidente se salva saltando del avión en una cápsula, y cayendo en algún punto de la prisión.

Serpiente se toma un descanso entre las ruinas de la Gran Manzana

El jefe de policía de la isla, Bob Hauk (excelente Lee Van Cleef) intenta rescatarle, pero un tenebroso secuaz le advierte que ha sido secuestrado y le matarán si no se cumplen todas sus exigencias. Obligados a permanecer lejos de la isla, Hauk decide recurrir a un prisionero recién llegado que iba a ser condenado a cadena perpetua en la prisión: Serpiente Plissken (Kurt Rusell en el papel de su vida) un antiguo héroe de guerra repetidamente condecorado que, sintiéndose traicionado por su país, se convirtió en mercenario y fue capturado robando en el Depósito de Reserva Federal. Hauk le ofrece la libertad y la retirada de todos los cargos si rescata al Presidente en 22 horas, que es el tiempo que durará la conferencia. Sin embargo, conociendo el carácter de superviviente solitario de Plissken, le inserta dos micro bombas en el cuello, que explotarán exactamente en 22 horas. Naturalmente, hay un antídoto para él... siempre y cuando salve al presidente a tiempo.
Con el tiempo en su contra, Serpiente aterriza con un aeroplano en la azotea del World Trade Center, y tendrá que atravesar la ciudad, rodeado de peligros de todo tipo y contando con varios aliados a la fuerza; un simpático taxista (Ernest Borgnine) un antiguo socio que le traicionó (Harry Dean Stanton) y la novia de este (Adrienne Barbeau). Juntos intentarán rescatar al presidente, que está en poder del máximo líder de la isla, un hombre conocido como el Duque (Isaac Hayes)...
Carpenter comienza cargando las tintas desde el mismo inicio, presentando un Estados Unidos teóricamente futuro, donde un gobierno totalitario, aprovechando la excusa de combatir el crimen, ha convertido el país en una fuerza militar, y aprovecha para meter a cualquiera que no case con sus ideales en la prisión de Nueva York. Así, el Serpiente es un antiguo militar, un héroe de guerra, una leyenda viva más que una persona (todo aquel con quien se topa le dice que le creían muerto) un hombre hastiado de la sociedad en la que vive, y a la que un día sirvió, y que a los ojos de esa misma sociedad se ha convertido en un inútil, en un auténtico peligro para el orden establecido. No importa que una vez fuera "de los buenos", una vez ha cometido un delito, es automáticamente deportado a la prisión. Pero cuando surge esta misión imposible, es el único hombre a quien pueden recurrir las autoridades.

Plissken se enfrenta al jefe de policía de la isla, Hauk

También es interesante comparar las dos "figuras de autoridad" del filme: un Presidente de los USA pusilánime, cobarde y reaccionario, que se deja humillar y pierde la compostura cuando se supone que representa a la nación más poderosa del mundo, mostrando, en los últimos minutos del filme, un comportamiento psicopático. Carpenter lo presenta con un ojo morado, atado, humillado, con una peluca rubia (de hecho, el guión llevaba escrito desde 1974, pero nadie quiso hacerse cargo porque el presidente de la nación resultaba humillado). Cierto comentario suyo, completamente hipócrita y de cara a la galería, hará que Plissken le mire con auténtico asco.
Por otro lado, tenemos al Duque, líder absoluto de la prisión ante quien parecen responder todos. Pero no es un dictador, como lo podría ser el propio Presidente, sino que parece un hombre a quien se le intuye que busca el beneficio para toda su gente (pide a cambio de la vida del Presidente la liberación de todos los prisioneros de Nueva York).
Así pues, tenemos a un anti héroe, el más reconocible de la filmografía carpenteriana, empujado a realizar una misión casi imposible si no quiere morir, manipulado por las autoridades a las que un día perteneció, obligado a ir a un lugar del que nadie puede regresar. El aspecto de Rusell en la pelícual es sumamente gráfico: su barba de varios días, su desgreñada melena, su cazadora de aviador, su parche en el ojo, sus poses críticas y sus frases cortantes, desganadas, o la insistencia en que se llame por su apodo, son pequeñas piezas que conjugan un puzzle particularmente apetecible, un personaje que, sin llegar a ser despreciable, está muy lejos del héroe tradicional (ese mismo año se estrenarían "En busca del arca perdida" y "Superman 2").
Es admirable la dirección artística del filme, que recrea un Nueva York sucio, destruido, abandonado a la barbarie, con edificios derruidos, coches desvalijados y apilados, hogueras en las calles y bandas de todo tipo que pueblan el lugar, desde simples saqueadores a una impresionante banda de caníbales que viven en el subsuelo, y cuya única aparición es suficiente para que quede en nuestra memoria, como ponen en jaque al héroe, atrapando a la mujer que acaba de conocer en el Choc o Full Nuts.
También es destacable, y ha pasado a la historia por si sola, la banda sonora, compuesta, como es habitual, por el propio John Carpenter. El tema principal, esa música electrónica y electrizante, sirve a la perfección para introducirnos en el trepidante viaje del "Serpiente", y que ha sido posteriormente retocada en varias ediciones de la Banda Sonora para "modernizarla".
Estrenada el mismo año que la mencionada "En busca del arca perdida", 1997 Rescate en Nueva York es un filme en las antípodas de la película de Spielberg, un filme mucho más cercano al cine negro y/o futurista repleto de mundos devastados, sin principios ni moral, donde los protagonistas de la función eran tan duros, fríos y crueles en sus métodos como los mismos malvados a los que perseguían, donde el idealismo y la ingenuidad de los viejos seriales a los que Spielberg pretendía rendir culto no tienen cabida, pues el mundo de Rescate en Nueva York es un mundo sin libertades, sin esperanzas, donde no hay sitio para el individualismo. Conceptos como amistad, lealtad o traición pasean por el filme constantemente, negándose o afirmándose: el personaje de Cerebro traicionó a Plissken en el pasado, por culpa suya este estuvo a punto de ser detenido, pero una vez más le ayudará, más por conveniencia que por verdadera lealtad. Cuando Plissken es atrapado, Cerebro niega haberle ayudado voluntariamente, pero más tarde pide al Duque que no le mate. Maggie siente una absoluta lealtad hacia Cerebro, que será inquebrantable hasta el final; el simpático taxista abandonará a los demás cuando se crea en peligro, pero acudirá a salvarlos en el momento clave, etc.
En 1997, año "titular" de la película, se dirigió la secuela, producida por la Paramount, donde Carpenter, la productora Debra Hill (hace poco fallecida) y el propio Rusell escribieron el guión. Muchos fueron los escépticos que dudaron que Rusell fuese a volver a enfundarse el parche y la cazadora raída, pues en la época del primer filme era un desconocido y en la del segundo, ya una estrella consolidada. Pero Rusell había protagonizado ya cuatro películas con Carpenter, y no iba a negarse a esta. La secuela resulta algo más decepcionante de lo que uno esperaba, y se plantea más como un remake irónico, pero el delicioso y magistral final redime cualquier fallo que pudiera tener.
Ahora se habla de un remake, con el improbable Gerald Butler tomando el relevo detrás del parche del Serpiente. En estos tiempos de lo políticamente correcto, dudo mucho que el remake, si se llega a realizar, tenga una mínima parte de la fuerza que posee todavía hoy en día, la película original, que influyó a no pocas producciones posteriores y todavía hoy sigue presente en las listas de los aficionados al cine post apocalíptico.

Scream, Vigila quien llama

2008-07-09T12:52:00.000-07:00

La primera mitad de la década de los noventa no solo no supuso prácticamente ninguna evolución, cinematográficamente hablando, sino que la calidad del cine fantástico bajaba en picado, salvo las obras de unos pocos autores consagrados cuyos nombres cualquier aficionado puede conocer: el entonces emergente Tim Burton, John Carpenter, David Cronenberg, Lynch... otros como Argento o Hopper estaban de capa caída, intentando imitar sus éxitos precedentes o, directamente, en el olvido.
Mediante la explotación de sagas ta harto quemadas (Halloweeen, Viernes 13, Hellraiser, Critters, La venganza de los muñecos, Robocop, Pesadilla en Elm Street...) banalizando cada vez más las propuestas en pos de ofrecer la mayor simpleza argumental posible, y cada vez más excesos en cuanto a FX. Además, el cine gore estaba en plena época de eclosión, llegaron al videoclub cintas como "Gorex", "The burning moon" o las tropelícas de Jorg Burguereit, pero todas estas cintas, cuanto más morbosas, sangrientas y explícitas eran, más bajo caían narrativa o artísticamente, borrando las difusas fronteras entre "cine de terror con excesivos FX" o "comedia con gore para reírse con las tropelías".
1996. El cine de psycho killers está muerto. Uno de sus "padres" en los años ochenta (y hasta 70) el sobrevalorado Wes Craven, decide apuntarse a la moda del reciclaje y crear esta "Scream" (que en principio iba a titularse Scary Movie) un filme multireferencial en la onda de tarantino, pero aplicándose sobre todo al cine de terror palomitero de los ochenta: chicos y chicas guapos y pijos hablando de banalidades (más modernas, pero banalidades al fin y al cabo) mientras son acechados y asesinados por un psicópata enmascarado cuya desconocida identidad llevará al equívoco...
El prólogo que abre el filme hace predecir al espectador que va a ver una película llena de fuerza, energía, cine palomitero en su vertiente más agraciada. Así, la joven Casey (Drew Barrymore) es torturada psicológicamente a través del teléfono por una susurrante voz, que dice tener secuestrado a su novio, y le hará ciertas preguntas, formuladas con bastante mala leche. El brutal asesinato de Casey es sencillamente, inolvidable, brutal, prometedor...

El grupo protagonista

Para, a continuación, embarcarnos en una hora y pico de tópicos del peor cine made in Viernes 13, donde los adolescentes (meros arquetipos pasados por el barniz de lo moderno) donde la pandilla cuya cabeza visible es Sidney (Neve Campbell) torturada por el brutal asesinato de su madre el año anterior, su novio Billy (Skeet Ulrich) el repelente cinéfilo Randy Meeks, etc. Los asesinatos conmocionan a la pequeña población de Woodsboro, con la policía y los adultos preocupados, velando por los chicos, mientras estos solo piensan en fiestas, insensibilizados y ajenos al hecho, no solo de que dos de sus compañeros han sido asesinados, sino también que ellos podrían ser los siguientes.
Craven pretende reflejar una sociedad sin complejos, deshumanizada, y logra captar la esencia de la época, donde la mayoría de adolescentes que vayan a ver la película no disten todo lo que se podría esperar de los tópicos que se ven en pantalla. Lo mejor acaban siendo esos adultos, tan desquiciados y, en el fondo, ingenuos como los chicos: el padre ausente de Sidney que será el primer sospechoso, esa prepotente y ambiciosa periodista, Gale Weathers, interpretada por Courtney Cox, o el policía novato e inexperto manejado por esta, Dewey Riley (David Arquette), que parecen completamente distanciados de lo que les rodea.
El asesino en si, Ghostface, es uno de los más patéticos de la historia del subgénero, y se da más golpes contra paredes y suelos de los que propina a sus víctimas; sus correrías por los pasillos o su aparición en un supermercado, sin que nadie lo detecte, son completamente increíbles y no contribuyen más que a alejar de la historia a cualquier espectador que ya haya visto unos cuantos subproductos de psycho killers. La identidad del asesino va pasando de sospechoso a sospechoso, y debo reconocer que Craven logra engañar y sorprender con cierta escena, hacia el final de la película, donde se va comprobando quien es lo que parece y quien no.
Esa parte final, en una casa de campo llena de adolescentes, es puro auto homenaje: jóvenes asesinables beben y fuman mientras ven "La noche de Halloween", y Randy, el erudito en estas lides, les enseñará las principales reglas para sobrevivir en una película de terror: no beber, no fumar, no practicar sexo, y desde luego, no decir nunca "Enseguida vuelvo". Así se pone en solfa precisamente lo que estamos viendo; Craven se divierte rodando un filme de corte palomitero sin tomárselo en serio en ningún momento, regalando a sus admiradores varios auto homenajes sin pudor alguno: tras cierta escena de suspense, el director de la escuela descubre al conserje barriendo los pasillos: este luce un jersey a rayas rojas y verdes y lleva un sombrero, para más inri, se llama Fred, y está interpretado por el propio Wes. También en cierta escena, el personaje interpretado por Rose McGowan mencionará a un tal director de cine "Wes Carpenter", como si Craven quisiera compararse con uno de sus colegas (comparación de la que saldría bastante mal parado).
Así, en 1996, cuando el subgénero de asesinos psicópatas estaba a punto de extinguirse, Craven lo resucita y le da nuevas fórmulas que no son sino las viejas bañadas en oro y expuestas siempre al cachondeo y al homenaje de obras ajenas de las que supuestamente bebe Scream. Como no, el éxito económico estaba cantado, propiciando dos horribles secuelas y un sinfín de fotocopias clonadas que mezclan el modelo de Scream con todo tipo de influencias del cine añejo del cual copian elementos sin pudor: Sé lo que hicísteis el último verano, Leyenda Urbana, Cherry Falls... y un buen montón de títulos que fueron pasando de ser superproducciones "made in Dimension" a ser subproductos directos a las estanterías de los videoclubs en DVD. Así, si un año antes de Scream se estrenaba uno de los filmes fantásticos más inteligentes de la década, "En la boca del miedo", Craven demostró con esta película que no es necesario tal esfuerzo, que basta con reinventar las bases cada década y volver a repetir los más trillados esquemas del cine más consumista, añadiendo siempre caras guapas, suficientes efectos especiales, alguna persecución que haga sentir una moderada dosis de suspense al escasamente exigente público... y poco más.
Hoy en día, el género fantástico ha muerto como tal, y solo sobrevive monetariamente gracias a la sobreexplotación de éxitos anteriores: secuelas, remakes, adaptaciones de cómics, libros y hasta de videojuegos, cualquier cosa vale con tal de no esforzarse en hacer algo diferente y original, ya no evolucionar ni innovar el género, sino simplemente, hacer algo distinto que no sea una fotocopia de otra cosa. No diré que estas vacas flacas puedan achacársele a Craven, pero quedará en el terreno de la especulación que hubiera sucedido si este Scream suyo, tan apetitoso por fuera como vacío por dentro, hubiese allanado el camino.
No es Scream una obra maestra, ni siquiera una buena película. Su prólogo, como cortometraje, si habría sido una absoluta obra maestra, pero como conjunto de una obra, todo resulta demasiado pretencioso, falto de modestia y sin ningún tipo de incentivo. No ofrece nada que no ofreciese cualquier secuela de Viernes 13, salvo ver caras conocidas y proporcionar una hora y media de entretenimiento, que en los tiempos que corren, empieza a ser cada vez menos frecuente.

It (Eso)

2008-07-05T11:54:00.000-07:00

Estamos acostumbrados a que, cada pocos años llegue alguna miniserie basada en alguno de los "tochos" de Stephen King. Es triste decirlo, pero la época de este hombre ya pasó, y esto tiene reflejo en las adaptaciones a cine o televisión que se hacen de su obra: lejos quedan los tiempos donde dichas adaptaciones las dirigían genios como Stanley Kubrick, John Carpenter, Rob Reiner Brian De Palma... o como mínimo, pequeños artesanos cinematográficos venidos a menos, como Tobe Hopper dirigiendo la miniserie Salem's Lot o George A. Romero encargándose de la tenebrosa historia "La mitad oscura". Quizás la reciente "The mist" contradiga esto, pero mucho me temo que sea la excepción de la regla.
Si bien es cierto que su primera miniserie fue la referida "El misterio de Salem's Lot", en aquella época el formato doméstico no estaba tan desarrollado como ahora, y fue a partir de IT que se adaptaban sus obras para televisión, pero pensando sobre todo en los beneficios a nivel de ventas sobre todo, alquileres de vídeo. La presente película fue dirigida por el discreto y tirando a mediocre Tommy Lee Wallace, amigo de John Carpenter y director de la interesante "Halloween 3, el día de la bruja", que aquí consigue transmitir una gran fuerza a ratos, pero llega a fracasar en conjunto. El filme ha tenido muy diversos montajes, con motivo de su conversión de miniserie a película de vídeo; habiendo visionado yo la edición de vídeo que sacó Warner en 1990, no puedo hablar más que de este montaje.
Todo comienza con el asesinato (sabiamente fuera de cámara) de una niña en su jardín, que ha visto a un extraño payaso. Desde ese momento se nos sugiere más que se nos muestra, técnica que, por desgracia, no será extensible a toda la película, así, la madre chilla horrorizada al ver el cadáver presuntamente mutilado de su hija, pero nosotros solo veremos la bicicleta tirada en el suelo de esta...
Asistiremos a las investigaciones de la policía en lo que parece ser un caso más de varias desapariciones o muertes de niños. El bibliotecario de la ciudad donde todo transcurre (Derry, otra localidad ficticia en Maine) Mike Hanlon, investiga por su cuenta, y parece conocer los hechos que se están sucediendo más que la propia policía. En el lugar del último crimen halla la fotografía de un niño, que le impulsa a buscar números de teléfono en una agenda.

Los niños sufren una traumática infancia debido a los horrores...

Así, sabremos que, treinta años antes en Derry, una pandilla de siete chicos se reunieron casi por accidente, y descubrieron que los asesinatos y desapariciones de niños estaban causados por un siniestro payaso que no ven los adultos, y que puede transformarse en todo aquello que temen. Las pesquisas de los chicos, entorpecidas por el acoso de una banda de matones locales liderada por el repelente Henry Bowers, les lleva siempre a las enormes y laberínticas cloacas que hay debajo de Derry, y que parece ser el lugar de residencia de ese monstruo desde tiempos inmemoriales.
Es de agradecer el formato por el cual se nos presentan los hechos: Hanlon llama a uno de sus amigos, este recibe la llamada, siendo adulto, y a partir de esta comienza a recordar los hechos. De esa manera, cuando llegamos a los últimos flashbacks, ya tenemos suficente información sobre los chicos y sobre "Eso", ese terrible payaso de sonrisa inquetante tan magníficante interpretado por Tim Curry, y podemos enfrentarnos a la "resurrección" del monstruo en la actualidad y a como los niños (ahora adultos) le volverán a hacer frente, pero más que a ese payaso, a sus propios miedos infantiles, todavía ocultos bajo la superficie...
Otra cosa de agradecer es que el grupo de chicos en edad adolescente se aleje del tópico grupo de "goonies", chicos divertidos, bienintencionados y bastante ingenuos. Aquí todos tienen problemas, sobre todo en la relación con sus progenitores: Bill (el fallecido Jonathan Brandis) ha perdido a su hermano pequeño George (asesinado por el payaso en una de las escenas más terroríficas y recordadas del filme) y a demás de tener que hacer frente a su tartamudez, tiene que vivir con unos padres completamente hundidos y desinteresados por la vida, tras la muerte de su hijo menor; Ben se enfrenta a su orfandad por parte de padre, a tener que vivir de la caridad de parientes ricos y repelentes, y a las burlas de los mencionados matones; Beverly es una chica de familia pobre cuyo padre la maltrata constantemente, Eddie tiene asma y es un chico enfermizo, al menos para su madre, que lo sobreprotege hasta el punto de hacerle creer que siempre está enfermo y corre peligro, Mike y su familia tienen que soportar todo tipo de injusticias por ser de otra raza (recordemos que la historia, cuando son niños, transcurre en los años cincuenta)...

...que treinta años después seguirán acechándoles

Se nos va presentando a un grupo de muchachos repudiados por la comunidad y por sus propios compañeros, que se llamarán a si mismos "el club de los perdedores", pero que quizás por ese mismo aislamiento, serán los únicos en percatarse de la aterradora realidad que los rodea. Tendrán que reunir valor para bajar a las cloacas, no sin antes compartir un extraño ritual mediante el cual todos hacen uso del aparato para el asma de Eddie, como si fuese una especie de nexo de unión, y se valdrán de unos pendientes de plata con un tirachinas para hacer frente al payaso. Finalmente se marcharán, sin saber si lo han matado o simplemente lo han derrotado temporalmente. Los siete se separarán, pero treinta años después pueden comprobar que aquellos sucesos están muy lejos de haber quedado olvidados, y "Eso" ha despertado... con sed de venganza.
Centrándonos en el "monstruo", Pennywise (traducido sería payaso tacaño o payaso bailarín) es un ser realmente aterrador (los demás actores evitaban a Tim Curry durante el rodaje, según se cuenta) un ser que cada treinta años inicia un ciclo de asesinatos de niño para alimentarse, y que puede leer en sus mentes y transformarse en todos los temores infantiles, torturando así a sus indefensas víctimas ("Todos tenéis mejor sabor cuando sentís miedo", proclamará) antes de consumar sus traumáticas muertes. Nunca está claro qué es exactamente o de donde viene este ser, si bien en la novela se nos cuenta que es un ente primigenio (de innegables ecos lovecraftianos) que asolaba el pueblo de Derry y tenía que ver, directa o indirectamente, con todas las tragedias que sucedían allí. En la novela de King se nos cuenta como se ve al payaso en distintos sucesos a lo largo de los siglos: desde un tiroteo a principios de siglo XX a una extraña explosión en una fábrica o al asesinato de un homosexual. En la película solo se menciona de pasada que ya estuvo doscientos años antes en Derry, sin dar más datos en absoluto sobre sus orígenes, lo cual podría haber beneficiado al personaje, pues dar excesivas explicaciones al final acaba con la "magia" del monstruo, pero aquí tenemos la sensación de que se nos han escamoteado datos desde el principio...
Una vez en el presente, los chicos, ahora todos ellos hombres (y mujer) de éxito en la vida, tendrán que retornar a esa pesadilla que ya creían pasada, y a la promesa de volver a Derry si "Eso" no había muerto. En la ciudad, intentan plantar cara a sus miedos (Beverly visita la casa de su padre maltratador, Bill acude a la tumba de su hermano, Ben baja al estanque donde veía el cadáver de su padre fallecido en la guerra...) y finalmente se reúnen para celebrar una cena, una reunión que tiene bastantes puntos de contacto, sobre todo en los diálogos, con la película "Reencuentro" de Lawrence Kasdan. A partir de ahí, la cosa empieza a flojear: algunos se niegan a "volver a jugar como si fueramos niños", hay divisiones en el grupo... pero realmente, lo que sucede empieza a perder interés, y cuando el grupo vuelve a bajar a las cloacas, la historia sufre un importante bache narrativo, pese a la aparición en escena de la esposa de Bill (una desaprovechada Olivia Hussey).
El enfrentamiento final con el monstruo es de lo peor de la película, increíblemente burdo y mal rematado, y todo lo que después acontece es muy precipitado, como si el realizador no supiera como rematar la película y hubiera decidido escribir un final en un par de horas, sin ningún tipo de coherencia o fluidez narrativa con lo anteriormente mostrado. Quizás haya que achacarlo a un montaje apresurado o a estar ante un producto televisivo, menos riguroso de lo habitual, pero resulta realmente lamentable que algo que empieza con tantas espectativas y que mantiene el interés durante un buen rato se desinfle de mala manera cuando tocaba precisamente poner toda la carne en el asador.
Con todo, se trata de una miniserie correcta, que se luce en todas las escenas en las que Tim Curry hace su aparición con el maquillaje blanco, y con un buen casting en general. En aquel entonces, la mayoría de los actores que hacían los roles juveniles eran absolutamente desconocidos, salvo Jonathan Brandis que había participado en series como Flash o Sea Quest, y en alguna producción de género (El padrastro 2). Emily Perkins ha protagonizado la licantrópica "Ginger Snaps" y Seth Green, cuyo personaje en el filme teme al hombre lobo, acabaría interpretado, en la serie "Buffy Cazavampiros" a un guitarrista que se convertía... en hombre lobo, a su pesar.
En general, los resultados no son del todo negativos. Si, veinte años antes, una generación sufría pesadillas por un niño vampiro arañando una ventana y un monstruoso nosferatu azul en "El misterio de Salem Lot", en los noventa, King consiguió aterrorizar a otra generación entera con este payaso, máximo exponente de los terrores infantiles y cruel devorador de los niños "from outer space".

Gattaca

2008-06-29T06:18:00.000-07:00

Es impresionante descubrir filmes como este, de ciencia ficción inteligente, con un buen guión, que plantea preguntasa los espectadores, pero sin caer en el aburrimiento o en la hard-cifi, películas cuyos planteamientos filosoóficos o científicos son demasiado densos como para que el público normal pueda seguirlas con interés.
Dirigida en 1997 por Andrew Nicol, cuenta la historia de Vincent (adecuado Ethan Hawke) un joven que nace concebido de modo "tradicional" en un futuro no muy lejano, donde los padres pueden elegir a sus hijos: el sexo, el color de cabello y de ojos, y dotarlos de lo mejor de la genética, evitándoles, desde que nacen, enfermedades, miopía, malformaciones, calvicie... Vincent, es, sin embargo, un niño completamente normal, con todos los defectos (y virtudes) de un niño tradicional. Además, ya desde el momento de su nacimiento se le diagnostica una incapacidad cardiaca, que le da una esperanza de vida no superior a los treinta años. No es igual su hermano Anton, hermano pequeño que parece mayor, pues si fue concebido "in vitro", con todos los dones y ventajas, un auténtico atleta y super hombre, que siempre gana todos los juegos.
La única cosa que salva a Vincent de caer en la desesperación es su sueño de ser astronauta, sueño que todos le dicen que no puede alcanzar, ya que su dolencia le incapacita. En este futuro, la personalidad y la inteligencia dejan de tener importante, y no se hace prueba alguna a ningún candidato, salvo saber si es o no un "nacido perfecto", un válido, como los llaman. Vincent acaba desesperándose y huye de su hogar, yendo a trabajar como limpiador a Gattaca, la escuela de astronautas desde donde contempla los lanzamientos de naves al espacio. Allí comprobará que es prácticamente imposible que alcance su sueño, por mucho que se esfuerce: nadie valorará ese esfuerzo, solo la forma en que nació. Finalmente, recurre a un misterioso hombre que puede "trucar" sus análisis, y darle sangre de un válido caído en desgracia, Jerome Morrow (excelente Jude Law).

Vincent a punto de cumplir su sueño

Jerome era un destacado atleta y nadador, que tras sufrir un accidente ha quedado supeditado a su silla de ruedas. Convertido en inválido, su única forma de sobrevivir es vender su identidad a los no válidos que deseen utilizarla para llegar más lejos. Así, Vincent se convertirá en Jerome, usando su sangre y su orina en las distintas pruebas para llegar a ser admitido en Gattaca, donde enseguida destacará, y en un año le es adjudicado el privilegio de volar a Titán, un misterioso satélite. Cuando aprece que está a punto de conseguir su sueño de abandonar el planeta, un asesinato atrae a la policía a Gattaca, corriendo grave peligro de ser descubierto, y conocerá también a una compañera, Irene (espléndida Uma Thurman) de la que se enamorará, y a la que poco a poco, irá dando pistas de su auténtica condición de no válido...
¿Hasta donde existe el alma humana? ¿El espíritu de superación, los sueños y aspiraciones, el impulso se sacrificio y esfuerzo, reside todo ello en los genes? Gattaca nos dice que no, que el hombre, no puede alcanzar la perfección a ningún nivel sin que ello le cueste un precio. Véanse si no esas ordenadas filas de trabajadores de Gattaca, como robots, todos perfectos, altos, delgados y guapos, como si del sueño de Hitler hecho realidad se tratase. Robots fríos, autosuficientes, arrogantes y fríos, un mundo de apariencia donde los válidos gozan de lujo, comodidad y buena posición, sin haber ganado nada de ello, ni haber luchado por eso, mientras los "hombres" tradicionales se dejan la piel como limpiadores y ciudadanos de tercera clase, supeditados a sus genes imperfectos, pero en ellos laten los sentimientos, las ilusiones y el verdadero espíritu humano.
Una película pequeña, sin efectos especiales, sin complicados fuegos de artificio, solo una historia sobre personas, sobre la discriminación el el futuro, que seguirá siendo igual de lamentable que hoy, pero basada en otros cánones de perfección. Sobre cómo una sociedad establecida en torno a la sangre "pura" resulta ridícula y vacía, puesto que sus miembros son imperfectos y pueden llegar a ejercer la violencia para conseguir sus fines, sin escrúpulo, gozan de todo lo que desean sin habérselo ganado; y aquellos que son marginados pueden engañarles, igualar sus logros y por supuesto, superarlos. Atención también al gran mensaje de la película (no se puede jugar con la naturaleza durante mucho tiempo) propiciado sobre todo por el estupendo secundario Xander Berkeley.
Una de las últimas obras maestras de la ciencia ficción que nos deparó el siglo XX. Esperemos que, dentro de un siglo, ese "futuro no muy lejano" no haya llegado todavía entre nosotros.

Orca, la ballena asesina

2008-06-28T12:45:00.000-07:00

Esta lujosa producción "made in Laurentiis" tiene en su contra el haber sido vendida como una explotation de Tiburón (lo es, realmente, pero a niveles muy diferentes que todos los filmes italianos sobre monstruos marinos) con un terrible monstruo asesino. Pero aquí, el monstruo no es el malo, ni el que rompe el orden establecido. El principal responsable de los hechos aquí sucedidos es, por supuesto, el hombre.
Concretamente, un rudo pescador, Nolan (el carismático Richard Harris) un hombre insensible e inculto, dueño de un barco pesquero, que al avistar un grupo de orcas, decide capturarlas para venderlas a algún acuario. Por desgracia, la primera orca que trata de atrapar es hembra embarazada, que pierde a su cría accidentalmente mientras es capturada. Nolan, desesperado ante la visión del feto muerto, libera a la ballena, que será arrastrada por su compañero macho, que intenta salvarla. Sin embargo, la orca muere, y su compañero decidirá emprender una sanguinaria venganza contra Nolan...
Desde el principio asistimos con tristeza a la pérdida de la familia de la orca macho, pero tampoco somos indiferentes a la tragedia del pescador, presa del miedo y los remordimientos por lo que ha hecho, acudiendo incluso a la iglesia a buscar consuelo. Además, su esposa y su hijo murieron años atrás, en un accidente automovilístico por culpa de un conductor borracho. "Ahora, yo soy el conductor borracho", le dirá con tristeza a Rachel (Charlotte Rampling) la científica experta en orcas que supone todo lo contrario que Nolan, siendo una mujer moderna, inteligente y sensible, que comenzará despreciando al pescador y acabará ayudándole, visto que el hombre siente de verdad lo que ha hecho. La orca comenzará a matar a toda su tripulación, y después, a destruir todos los barcos de la ciudad, retando a Nolan a enfrentarse en mar abierto. Este por supuesto, se negará, pero los ciudadanos, que están perdiendo sus casas y sus barcos, obligarán al pescador a ir en busca de la orca. En la expedición le acompañarán Rachel y un indio que aporta el contrapunto de misticismo necesario, sin caer nunca en el ridículo (Will Sampson).

Nolan intenta conseguir el perdón de la orca

La historia podría haber sido una auténtica ridiculez, un pastiche desenfrenado y absurdo, pues la película está construida sobre la base de que un animal puede sentir deseos de venganza. Aquí se nos presenta a las orcas como seres con cerebro casi humano, con sentimientos, capaces de reflexionar y de sentir emociones complejas. Sin embargo, la bonita fotografía, unos actores que cumplen estupendamente (reseñando especialmente a la pareja protagonista) y sobre todo, una maravillosa y emotiva banda sonora de Ennio Morricone, todo ello provoca que nos metamos realmente en la historia, deseando que se llegue a un final feliz, tanto para la orca agraviada como para el atormentado pescador.
Convertida en mítica, sobre todo gracias al videoclub y al disfrute en el formato doméstico, algunas de sus escenas han pasado a ser históricas en el subgénero de terrores marinos, desde el feto encharcado en sangre que cae sobre la cubierta al ataque de determinada intérprete femenina, bastante popular en los ochenta. Con todo, sin ser ninguna obra maestra, si que puede considerarse una de las pocas películas excelentes nacidas al abrigo de "Tiburón" de Spielberg, quizás la única película realmente digna junto con "Piraña" de Joe Dante, que nos llegó en la década de los ochenta.

Jovenes ocultos

2008-06-28T07:52:00.000-07:00

Poco puede decirse de este filme de Joel Schumacher que no se haya dicho ya. Está próximo su remake, del que, en los tiempos que corren, poco o nada se puede esperar. El original es una historia fresca, entretenida y sin complejos (ni complejidades) una de las primeras películas de vampiros adolescentes (precedida por Noche de miedo). Ese mismo año se estrenaba la más oscura (e interesante) "Los viajeros de la noche", que contó con una campaña publicitaria mucho menor. El presente filme siempre ha sido mucho más popular que su gemelo oscuro, pero, dentro de sus "ochenteras" pretensiones, no está nada mal.
En el prólogo, un guardia de seguridad echa de un aprque de atracciones a unos oscuros matones juveniles, para después ser asesinado por unos seres a los que no vemos.
Tras un duro proceso de divorcio, Lucy Emerson (Diane West, tan dulce y adorable como siempre) se muda a Santa Carla, la "capital criminal del mundo" con sus hijos, Michael (Jason Patric) y Sam (Corey Haim) a vivir a casa de su padre, un solitario y excéntrico anciano que se dedica a disecar animales. Allí, en el ambiente nocturno y festivo del parque de atracciones, cercano a la playa, los dos hermanos se verán seducidos: Sam, por una enorme tienda de comics, de cuyos dueños, los jóvenes hermanos Frog (Corey Feldman es uno de ellos) se hará amigos, y el mayor, Michael, de una exótica y misteriosa muchacha que corretea por el parque todas las noches con un niño, Estrella (Jami Gertz) yq eu es la novia del líder del grupo de motoristas, David (Kiefer Sutherland). Este reta a Michael a una carrera de motos que acaba en el borde de un acantilado. Tras superar la prueba, Michael les acompaña a su guarida, en una enorme cueva subterránea, donde se divertirán sugestionándole y le darán de beber un líquido rojo. Michael no volverá a ser el mismo, y solo su hermano Sam le será fiel, intentando ayudarle junto con sus amigos (en realidad, dos patéticos caza vampiros)...
Lo primero que sorprende es su estética, profundamente enclavada en los ochenta, visual y referencialmente. Parques de atracciones plagados de punks, motoristas y decenas de tribus urbanas, imposibles tiendas de cómics regentadas por auténticos "freaks" en la materia, videoclubs que todavía son frecuentados por numerosas personas, en lugar de ser las tristes tiendas donde venden pan, leche y patatas, hoy en día... para cualquiera que viese la película en su época, la película le supondrá una auténtica ola de nostalgia. Para un espectador actual, sin perjuicios ni a favor ni en contra, le sonará algo "hortera" tanta gente con esas ropas y esos peinados, pero le proporciona a la película un aura de rebeldía que sigue haciendo bien.

Los jóvenes ocultos

Todos los flancos resultan más o menos interesantes, excepto quizá el de Sam y sus amigos, que al ser más jóvenes acumulan un vocabulario y unas conversaciones muy propias de la época, que pueden llegar a cansar un poco, pero sin que esto llegue a perjudicar la película. Pero sin duda lo más interesante es la extraña relación que se establece entre Michael y sus nuevos y raritos amigos. El hijo mayor comienza a llevar gafas, se pone un pendiente y comienza a dormir casi todo el día y a salir de noche, y a tener un aspecto pálido, sudoroso y agotado, casi como si de un drogadicto se tratase. El misterioso David, que comanda a la pandilla de melenudos vampiros, parece, desde el principio, tener sus planes para con el muchacho, conduciéndole al interior de la vida vampírica con ayuda de su prisionera/compañera Estrella (nunca queda claro si David siente de verdad algún interés romántico por ella, o si solo la utiliza para captar nuevos adeptos).
Por otro lado, la segunda trama que parece superflua al principio, pero se va convirtiendo en algod e capital importancia, es la de Lucy, la madre de los chicos, y su nuevo interés amoroso, Max, el afable dueño del videoclub donde ella trabaja, que acabará siendo uno de los personajes más interesantes. Durante la cena de este en casa de los Emerson tiene lugar la escena cómica de la cena, donde Sam y sus amigos humillan al pobre hombre intentando averiguar si es uno de ellos.
No son gratuitos los paralelismos con "Peter Pan", el cuento de barrie, desde el mismo título original, Los chicos perdidos, a la trama, donde un grupo de muchachos viven eternamente
(o sea en el pais de Nunca Jamás) supeditados a un adulto ambiguo, parte figura paternal, y parte figura amenazadora.
Por otra parte, los vampiros son aquí muy similares a los de toda la vida, aunque en lugar de dormir en ataúdes lo hacen colgados del techo, y el ajo no tiene efecto alguno sobre ellos. Tampoco se ven crucifijos en el filme, pero si una delirante escena donde Sam y sus amigos llenan sus pistolas de agua... bendita.
Sin demasiadas pretensiones, bien dirigida y lo bastante entretenida y bien rodada para resultar un bocado apetecible, todavía hoy en día. Sin llegar a ser parte de una de las mejores películas del subgénero vampírico, si es una de las más agradables, algo así como "Un hombre lobo americano en Londres", donde la hibridación de comedia y terror no está ni mucho menos tan mal llevada como en el film de Landis. Se rumoreó hace tiempo una secuela, "The lost girls" que supuestamente, presentaría a un grupo de chicas vampiro, pero lo que pronto nos llegará es el remake, del que uno, personalmente, no espera gran cosa...

King Kong

2008-06-28T06:54:00.000-07:00

Siempre me ha resultado particularmente fascinante este remake del "King Kong original", quizás por ser una de las primeras películas que recuerdo haber visto en mi infancia. En cualquier caso, si bien está lejos de ser una obra maestra (ni siquiera una película redonda está muy lejos de ser el bodrio que la mayoría insiste en ver en ella.
Dino de Laurentiis siempre fue un hombre experto en el arte de sacar oro debajo de las piedras, despuntar siempre con películas mínimamente destacables, y tenía un envidiable olfato para "adivinar" lo que el público podía querer ver. Fue para las superproducciones lo que Roger Corman para la serie B, salvando las distancias.
Así, en plenos años setenta, donde parecía que el cine de aventuras volvía a estar de moda, probablemente gracias a películas "de catástrofes" como "La aventura del poseidon" o "El coloso en llamas" (dirigida por John Guillermin, director del remake que nos ocupa) un remake de la obra maestra de la RKO (una de tantas) "King Kong" debió ser un plato especialmente apetitoso para el productor. Así, reunió un impresionante equipo técnico y artístico para dar forma a lo que se pretendía, iba a ser el no va más del cine de aventuras.
Fred Wilson (adecuado Charles Grodin) es el codicioso mandamás de un monopolio del petróleo, la Petrox Company, que atraviesa una escasez que la amenaza con llevarla a la quiebra. Tras sobornar a algunos políticos, consigue una información sobre una isla, nunca pisada por el hombre, rodeada por una cortina de humo que puede ser producida por las emanaciones del oro negro. Wilson fleta un barco en el más absoluto secreto y parte a la isla, en oriente. Al barco llegará Jack Prescott (irreconocible Jeff Bridges) un polizón ex universitario, bohemio y ecologista, que tiene ciertas informaciones sobre la isla. La banda sonora de John Barry (uno de los puntos fuertes del filme) adquiere tintes de épico misterio cuando Prescott relata a la tripulación lo que ha averiguado de esa isla, y lo que podría esperarles allí. Poco después, el barco rescata a una muchacha en un bote salvavidas, que ha sobrevivido a un naufragio. La joven aspirante a actriz, Dwan (Jessica Lange, gran descubrimiento de la película) que se unirá a la tripulación.

Prescott explica a Wilson y a su tripulación lo que se van a encontrar

A su llegada a la isla, encontrarán una enorme y antiquísima muralla, construida por los habitantes de la jungla, un grupo de nativos alejados de la civilización que hacen sacrificios a un dios supuestamente imaginario "Kong". El sacerdote, al ver a Dwan, exige que les sea cedida como relago para su Dios, a lo que por supuesto, se niegan. De vuelta en el barco, Dwan es secuestrada por los nativos, y la banda sonora alcanza sus cotas más altas al compás de los pasos del gorila gigantesco que se acerca a la chica, atada en el muro...
El principal problema del filme es a nivel técnico, y culpa de las prisas. Tiempo atrás, RKO, poseedora de los derechos, los había prometido a Universal, que deseaba hacer un remake (llegó a sonar el nombre de Barbara Streissand). Pero la RKo cedió los derechos a De Laurentiis, lo que propició litigios que se extendieron durante todo el rodaje y más allá. Aquella "pelea de colosos" propició que Dino y Guillermin tuvieran que apresurar el rodaje, por miedo a que el filme que la Universal amenazaba con rodar llegase a las pantallas antes que el suyo. El modelo gigante de King Kong, construido por el especialista italiano Carlo Rambaldi, costó una suma de dinero excesiva, dada su raquítica movilidad y su escasa utilización durante el film (solo dos escenas, aquella en que Kong aparece atado y enjaulado con bastante mal gusto, durante el espectáculo, y cuando aparece muerto en la plaza del World Trace Center). El resto del metraje, se trataba del también especialista en maquillajes Rick Baker, que confeccionó el disfraz de mono y la máscara tras asistir a diversos zoos para "inspirarse", y fue rodeado de maquetas. El resultado no es todo lo negativo que algunos afirman, aunque es cierto que los efectos especiales "cantan" que da gusto hoy en dia.

Los protagonistas se internan en Isla Calavera

Una vez el gorila gigante es aprisionado por Wilson y los suyos, y trasladado a Nueva York, termina la parte del filme que era de aventuras, una parte que era visualmente hermosa y la banda sonora sonaba como no volverá a sonar. Es la parte de la película donde residen la magia, el misterio, la aventura. La siguiente parte de la película, la que transcurre en Nueva York, es mucho más discursiva y no deja de ser interesante: Kong ha dejado de ser el Dios de los nativos, enjaulado, es mostrado ante miles de personas extasiadas, en medio de una exhibición que rezuma humillación para el antaño adorado Kong. Prescott se desentenderá del asunto, acusando a Wilson de haber hecho prisionero a un animal único, e incluso dona el dinero que recibió a una sociedad que pretende devolver al gorila gigante a su hábitat natural. El joven Prescott tratará de llevarse consigo a la joven (que es igualmente exhibida, atada, en una burda reproducción del momento de su captura) y vagarán por las calles de Nueva York, perseguidos por el gorila, que quiere a Dwan. Esta parte es claramente deudora del cine catastrofista, con gente corriendo, sufriendo o aprovechando la coyuntura para saquear comercios, como si reinase el caos más absoluto.
Al final, la bestia escalará el World Trade Center, que le recuerda a las grandes rocas donde le fue entregada Dwan, y allí será acribillado por modernos helicópteros, pese a que Prescott ha hecho un trato con las autoridades de la ciudad para que el gorila no sea dañado; una escena brutal y sangrienta donde el mono cae entre las dos torres, y una multitud se lanza contra él, como si de carroñeros se tratase (escena además real, rodada con espectadores voluntarios que despedazaban a Kong entre toma y toma, en un intento de llevarse "un recuerdo").
Quizás lo que más desilusiona sea ver desaparecidas aquellas peleas con dinosaurios, aquí, suplidas por una lucha bastante sosa con una serpiente gigantesca que parece de peluche...
Nadie pretende ver aquí una obra maestra. Los aspectos ridículos de su trama y sus anticuados efectos especiales lo impiden, pero el filme cuenta con un guión interesante (de Lorenzo Semple Jr, creador de la serie "Batman") unos actores soberbios, una banda sonora espectacular, épica, que debería pasar a los anales de la música cinematográfica, y una espléndida fotografía.
El filme gozaría (es un decir) de una secuela diez años después, de nuevo con De Laurentiis como productor y John Guillermin como director, con una novata Linda Hamilton supliendo a Jessica Lange. Con un comienzo prometedor, se convierte en pocos minutos en uno de los peores filmes jamás rodados, que más parece una vergonzante y vulgar explotation italiana, que una película nacida de la unión de los artífices del remake original...

Hellraiser III: Infierno en la Tierra

2008-06-21T13:34:00.000-07:00

En 1994, la saga Hellraiser, iniciada con bastante éxito por Clive Barker en 1987, llegó ya con esta, la tercera entrega, a perder los mínimos de calidad exigibles para este tipo de filmes, cayendo en picado y hundiéndose en los abismos de la (mala) calidad telefílmica. Tenemos un guión de Peter Atkins, supuestamente capacitado por ser colaborador de Barker, y que se había encargado ya del guión, no del todo despreciable, de la primera secuela "Hellraiser II: Hellbound".
Los derechos de la saga caían sobre New World, productora americana de Roger Corman que había distribuido la primera y segunda entrega en los Estados Unidos, pero dicha productora quebró, y los derechos cayeron en el olvido, de modo que no hubo secuela en seis años. Cuando una nueva productora, Dimension, resurgió con los restos de New World, se puso en marcha esta secuela, que estuvo al cargo de Anthony Hickock, un director discreto y bastante mediocre.
Contando tan solo con Doug Bradley como único punto de contacto con los anteriores equipos artísticos, la película narra la historia de una joven periodista, Terry, que desea salir de las noticias banales en las que está metida, y que encontrará en los pasillos de un hospital a un joven destrozado por unas cadenas. Seguirá su rastro hasta "La caldera" un local de moda cuyo dueño, JP Monroe, es un transunto del Frank Cotton de los primeros filmes, un tipo chulo, que trata con desprecio a las mujeres y que lleva una vida de banalidad y placeres materiales. Compra una estatua que halla en una tienda de anticuarios (vista al final de la previa secuela) donde, además de estar Pinhead atrapado está la caja, la Configuración del Lamento, que el muchacho del hospital se apropió. La casa llegará hasta Terry por medio de la novia del chico, Joey, mientras Pinhead vuelve a la vida tras un accidente involuntario que le da sangre, y ofrece a Monroe un mundo de placeres inimaginables si le lleva víctimas que le saquen de su prisión con su sangre...
Como vemos no hay nada nuevo bajo el sol. Otra historia de muchacha inocente, ignorante de los mundos que se abren en los espacios siderales y de los placeres que ostentan los sacerdotes de esos mundos, cuya vida se ve alterada por la presencia de la caja. Por otra parte tenemos a un hombre sin escrúpulos que venderá su alma al Diablo, por así decirlo, a cambio de esos placeres sin límites que le son ofrecidos por Pinhead, aquí indiscutible héroe de la función.

Monroe observa la extraña escultura que contiene a Pinhead

Pero aquí, ni la joven aparenta tanta inocencia, ni es tan desprevenida como la Kirsty Cotton de los filmes precedentes, y el hombre que realiza el pacto mefistotélico es un chulo sin personalidad, dueño de una discoteca de moda, incapaz de hacer sentir nada al espectador salvo ganas de que sea liquidado pronto, lejos del misterio que rodeaba a Frank Cotton en las anteriores entregas. Aquí es todo pueril, y cualquiera que se cruce con Pinhead puede verse convertido en cenobita, como si de una simple infección vampírica se tratase; no importa en absoluto que clase de persona que sea, que tenga o no acceso a la caja, que merezca o no dicha ascensión. Así, la supuesta "novedad" que ofrece esta tercera entrega es sacar a los cenobitas a la calle, para provocar un montón de sangre, pánico y aburrimiento. Pinhead camina entre el fuego y los cadáveres, soltando chistecitos a lo Freddy Krueger, y hasta tiene tiempo para alimentar al sacerdote de una iglesia cristiana con su carne, como una comunión oscura y completamente carente de sentido, una escena más, amarrada a la que la precede y la que la continúa sin ningún tipo de importancia o evolución narrativa.
Pero aún queda el ridículo asinto del doble de Pinhead: si en la anterior secuela descubríamos que los cenobitas tenían un pasado humano, y que su líder había sido un soldado llamado Elliot Spencer, aquí aparecera la "personificación" de Spencer cuando Terry empiece a jugar con la caja, y conminará a la chica a ayudarle a acabar con su "mitad" cenobita, algo completamente absurdo, un comodín ridículo sacado de la manga para añadir metraje y sacar al actor Doug Bradley sin maquillaje, y propiciar también una escena en que ambos (Pinhead y Elliot Spencer) se funden en un solo cuerpo, que si bien en otras circunstancias podría haber sido algo muy interesante, aquí no es más que una excusa para mostrar efectos especiales.
En definitiva, un filme fallido que abocaría a las sucesivas entregas de la saga a repetir esquemas, en lugar de explorar el mundo cenobita desde otras perspectivas, lo que podría haber dado lugar a infinidad de secuelas muy interesantes. Se prefirió, sin embargo, convertir a los cenobitas en protagonistas de las películas, payasos infernales cuya "profundidad" era risible en comparación con los del primer filme, y sus protagonistas humanos siempre fueron "héroes" o heroinas ajenos al mundo cenobita, u hombres oscuros y de aviesas intenciones que tratan de atravesar las barreras entre los mundos. En cuanto a "Hellraiser III: Infierno en la tierra", es una peliculita de serie B que bordea el ridículo sin tener absolutamente nada que aportar.

The Haunting

2008-06-21T13:00:00.000-07:00

Robert Wise es un artesano, cuyos trabajos enclavados en cine son bescasos, pero realmente magistrales: ya sean sus piezas de ciencia ficción "Ultimatum a la tierra" y "La amenaza del Andrómeda" o es esta magnífica obra capital del cine de terror, absoluto exponente de referencia en su subgénero, las casas encantadas. Junto con otros filmes como "La leyenda de la mansion del infierno", "Suspense", "El resplandor" o "Al final de la escalera" conforma un filme no solo de capital importancia para el posterior cine fantástico, sino por sus mismos valores y por la fascinación que es capaz de causar hoy en día, siempre y cuando se deje el espectador llevar por su ambientación malsana y gótica, y no espere una cinta de espectros tenebrosos y sangrientos asesinatos de ultratumba. Aquí, todo es sugerido, absolutamente sugerido, y por todo ello, mucho más terrible.
Basada en una novela de Shirley Jackson que lamento desconocer, se nos cuenta la historia de la tenebrosa Casa de la Colina, una casa cuyo dueño la construyó para su familia, con tan mala suerte que perdió a su primera y segunda esposa en terribles accidentes, falleciendo él también en la casa, y posteriormente su hija, que murió por culpa de la negligencia de la enfermera que la cuidaba, la cual no le prestó los debidos cuidados.
Actualmente, la casa pertenece a una distinguida familia que no la habita, pero uno de sus herederos espera entrar en posesión de esta pronto. El doctor Markway pedirá a esta familia que le presten la casa para realizar un experimento sobre los supuestos sucesos macabros que se suceden en la casa, para lo cual contará con un equipo de dos personas con poderes extrasensoriales: la joven y frágil Eleanor (Julie Harris) y la áspera y franca Theodore (Claire Bloom). Al grupo se unirá el cínico y escéptico futuro heredero de la casa, Luke (Russ Tamblyn).
De todos ellos es Eleanor quien se erigirá el personaje más fascinante, y los acontecimientos se nos muestran a través de sus ojos. Eleanore es una joven dependiente y psicológicamente débil, inestable. Vive en un entorno hostil, supeditada a su hermana y a su repelente familia, que le impiden cualquier movimiento para desarrollarse, negándose siquiera a prestarle el coche para el viaje, pese a que Eleanor pagó la mitad de su importe. Sabremos que la chica tuvo que cuidar durante años de su madre enferma, y que esta murió, quizás, por su despiste.
Una vez llega Eleanor a la casa se encontrará con una hostil pareja que cuida de la comida y la limpieza, pero que la advierten de que ellos no se quedan por la noche, y que nadie podrá ayudarles si sucede... algo. El ambiente comienza a cargarse de amenaza.

El grupo se prepara para hacer frente a lo desconocido

El resto de la película es una sucesión de momentos extraordinariamente conjugados, todos sirven de hilo conductor para realizar un examen psicológico de la pobre muchacha, que llegará a entablar una relación de dependencia amor/odio con su compañera Theo, muy segura de si misma, para más tarde enamorarse (o convencerse a si misma de que está enamorada) del doctor Markway, el cual (quizás) no se da cuenta de sus sentimientos, o (quizás) no le revela que está casadado para que Eleanor no se vaya, y así su experimento se eche a perder. Poco a poco, pequeños detalles van enturbiando la atmósfera: una escalera de caracol que está a punto de derrumbarse, el nombre de Eleanor misteriosamente escrito en la pared, un misterioso accidente en la barandilla de una terraza, o unos brutales golpes de "algo" que parece dirigirse a la habitación donde se encierran Theo y Eleanor, sin que los dos hombres se percaten de ello...
Todos estos incidentes quedan relegados a segundo plano. Porque lo que importa no son los sucesos fantásticos, ni los supuestos fantasmas que podrían habitar la casa, ni qué quieren o quienes son, ni si son entidades malignas o simples espíritus atormentados y atrapados en la mansión, lo que importa es la persona de Eleanor, que podría ser muy bien la que "provoca" subconscientemente los fenómenos. Auto sugestión, o quizás simplemente imaginaciones de los protagonistas, incluso el escéptico joven rico que contempla los sucesos con una pose de diversión acabará aceptando aterrorizado que la casa de la colina está encantada...
Wise filma los planes de la casa desde el exterior con una velada amenaza de un misterio insondable, y los planos de sus pasillos con ángulos de cámara retorcidos, aberrantes, que contribuyen a crear esa gran sensación de desasosiego.
Y en realidad, eso es todo, lo que no es poco. No hay asesinatos, ni sangre, ni terribles espectros con ansias de venganza. Los espíritus de la casa de la colina no se manifiestan nunca abiertamente, desconocemos si son entes lujuriosos, aunque no necesariamente letales, como los de "La leyenda de la mansion del infierno" o si son entes torturados en busca de justicia o de paz. Nunca "vemos la cara" a estos fantasmas, solo unos pocos sucesos aislados. Al final, cuando aparezca el "The End" la casa encantada habrá añadido ya varias páginas a su historia...
The Haunting no tuvo secuelas, aunque si "gozó" (es un decir) de un remake a finales de siglo, dirigido por Jan de Bont y que contaba con Catherine Zeta Jones y Liam Nesson, siendo un auténtico horror, un filme vacío al servicio de los efectos especiales y de las caras famosas que pueblan cada fotograma, sin que parezca importar mucho la historia, e incluso el guión sufre garrafales fallos de omisión, presentando personajes que desaparecen sin que se les vuelva a nombrar, o poniendo a un personaje bajo un prisma y luego cambiarlo completamente de motivaciones y personalidad, sin que esto lleve ninguna explicación... la "The Haunting" original es un absoluto clásico de su época, de todas las épocas.

Buffy La cazavampiros

2008-06-21T09:44:00.000-07:00

Siendo como soy un fan de la serie (o de parte de ella) me acerqué a la película con algo de temor, pues había oido hablar de la verdadera infamia que supone para el subgénero vampírico, a pesar de contar con gente competente, como Donald Sutherland o Rutger Hauer, y un guión (aparentemente) de Joss Whedon. Los resultados son todavía más pésimos de la esperados. Si Sarah Michelle Gellar me había parecido una Buffy correcta y bastante simpática, aunque limitada como actriz, no puedo más que alabarla después de ver a Kirsty Swanson en este filme.
La historia comienza con un breve prólogo donde una joven cazadora se enfrenta a un terrible vampiro, falleciendo en el acto. Su entrenador, jefe de una especie de secta que debe proteger a la cazadora, augura la próxima aparición de otra cazadora.
1992, en Los Angeles conoceremos a Buffy Summers (inexpresiva Kirsty Swanson) una chica superficial y estúpida, animadora del instituto, que dicta las modas que van a llevarse junto a sus amigas, tan estúpidas como ella. No duda en humillar a un par de jovenzuelos vagabundos (David Arquette y Luke Perry, casi nada) porque intentar ligar con ella. Pero la cosa va a cambiar cuando siente que la sigue un misterioso hombre, que resultará ser Merrick (Donald Sutherland) su guardián y entrenador. Él la advierte que es la elegida, la única que puede acabar con los vampiros. La muchacha, obvio es, no la cree, pero la llegada de una más que risible troupe de chupasangres, liderados por Lothos (Rutger Hauer) que empezarán a hacer estragos entre los jóvenes de la localidad. Buffy tendrá que comenzar un arduo entrenamiento bajo la supervisión del estricto Merrick, y contará, a la hora de la verdad, con la ayuda de Pike (horroroso Luke Perry) cuyo amigo ha sido convertido en vampiro...
No sabría por donde empezar. Esforzándome en ceñirme a los fallos de la película, sin intentar una comparación con la serie, Swanson y Perry se muestran limitadísimos, ambos parecen llevar entre si el duelo interpretativo de quien logra la mayor cara inexpresiva, y las frases que van soltando, supuestamente humorísticas, solo contribuyen a hacernos sentir verguenza ajena. Los amigos de Buffy, meros comparsas de la historia, nada tienen de relevancia, salvo estar interpretados por gente que hoy son más o menos estrellas (David Arquette, Hilary Swank, Ben Affleck) que, dudo mucho, alcanzaran su fama gracias a la película.
Solo nos queda pues, centrarnos en los personajes más interesantes: el guardián de la cazadora y el vampiro jefe. Resulta terriblemente decepcionante en el caso de Rutger Hauer, a quien siempre desee ver en el papel de vampiro: aquí está sencillamente ridículo, y su único cometido es esperar a que la chica esté entrenada para dejarse matar, mientras por el camino vampiriza a unas cuantas damiselas. También es particularmente patético su aliado, un joven vampiro de barba y coleta, que protagoniza algunos de los gags más ridículos de la película, como el de la estaca. Solo Sutherland tiene algo de interés en su personaje, el guardián serio y misterioso de pasado incierto (se nos sugiere que es inmortal, lo cual sería curioso) pero al final todo queda en nada, simples reprimendas de maestro a alumna porque su cazavampiros está más preocupada por ir al baile que por matar vampiros. Ninguno de los actores logra aguantar el tipo, independientemente de su calidad como actores: sus papeles no les permiten lucirse en nada, ni mostrar un mínimo de carisma.
El director de este despropósito es Fran Rubel Kuzui, que aparece como productor en la serie, y que, es de suponer, destrozó el guión de Whedon, pues no puedo creer que el autor del Buffyverso tuviese unos comienzos tan sumamente pobres como guionista. Es casi un milagro que de semejante bodrio saliese una serie como es "Buffy Cazavampiros", cuyas temporadas segunda y tercera me parecen de lo mejor que se ha visto en el género fantástico en televisión, si bien es de lamentar que, tras caer en un grado de papanatismo alarmante en su cuarta temporada, la serie nunca llegase a las altas cotas alcanzadas en su segunda y sobre todo, tercera temporada. La película queda así como un filme que no merece verse ni por los completistas que adoren la serie, y que solo tiene la virtud de no haber tenido secuela (aunque en los tiempos que corren... mejor callarse y no dar ideas).

La maldicion de Frankenstein

2008-06-21T07:06:00.000-07:00

En 1957, la Hammer Films había pasado de ser una productora de segunda a encaminarse hacia su destino como "La casa del Martillo", prdoctora que tendría en su haber decenas de películas fantásticas realizadas por genios artesanos como Terence Fisher, Roy Ward Baker, Val Guest...
El experimento del doctor Quatermass y su secuela Quatermass 2 fueron los filmes que le dieron aquella merecida fama, y gracias a dicha fama, nació este filme. Según parece, los planes iniciales eran realizar el filme en blanco y negro, y contando con el sin par Boris Karloff para repetir su papel, pero la Universal no lo permitió. Milton Subotsky, futuro responsable de la principal competidora de la Hammer, la Amicus, fue quien escribió la primera versión, pero parece ser que era demasiado corta, y fue reescrito. Se contó (gracias a Dios) con Terence Fisher para la dirección, en la que sería su primera colaboración con la casa Hammer, su primera obra maestra. Peter Cushing fue contratado para hacer del barón Frankenstein. Como su Van Helsing de "Drácula" un año después, es un papel para el que parece haber nacido, logrando incluso eclipsar el recuerdo del frenético y arrepentido Colin Clive en los filmes de James Whale para la Universal, y Christopher Lee como su criatura, elegido principalmente porque tenía experiencia como mimo, y su personaje además de gran torpeza, era mudo.
Parece ser que hay distintas versiones de la película, con distinta duración y distintas escenas. La que yo he visto comienza con una introducción donde el joven Barón, que ha heredado el título de su padre muy joven, debido a la muerte de su primogenitor, contrata a Paul Kremp, un tutor, para que le enseñe Medicina. Durante años, el joven Barón y su tutor quedan ambos absorbidos por sus enseñanzas, y cuando, finalmente, el maestro ya ha enseñado todo al alumno, los roles se invierten y Frankenstein le habla a Paul de su gran proyecto: crear vida a partir de materia muerta. Sus primeros experimentos con animales pronto dan sus frutos positivos, ante la emoción de ambos, y Paul propone presentar el acontecimiento a la comunidad médica, pero la obsesión del Barón, lejos de quedar satisfecha devolviendo la vida a perritos, pasa por la ignominiosa tarea de crear vida humana en trozos de cadáveres recompuestos...
Pese a la repugnancia que Paul siente hacia la idea, cierta curiosidad mórbida le une a su antiguo alumno, y le ayuda a robar varios trozos de cadáveres que irán recomponiendo en un tanque preparado para tal efecto. La tensión entre ambos aumentará, y el antiguo maestro permanece en el caserón debido a la inocente presencia de Elizabeth, la prima del Barón y su prometida. Sin embargo, Frankenstein no se conformará si su creación no es perfecta, para lo que debe matar a un sabio y robarle el cerebro. Paul huye horrorizado ante la sola idea, pero el Barón sigue adelante con su proyecto, invita a cenar a un anciano científico a su casa, y le mata fingiendo un accidente, robando su cerebro tras el entierro. Paul le descubre, intenta detenerle, y en el forcejeo el cerebro resultará dañado...

El doctor y su criatura

Con la música de James Bernard y la fotografía de Jack Asher, Fisher estaba marcando un molde para el futuro de la productora. Pero sin duda el mayor hallazgo de este filme es el personaje interpretado por Cushing: un frío y maquiavélico genio enfermizo que conspira para conseguir aquello que desea (no hay más que ver como manipula a su maestro para que permanezca a su lado, o como amenaza sutilmente a su prima para que esta no intente interferir en su trabajo) y cuyos experimentos se siguen con gran interés durante parte del proceso, pero una vez nacida la criatura (un ser horrible, físicamente fuerte, pero completamente alejado de la humanidad normal) el espectador comienza a sentirse alejado del Barón, pues este, ni siquiera frente a la evidencia de su fracaso se plantea abandonar, se erige Dios, un dios frío y absoluto con poder sobre la vida y la muerte, que no cejará hasta haber conseguido sus objetivos, aunque tenga que sacrificarlo todo...
Una vez estrenada, la película fue clasificada X, incluso tras cortar algunas de sus escenas, en las que el Barón metía una cabeza amputada en un tanque de ácido, por ejemplo. Se tachó como una de las películas más sádicas y horrendas de la historia, lo que resulta ingenuo hoy en día. Sin embargo, si el gore y la violencia están ya más que superados, sigue siendo escalofriante ver como el Barón Frankenstein trata a los cadáveres, los trozos de carne muerta que utiliza como piezas de sus experimentos, igual que utiliza a los seres vivos que le rodean. Este diosecillo humano, prepotente y arribista, que se cree mejor y superior, con poder para disponer la vida y la muerte a su antojo, es el verdadero logro, el mayor descubrimiento de este filme. Lejos de deteriorarse, la saga seguiría explorando interesantísimos caminos en obras maestras como "La venganza de Frankenstein" y "El cerebro de Frankenstein". "Frankenstein creó a la mujer" y "Frankenstein y el monstruo del infierno" se erigen ambas como películas menores pero en absoluto despreciables, todas ellas orquestadas por ese genio que fue Terence Fisher.

Death Proof

2008-06-04T09:03:00.001-07:00

Quentin Tarantino es ya uno de los mejores directores de cine de la Historia, que duda cabe. Pero, con solo cuatro películas dirigidas propiamente dichas (cinco si contamos Kill Bill como dos volumenes) hasta ahora su trayectoria no había sido tan increíble como para merecer ese apelativo, y dicho sea, todavía no lo ha ganado. Su obra prima, "Reservoir Dogs" es una película fascinante, violenta, tiene una energía desbordante, la emoción de las óperas primas. Ya tiene todas las señas de identidad de Tarantino (largas conversaciones, a veces absurdas, plagadas de referencias a cine, música, comics...) y en general, personajes absolutamente amorales, cuando no despreciables.
Pulp Fiction, en cambio, es uno de los filmes más pretenciosos y vacíos de su época, pese a la espectativa que levantó, y pierde con cada visionado.
De Jackie Brown no puedo hablar, pues no la tengo muy reciente, aunque recuerdo que no era tan pretenciosa como la anterior. Luego vino el segmento en "Four Rooms" un filme realmente irregular donde todos parecen actuar ofreciendo su mayor sobreactuación, especialmente Tim Roth, en una interpretación que, de tan "cómica" llega a ser realmente pesada. El segmento de Tarantino no estaba nada mál, aunque peca de lo mismo que los otros, sobreactuaciones y personajes increíbles (sin embargo, es bastante divertida la trama, que gira alrededor de la reproducción de un episodio "Alfred Hitchcock presenta".
Kill Bill era un filme bastante más apreciable, que recuperaba el vigor de "Reservoir Dogs" a ratos, aunque las referencias (al cine de artes marciales, al spaguetti western) acaban ahogándola en muchos momentos. No obstante, Uma Thurman y David Carradine componen dos personajes tan fascinantes como de sobra conocidos en mil producciones cinematográficas sobre "venganzas".
Ahora, llega Death Proof el segmento de la película que no llegó a Europa "Grindhouse", que debía ahber formado una unidad con "Planet Terror" de Robert Rodriguez, como homenaje a las viejas sesiones dobles de cine palomitero de los sesenta y setenta (filmes de producción Corman como "La carrera de la muerte del año 2000" homenajeada aquí). Por desgracia, Death Proof es un filme que tiene dos caras, una considerablemente atractiva, la otra, aburrida y absurda.
La primera cara es la primera parte del filme, centrada en un bar donde se reúnen un grupo de amigas, con vistas a emborracharse antes de ir a pasar el fin de semana a la casa de campo de los padres de una de ellas. En dicho bar conocen a "Especialista" Mike (Kurt Rusell, lo mejor de la función) un fornido especialista de cine que se atiborra a comida mientras interactúa con las chicas, las vigila, las escucha. Arlene, una de las chicas, sospecha que el coche que lleva siguiéndolas toda la tarde es el de Especialista Mike. Pero aún así, bailará para él, a raíz de una broma que le ha gastado su amiga por la radio...
Después, Especialista Mike recoge a una muchacha en su coche "a prueba de muerte" un coche reforzado donde el conductor no tiene nada que temer, haga lo que haga... pero si los otros ocupantes del coche. Tras un par de escenas cruciales que no revelaré, tenemos breve aparición de uno de los personajes favoritos de Tarantino, el paleto sheriff sureño Earl, interpretado por Michael parks. Earl sospecha que Mike es un asesino que utiliza su coche como arma sexual (algo no muy alejado de "Crash" de Cronenberg) pero no logra atraparle. Tras esta escena, que ejerce de puente entre la primera y segunda parte del film, se presenta a otro grupo de chicas, estas son también especialistas de cine, encabezadas por Zoe (Zoe Bell, una auténtica especialista que dobló a Uma Thurman en las escenas peligrosas de Kill Bill). Esta parte es más vulgar, más cafre y mucho menos interesante. Se reproduce una conversación alrededor de una mesa donde están comiendo, intentando emular, auto plagiar el mítico almuerzo que abre Reservor Dogs, pero no funciona. Los diálogos están llenos de palabrotas, insultos y acaban por desconectar completamente al espectador. Las muchachas interpretan un peligroso juego con el coche, hasta que aparece el Especialista Mike... es, realmente, una película que acaba por agobiar al espectador, pero no por lo que cuenta, sino por lo mal que lo cuenta, todo repleto de las típicas referencias de Tarantino (su presenca en el bar, hablar de filmes que presumo que le gustarán, el tono de Kill Bill en el móvil..., que una de las chicas del primer grupo llame Frankenstein a Rusell, en homenaje al personaje interpretado, no por casualidad, por David Carradine en "La carrera de la muerte del año 2000"...)
En resumen, no podía haberse esperado un filme peor trabajado. Los actores son meras caricaturas increíbles, y solo sobresale un Kurt Rusell de apariencia desastrada y sucia, el perfecto psycho killer de la carretera, con un final, me temo, muy poco noble para ese gremio.
Hasta el momento, Tarantino sigue haciendo las películas que quiere con los medios que quiere, pero, con películas como Death Proof, ¿cuanto le durará esa suerte?

Entrevista con el vampiro

2008-05-30T11:47:00.000-07:00

Las novelas de Anne Rice sobre las Cronicas Vampíricas tienen mucha fama, sin duda, aunque la saga en su conjunto resulta mediocre y blanda, los dos primeros libros "Entrevista con el vampiro" y "Lestat, el vampiro" son especialmente apreciables, los mejores y más salvables, construyendo la mitología y a personajes bastante interesantes.
Por lo tanto, cuando se anunció que Neil Jordan iba a llevar a cabo la adaptación del primer libro, ya había muchos adeptos al libro, que acataron el asunto con bastante escepticismo. La propia autora se encargaría de adaptar su texto al cine (haciendo no pocos cambios). La dirección de Neil Jordan no podría ser más adecuada, teniendo en su filmografía esa fascinante película de género que es "En compañía de lobos" y los actores están bastante bien en sus papeles (incluso Tom Cruise, del que la autora dudaba y recelaba, pues prefería a Rutger Hauer o Tom Berenger).
Un vampiro, "creado" a finales del siglo XVIII, Louis (Brad Pitt) cuenta, en el presente, su historia a un asombrado periodista (Christian Slater). Tras perder a su esposa y a su hijo, el plantador sureño de origen francés cae en un estado de apatía, al borde del suicidio. Esa indiferencia ante la muerte, junto con sus riquezas, llamarán la atención de un vampiro, Lestat (Tom Cruise) que convertirá a Louis en uno de los suyos. Pero ambos son muy diferentes, como pronto aprenderá Louis: mientras él sigue aferrándose a su humanidad, negándose a consumar el acto supremo del vampirismo, el asesinato, y se alimenta de ratas y otros animales, pasa las noches haciéndose inteligentes preguntas existencialistas sobre su nueva condición. Su compañero y (supuestamente) superior, Lestat, es todo lo contrario: es un monstruo, un ser vil, superficial, materialista, frío, cruel y mentiroso, que solo obtiene placer destruyendo todo aquello que en realidad, envidia.

La familia vampírica

La relación entre los dos, a través de las décadas, tiene sus altibajos. En una de las mejores escenas del film, Lestat asesina de forma cruel a dos prostitutas para intentar convencer a Louis de que debe aceptar lo que es y comenzar a vivir como un monstruo, alimentándose de aquellos que son sus teóricos inferiores, los humanos. Pero esto solo los distancia más, Lestat en realidad no comprende a Louis, y piensa equivocadamente que todos los vampiros son iguales a él, y que la negativa de Louis a alimentarse de humanos es simple cobardía. Sin embargo, el discurso de Lestat lleva a Louis a las calles, donde hallará en un barrio azotado por la peste a una niña aferrada al cadáver de su madre. Se alimentará de ella (más por compasión que por lujuria) y este hecho, observado por el cruel Lestat, cambiará para siempre sus no-vidas eternas.
Lejos de estar dispuesto a perder a su pupilo, Lestat convierte a la niña moribunda en vampira, en un acto supremo de desprecio por la humanidad y la caridad. La niña, Claudia (Kirsten Dunst, sin duda la gran revelación del filme) es solo un instrumento más en manos de Lestat, que solo sirve para que Louis se encariñe con ella y no le abandone.
Claudia hereda los apetitos de su "padre" y no tiene los remilgos de Louis, sin embargo ella quiere más a este, y con el paso de los años, empezará a hacerse las mismas preguntas existenciales que él. Decididos a descubrir cuanto puedan sobre su condición, tramarán un plan para deshacerse del diabólico Lestat...
El diseño de producción y el vestuario de la película son sencillamente maravillosos, permitiéndonos sumergirnos en la historia con gran facilidad y sin que nada chirrie. Los actores están maravillosos en sus papeles, Pitt de "monstruo" atormentado que se aferra a su humanidad como la única cosa que puede salvarle, Cruise como un verdadero monstruo, ruin, falso y manipulador, Dunst como un ser increíble, que debido a haberse educado como lo ha hecho, jamás ha tenido los conceptos de "Bien" o "Mal" asumidos, y considera a la especie humana como un surtido de alimento del que no importa hacer uso cuando lo necesite, aunque sin llegar a los extremos de la crueldad de Lestat. Antonio Banderas se erige como otro personaje fascinante, Armand, el líder de la secta vampírica parisense, un ser fascinante, introvertido y sabio, del que uno no sabe si desea compartir sus secretos, o si es tan manipulador como el propio Lestat, utilizando esas "respuestas" que tanto anhela Louis para mantenerle a su lado. Stephen Rea (habitual del director) es otro vampiro cruel e hipócrita, otro verdadero monstruo, pero este oculto tras una fachada de humanidad más elaborada. Slater tiene un papel más breve como el periodista que recibirá todas estas revelaciones en la noche...
Resulta curioso que los vampiros de París se vistan como vampiros de ópera y actúen por las noches en un espectáculo llamado "Teatro de los vampiros" alimentándose de jovencitas ante centenares de espectadores que creen que todo es representación. Jordan construye otra obra maestra del género, la mejor película de vampiros de la década junto con el Drácula de la época. Y es que, en la mayoría de las películas de este subgénero de los noventa, como "Blade" o "Abierto hasta el amanecer" los vampiros acaban siendo lo de menos, una mera excusa para mostrar efectos especiales...
La película tuvo una secuela que poco o nada tiene que ver con esta (o con la novela en la que supuestamente se basa) "La reina de los condenados" un film del que realmente, nada positivo se puede reseñar.

The Vindicator

2008-05-23T08:02:00.000-07:00

Invencible, Imparable, Indestructible. Está suelto y fuera de control. Esas son las palabras publicitarios con las que se vendió este filme en 1986, un subproducto directo a vídeo, que pese a sus pretensiones y al hecho de que sea una serie B, y se le note, resula una película bastante entretenida para el aficionado,. Cuenta, como productor, con pierre David, responsable de los primeros trabajos de David Cronenberg, con Stan Winston como creador del robot protagonista, y en su ficha técnica resale como ella sola Pam Grier, antes de ser redescubierta por John Carpenter y Quentin Tarantino.
La película comienza contando los avatares laborales y familiares del científico Carl Lehman (David McIlwraith) joven, prometedor, casado con su mujer, Loreen, que está embarazada de su primer hijo. Su mejor amigo es Burt (Maury Chakin) compañero suyo en la Aerospace Research Corporation, una prestigiosa compañía científica, cuyo jefe es el ambicioso y frío Alec White.
Carl ha descubierto que White ha desviado fondos para un proyecto secreto. Esto perjudica el trabajo de Carl, por lo que este se enfrentará a su jefe, el cual promete explicárselo todo en breve. Nada más lejos de sus intenciones, White y sus colegas del proyecto secreto preparan un "accidente" en la compañía, y Carl muere. Sin embargo, la osadía científica de White no tiene límites, y decide utilziar el cuerpo de Carl en su experimento.
Este consiste en enviar un cuerpo metido dentro de un indestructible traje a Marte. Al no necesitar alimento ni oxígeno, al ser su exterior casi impenetrable, podría ver y descubrir cosas que una expedición humana no podría. Además, se le ha añadido un programa a su cerebro, que le obliga a matar todo aquello que le toca, incluso en contra de su voluntad.

Los científicos trabajan en su "moderno Prometeo"

Tras preparar el cerebro de Carl e introducirlo en el traje robot, el experimento parece haber fallado, pero poco después despierta, matando a una de sus asesinas, y huye, terriblemente confuso. Pronto tendrá que debatirse entre sus instintos naturales, que le obligan a volver junto a su esposa, y su programación cibernética (al estilo Robocop, y curiosamente un año antes de que esta se estrenase) que le obliga a exterminar todo aquello que le toca, en contra de su voluntad. Pronto se sucederán crímenes involuntarios que atormentarán al científico.
White y sus colegas, para recuperarlo, contratan a una feminista y agresiva caza recompensas, Hunter (Grier) que con un equipo de expertos barrerá la ciudad para encontrar al "hombre del espacio"...
Si esta sinopsis no basta para encontrar comparaciones con el "Frankenstein" de Shelley, resulta que el film también se conoce como "Frankenstein'88". De hecho, el actor que interpreta a Alec White (Richard Cox) con su frío, cínico y arrogante comportamiento, siempre dispuesto a violar cualquier barrera, humana o científica, nos recuerda constantemente a Peter Cushing en ya sabéis que papel...
Aunque no sea ninguna maravilla, y en realidad esté técnicamente más cerca de cualquier película casposa de la época, "The Vindicator" resulta un filme entretenido que da lo que promete, y un poco más, pero no mucho más. Digna película de ser descubierta por cualquier aficionado al género.

El policia psicópata

2008-05-23T04:31:00.000-07:00

Mucho daño hizo al cine fantástico la, en principio pasable, aunque mediocre "Viernes 13" de Sean Cunningham. Aunque esta no habría existido sin la excelente "La noche de Halloween" de John Carpenter, fue el estilo "Viernes 13" el que generó un sinfin de clones, la mayoría, olvidados. Así, en los ochenta tuvimos que sufrir, por cada película modesta e imaginativa del género, una veintena de fotocopias sin ningún tipo de interés.
Esta "El policía psicópata" es una película nacida ya en el declive del cine fantástico, en 1989. En la primera mitad de los años noventa, el fantástico estaba casi muerto, salvo las aportaciones de gente tan incombustible como John Carpenter, Tim Burton, David Cronenberg... solo hay que comparar, que en los años ochenta se hiciesen siete secuelas de Viernes 13, y en los 90, tan solo dos; de "Halloween" cuatro secuelas en los ochenta, en los 90, solo dos, y así sucesivamente...
Así pues, tenemos un filme que no solo nace en la decadencia de su género (ya de por si bastante devaluado) sino que además pertenece al execrable subgénero de "coge la cámara del tío Paco y vámonos al chalet de la tía Magdalena para rodar una película", es decir, un rodaje no profesional, ejercitado por actores desconocidos (llamarlos actores es ya un insulto para los de verdad) con un guión que copia al asesino de "Maniac Cop" apreciable film de William Lusting, y lo enmarca en una casa de campo donde hay unos adolescentes, copiando Viernes 13. A nivel visual o narrativo, poco tiene que envidiar a películas amateur como "El proyecto de la Bruja de Blair". Es decir, un absoluto estropicio, un desperdicio de "medios".
Sin embargo, dentro de sus aplastantes limitaciones, es un filme que puede funcionar como comedia de humor negro para espectadores poco exigentes, aunque por supuesto, no como película de terror, o ya de suspense.
Si repasamos el "argumento" (¡ja!) tenemos un prólogo donde dos chicas se ven abandonadas en una carretera desierta, de noche, con el coche estropeado. La aparición de un enorme y sonriente policía las hará sentirse aliviadas... hasta que son asesinadas por este, sin contemplaciones, sin motivos.
Luego se nos presenta a un grupo de adolescentes que van a pasar un fin de semana a la casa de campo de uno de ellos. El patetismo de los actores es terrible, la película adolece de todos los fallos que exhiben las secuelas de "Viernes 13": diálogos sin interés, que dificilmente serán pronunciados alguna vez en la vida real, y que se ven estirados hasta la náusea porque hay que rellenar metraje hasta que aparece el asesino, primero espiando a los chicos entre los árboles, y luego asesinándolos.
En realidad, esa es toda la película. Por un lado, adolescentes manteniendo conversaciones que no interesan en absoluto, y por otro, el asesino matándolos y dejando extraños símbolos satanistas en el bosque. No hay explicación hasta el final, donde un policía aparece de la nada para socorrer a los supervivientes, y explica que el policía es Joe Vickers, un adorador del Diablo que desapareció, creyéndole todos muertos, pero parece que ha resucitado para cometer crímenes que complazcan al Príncipe de las Tinieblas. El porqué un policía aparece por esos lares, y conociendo toda esa información, es otra de las pruebas del delirante guión. No hay motivo para nada, y todos los recursos son muy forzados.
Los actores, como ya he dicho, son completamente desconocidos, desde ese enorme y satánicamente sonriente policía hasta los adolescentes, que recitan sus frases como lo harían unos críos en un teatrillo escolar, aprendiéndolas de memoria para luego recitarlas sin más esfuerzo.
La película tuvo una inconcedible segunda parte, "Psycho Cop Returns" en 1993, contando con el mismo actor que hace de policía satanista.
Nada positivo puede sacarse del filme, salvo unas risas si se ve acompañado de los amigos . Ni siquiera como muestra de cine de psicópatas tiene nada que mostrar, el malo lo es porque si, porque lo dice el guión. No hay personajes, no hay historia, solo algunos momentos humorísticos que, por si solos, no justifican el visionado de esta, ejem "obra del séptimo arte".

Coma

2008-05-22T06:26:00.000-07:00

Michael Chrichton demostró que, además de ser un escritor destacable, era un estupendo creador de atmósferas cinematográficas. Empezó a sentir interés en el cine tras ver a Robert Wise dirigir "La amenaza del Andromeda" pelicula basada en una novela suya, y pronto aprendió la lección y se convirtió en un pequeño artesano. Casi todas sus películas son hoy en día filmes de culto, como la estupenda película que nos ocupa, basada en un best Seller de Robin Cook, la película de culto "Almas de metal" o la divertida y entretenida "Runaway" con Tom Selleck.
La presente es un filme de carácter médico, ambientada en un hospital y protagonizada por un par de doctores. En concreto, todo comienza en un enorme hospital de Boston, donde la doctora Susan Wheeler (Genevieve Bujold, excelente actriz francesa) queda muy extrañada cuando una amiga suya que iba a ser operada de una simple apendicitis queda en coma tras la operación sin explicación aparente, sin que nadie se extrañe, ni siquiera su novio el doctor Mark Bellows (Michael Douglas) que cree que Susan, simplemente, reacciona de esa forma ante el dolor por la muerte de su amiga. Susan comienza a investigar después de que otro paciente completamente sano quede también en coma tras una operación rutinaria, y descubre que un número elevado de pacientes entraron en dicho estado el año anterior. Pide los archivos, pero el jefe de anestesistas George se niega a prestárselos, por lo que se cuela en su consulta y descubre que todos los casos de coma se dieron en operaciones realizadas en el Quirófano 8, y todos los afectados fueron trasladados al Instituto Jefferson para su cuidado.

Susan comienza a descubrir que hay tras los misteriosos comas...

Sospechando ahora algún tipo de extraña conspiración, Susan es abordada por un encargado de mantenimiento que promete desvelarle lo que sucede en el hospital, pero antes de hacerlo muere electrocutado y Susan es perseguida por todo el hospital, aunque consigue evadir al perseguidor.
Durante la persecución, sin embargo, Susan se pierde y va a dar a la sala de generadores, donde encuentra un mecanismo que libera una gran cantidad de monóxido de carbono en los depósitos de anestesia del quirófano ocho. Se lo cuenta a Mark, pero este no la cree, por lo que Susan decide visitar el Instituto Jefferson, donde descubrirá que todos los pacientes en coma son mantenidos en un estado de vida artificial, y que un grupo de médicos dirigidos por un tal doctor George, subastan sus órganos en el mercado negro. Susan regresa al hospital decidida a contárselo todo al director del mismo, el doctor Harris (Richard Widmark)...
Coma se erige pues como un thriller de base científica, hábil, entretenido y con unas dosis de suspense realmente efectivas, que siempre nos ponen del lado de la doctora Wheeler, incomprendida, nadie la escucha, solo ella sabe que algo extraño está pasando en el hospital, y cuanto más se acerca a la verdad, más peligro corre. Algunas escenas en las que Susan es perseguida tienen un talante verdaderamente amenazador, una atmósfera opresiva, como la visita al instituto médico donde todos los pacientes en coma están suspendidos y rodeados de tubos, una escena angustiosa y perfectamente punteada por la banda sonora de Jerry Goldsmith, con ecos de las bandas sonoras que Herrman compuso para Hitchcock.
Michael Douglas, en sus primeros pasos como actor, elegía los papeles con bastante cautela. Aquí interpreta a un médico de carácter quizás algo machista (esas conversaciones entre ambos, en las que él critica a Susan por no prepararle la cena y cosas por el estilo son totalmente impensables en el cine actual) pero en el fondo, un tipo simpático, que sencillamente, quiere que las cosas sigan como están, y se niega a creer en historias fantásticas. El memorable Richard Widmark, recientemente fallecido, interpreta un papel con muchos matices, y es inolvidable su discurso final a Susan sobre la medicina, sobre el que no me extenderé.
Por si ser un escritor de reconocido prestigio no bastara, Crichton es además, un excelente artesano capaz de conseguir atmósferas de misterio y amenaza realmente logradas, y este filme es la primera muestra de ello. Pese a su estilo algo "setentero" a nivel visual. El tema de la película puede recordar ligeramente a "La semilla del diablo" con una mujer envuelta en una conspiración, sin nadie que la crea. En cualquier caso, "Coma" es una película interesante, intrigante a ratos y divertida a veces. Sin ser ninguna obra maestra del género, fue una de las últimas películas realmente interesantes de los setenta, una película sustentada en un suspense inteligente y unos actores sólidos. A solo dos años de esta se estrenaría "Viernes 13" que no tardaría en "reinventar" el género, con unos códigos mucho más simplones, por lo que el presente filme no podría ser más recomendable.

Tiburon 2

2008-05-22T06:20:00.000-07:00

Tiburón de Spielberg fue un auténtico éxito, un fenómeno de masas a la altura de "Superman" o "La guerra de las galaxias" y en su momento fue la película más taquillera de la historia del Cine, creando además verdadera psicosis entre los bañistas aquel verano. Así pues, era lo más natural del mundo que sus productores, Richard Zanuck y Robert Brown, se planteasen una secuela para explotar el éxito. Aunque Steven Spielberg no quiso oír hablar del tema, fueron muchos los directores interesados, el primero de ellos, John Hancock, fue despedido del rodaje (uno de los múltiples problemas que hubo) y fue sustituido por Jeanot Szwarc.
El filme cuenta la historia de la isla de Amity tres años después de los ataques producidos por el primer tiburón. La isla es ahora un lugar seguro, y los problemas causados por el tiburón han sido completamente olvidados. El alcalde Vaughn (Murray Hamilton nuevamente) prevee un excelente verano por delante, pero un fotógrafo submarino muere atacado por algo en el mar. Se denuncia su desaparición pero solo es hallada su cámara, que una vez revelada muestra una serie de sombras en el agua... al ver la foto, el sheriff Brody insiste en que se trata de un tiburón, y más tarde hay en el mar un misterioso accidente en el que mueren dos chicas que hacían esquí acuático. Brody advierte a las autoridades de lo que sucede y dice que esta vez no piensa intervenir para salvarles el pellejo y sufrir el infierno que sufrió la última vez, pero comienza a vigilar las playas celosamente. Al creer ver un tiburón, desaloja la playa y efectúa varios disparos, pero la sombra solo resulta ser un banco de peces, y Brody es despedido por causar el pánico entre los bañistas.
Poco tiempo después, una chica que va en barca con su novio observa aterrorizada como un enorme escualo vuelca la barca y devora a su novio. Al encontrarla poco después en estado de shock, Brody comprende que había estado en lo cierto desde el principio, y al enterarse de que sus dos hijos han ido de merienda en barco con unos amigos, roba una embarcación y se hace a la mar, sin sospechar que el tiburón está acechando ya la barca de los jóvenes...

El jefe Brody no ha podido olvidar su traumática experiencia en alta mar

El principal problema del film, que en su día sufrió un tremendo batacazo, es la disconformidad entre los productores, que querían un film de aventuras similar a la primera, y el director inicialmente previsto, Hancock, que quería convertirla en una película de terror puro. Swarzc, que venía del mundillo de los documentales, consiguió organizar un plan de rodaje decente, pero en ciertos aspectos, se podría decir que la película carece del espíritu de la primera parte. El tiburón sale demasiado pronto y demasiadas veces para resultar aterrador, e incluso levantaba risas entre el público de la época. De hecho el momento más aterrador del filme es aquel en el que emerge un cadáver carbonizado del agua ante Brody, y las escenas de más interés aquellas que reúnen en un mismo plano a Roy Scheider (que inicialmente no deseaba repetir su papel) Lorraine Gary como su esposa, y futura protagonista de la saga, y Murray Hamilton como el alcalde, los tres excelentes en sus papeles.
La saga continuaría, ya en los ochenta, con "El gran tiburón" titulada así porque una producción italiana había sido estrenada en España como una "falsa" Tiburón 3, donde los hijos del sheriff Brody trabajaban en un parque acuático y se enfrentaban a un enorme escualo hembra. El film es bastante más entretenido de lo que se le suele calificar, presentándose más en clave de cine de catástrofe que de película de terror, resulta bastante nostálgico. aunque lejos de la maestría del original. No sucede lo mismo con la desastrosa Tiburón-La venganza, cuarta y hasta el momento última entrega de la saga, donde muere uno de los hijos del sheriff Brody, y su madre se convierte en una mujer acosada, que cree firmemente que una maldición persigue a su familia por el "asesinato" del primer tiburón a manos de su fallecido marido. A pesar de contar con el gran Micahel Caine, la película es un verdadero horror de escaso presupuesto, y se nota (la escena en la que el gran tiburón asoma sus fauces es siempre la misma, repetida hasta la saciedad, y se nota que es un mal muñeco de plástico). Con todo, esta segunda parte que nos ocupa es un filme estupendo, entretenido y más oscuro que la primera parte, disfrutable sin problemas y hoy en día, mucho mejor valorado que en el momento de su estreno.

Las novias de Dracula

2008-05-07T14:40:00.000-07:00

Drácula fue el segundo éxito realmente importante de la casa Hammer, tras la maravillosa "La maldicion de Frankenstein" gemela de esta en cuanto a equipo técnico, protagonistas e intenciones. Y por supuesto, amabas estuvieron dirigidas por el sin par Terence Fisher, artesano de la casa que ha devenido en uno de los más interesantes realizadores del género que jamás han existido, ya sea con sus sagas Frankenstein y Dracula, con la maravillosa "La maldicion del hombre lobo" narrada casi en clave de cuento de hadas, o las fascinantes "La gorgona" y "Las dos caras del doctor Jekyll".
Dos años después del exitoso Drácula, llegaría la secuela, dirigida por supuesto, por Fisher, con un guión que pasó por varias etapas: así, al principio, el barón Meinster tendría como némesis al personaje de Latour, en lugar de Van Helsing, y Christopher Lee habría de aparecer al final de la cinta en un breve papel. Sin embargo, la negativa de Lee a volver a interpretar al personaje de Stoker (negativa que mantuvo durante toda su carrera, un caso similar a Sean Connery/James Bond) y la incorporación del extraordinario Peter Cushing en su rol de Van Helsing propiciaron cambios diversos hasta convertirse en el film que hoy conocemos (también se eliminó una secuencia con un ataque por parte de cientos de murciélagos, idea aprovechada en la siguiente película vampirica de la Hammer)
Una voz en off nos pone al corriente: Drácula ha muerto gracias a la acción de Van Helsing, pero son muchos sus discípulos, vampiros o humanos, que continuan persiguiendo la profanación de todo lo sagrado y la destrucción de la vida.

El diabólico Baron Meinster

Una cándida joven, Marianne Daniele, se dirige a una escuela de señoritas para impartir inglés y francés, pero por el camino se detiene en una posada, siendo observada por un inquetante hombre de negro. El cochero la abandona sin explicación, y consternada, la joven pide asilo por una noche en la taberna. A esta llega una anciana de aspecto altanero, la baronesa Meinster, aristócrata de la zona y dueña de las tierras circundantes, que tras conocer la situación de la muchacha, la invita a cenar a su castillo, con la promesa de que será llevada a su destino por la mañana. La joven acepta, pese a las advertencias del tabernero, y cena en el decadente y enorme castillo, donde su anfitriona le explica que su único hijo murió tiempo atrás, de una misteriosa dolencia, y por eso ella vive sola en el castillo, con una única y vieja sirvienta, Greta.
Sin embargo, desde la terraza de su habitación, Marianne observa a otra persona en el cuarto contiguo, y descubre confinado en una habitación al joven barón Meinster (adecuado David Peel) un joven de rostro angelical que está allí encadenado por su madre. El muchacho le pide que le libere, para lo que Marianne deberá robar la llave del cuarto de la baronesa. El barón, obviamente, es un vampiro, que vampirizará a su madre. La muchacha huirá de la mansión y cae desvanecida, siendo recogida al amanecer por el carruaje en el que viaja el profesor Van Helsing, que se dirige a la posada al haber oído rumores de vampirismo. Marianne es llevada por fin a la escuela, donde poco después aparecerá el Barón Meinster para pedir su mano...
Pese a ciertas licencias argumentales (por ejemplo, en Dracula, Van Helsing aseguraba que los vampiros no podían transformarse en murciélagos, y aquí si) estamos ante una de las mejores películas de la casa, un film fascinante por lo que cuenta y por como lo cuenta, cercano incluso a "La maldicion del hombre lobo" en cuanto a su condición de "cuento", con esa fotografía de colores abruptos, esa historia de una familia aristócrata decadente que cayó en desgracia y fueron explorando terrenos de depravación cada vez más profundos (se nos cuenta que la baronesa participaba y animaba a su hijo en sus "juegos" y excesos, una insinuada relación incestuosa).

Las novias del título

Pese a su enorme calidad, el filme tiene algunos fallos de guión, por ejemplo, que el barón Meinster esté atado por una argolla en su tobillo. ¿Porque no se convierte en murciélago y sale volando? ¿Quizás porque la argolla es de plata? ¿Repele la plata a los vampiros? Detalles que no se explican en la película, haciéndola ligeramente incompleta (la cruz en el molina al final peca de lo mismo). Pese a estos fallos, estamos ante una auténtica obra maestra del género, y una de las mejores películas de vampiros de todos los tiempos. La casa Hammer repetiría, con una trama ya sin Cushing en "El beso del vampiro" un filme inferior, pero con todo muy interesante; y la última obra maestra del ciclo sería "Drácula, Príncipe de las tinieblas" de nuevo con Fisher en la dirección y Christopher Lee retomando su papel. Por desgracia, la saga seguiría por derroteros correctos, aunque menos interesantes, en "Drácula vuelve de la tumba" para acabar con bodrios de los que nada se puede destacar, el díptico "Dracula 73" y "Los ritos satánicos de Dracula".
Sirva esta oieza maestra del género para testificar que, en su día, la Hammer fue una auténtica productora pionera, creadora de clásicos y realmente competente.

La casa de los 1000 cadaveres

2008-05-05T05:31:00.000-07:00

Rob Zombie me es desconocido como músico, pues su trabajo abarca géneros musicales que, la verdad, nunca me han interesado demasiado. Por ello, hablaré de su ópera prima como cineasta sin influencias, sin la parcialidad que algunos admiradores suyos pudieran tener.
La casa de los 1000 cadáveres es un intento loable de reproducir el cine que Zombie (y muchos de nosotros) admira: el horror rual de los años setenta, los mad doctors, los psycho killers... todo metido en una batidora y servido de manera algo indigesta. Porque "La casa de los 1000 cadáveres" se queda en eso, en intento nada más, de proporcionar al espectador nostálgico una cinta con la que pueda conectar y disfrutar, pero sin conseguirlo.
Para empezar, tenemos un prólogo que ya nos muestra lo que vamos a ver: desquiciamiento en estado puro, mal gusto desde prinicpio a fin, estética sucia, personajes incultos y desagradables (en el mejor de los casos) sangre y palabrotas. Se nos presenta a un personaje enloquecido, el Capitan Spaulding (Sid Haig) que vestido como una especie de enfermizo Tío Sam, regenta una gasolinera (en la mejor tradición de horror rural) que incluye un museo de cosas raras "para freaks y descerebrados". Allí llegan cuatro jóvenes en una furgoneta, que están haciendo una ruta por las carreteras americanas, en busca de cosas inusuales y raras, cuanto más mejor, para escribir un libro sobre folklore oculto americano. Allí, asistirán al Museo del Capitán Spaulding, que les habla sobre el doctor Satán, una "celebridad" local, un mad doctor que utilizaba a las personas para sus experimentos, y que fue ahorcado, pero su cadáver desapareció. Los chicos insisten en ir a ver el árbol donde el Doctor fue ahorcado, pese a que Spaulding les recomienda que no lo hagan. Finalmente, les hace un mapa, y los chicos comienza el viaje...
Por el camino paran a recoger a una joven autoestopista a la que parece faltarle un tornillo, y que les pide que la lleven a su casa. Allí, serán invitados a cenar con sus habitantes, la familia Firefly, comandada por la madre (Karen Black, ni más ni menos) y cuyos miembros más carismáticos (por decir algo) además de la joven y hermosa (pero podrida por dentro) Baby (Sheri Moon) el desquiadísimo Otis (Bill Moseley, ya presente en la secuela de "La matanza de Texas"). La pesadilla para los cuatro jóvenes no ha hecho sino comenzar...
En resumen, una película que pretende ser un paquete precioso y conciso que reúna todo aquello que hacía que los fanáticos del cine fantástico fuéramos al videoclub hace veinte años, pero en realidad, el paquete es bastante vacío, y la película es un simple remake encubierto de "La matanza de Texas" pero con más: es decir, más asesinos, (mucha) más sangre, más aberraciones, un mal gusto que realmente, no tenía el filme de Hopper (cualquier miembro de la familia de Leatherface podía asustar sin necesidad de recurrir a gritar y decir palabrotas). A nivel visual, la película no se decide entre la estética sucia de los slasher más charcuteros y casposos y los viejos colores que lucían los tebeos marca EC, especialmente Tales From The Crypt.
A la postre, resulta mucho más interesante a todos los niveles la secuela "Los renegados del diablo" aunque se toma algunas licencias respecto a la primera parte, es una road movie desaforada, violenta y polvorienta, más creíble y disfrutable, intentando ( y esta vez si, consiguiendo) homenajear otro tipo de cine (las películas de venganzas perpetradas por la Cannon y los western y/o road movies. Gracias a "Los renegados del Diablo" Zombie parecía ser un autor interesante a tener en cuenta, pero tras "Halloween, el origen" ha resultado ser un simple reciclador, en la onda de Tarantino, pero con otras apetencias e influencias, y sobre todo, muy inferior.

Las colinas tienen ojos

2008-05-03T09:23:00.000-07:00

Wes Craven nunca ha sido santo de mi devoción. Es un hombre al que hay que respetar, puesto que al menos, lleva treinta años haciendo cine, el cine que le gusta, con más o menos éxito económico y algo de prestigio crítico (cada vez menos). Sus películas, sobre todo las más emblemáticas, tienen legiones de seguidores. Personalmente, me parece "Pesadilla en Elm Street" su única película redonda (aún así, mal rematada, con un final típico de Craven). Su primer filme, mano a mano con Sean S. Cunningham, fue "La ultima casa a la izquierda" una de las películas más gráficas, repulsivas e innecesarias que he visto, cuyos "actores" hacen difícil seguir el filme con un mínimo de credibilidad, y su aspecto visual no difiere mucho de cosas como "El proyecto de la bruja de Blair".
Su siguiente filme, en 1977, fue algo más apreciable, "Las colinas tienen ojos".
El film no fue precisamente mejor, a nivel técnico o interpretativo, pero el guión parece algo más elaborado (no mucho) y Craven ya no parece tener tanta insistencia en mostrarnos algo repulsivo cada cinco minutos. También incorpora a algunas actores cuya labor posterior será muy reconocida, aunque aquí no brillan demasiado: el deforme Michael Berryman, siempre fiel al género, la madura scream queen Dee Wallace Stone y Janus Blhyte (vista en El fantasma del paraíso, de Brian DePalma).
Todo comienza en una gasolinera en medio del desierto. Su anciano propietario habla con una muchacha que parece salvaje; según dicen, hay "algo" escondido en las montañas, a lo ambos personajes no son ajenos, y los militares tienen intención de hacer una intensiva búsqueda en las colinas.
La muchacha se esconde cuando llega una feliz familia americana en su caravana, los Carter: el padre es policía retirado, la madre es un poco "fanática religiosa" la hija mayor (Dee Wallace Stone) viaja con su marido y con su hija pequeña, apenas un bebé, y los otros dos hijos adolescentes no hacen más que pelearse. La familia viaja a California, pero antes, quieren pasar por una vieja mina de plata que les han dejado en herencia. El viejo intenta desanimarles, como mandan los cánones del género, pero no lo logra, y emprenden el viaje. Unos extraños personajes a los que nunca vemos observan los avances de la familia con unos prismáticos, y se comunican con walkie talkies. Finalment,e la caravana sufre un accidente que les obliga a parar el viaje; el padre decide volver a la gasolinera, y su yerno va a ver si puede encontrar ayuda, pero se hallan en medio del desierto. Los perros de la familia salen corriendo, uno de ellos muere destripado, la noche cae rápidamente, y el horror se desata sobre la familia Carter...

La familia Carter al completo poco antes de...

Lo que mora en las colinas, según explicará el viejo de la gasolinera a Papá Carter, es la familia de su propio hijo. En los años cincuenta, el vieo y su esposa tuvieron un hijo que no era normal, peludo y pesado. Se comía vivas a las gallinas, se divertía echando a los perros en los pozos... una noche en la que el viejo salió a comprar comida, aquel engendro quemó la casa con su madre y una hermana pequeña dentro, por lo que el viejo le abrió la cabeza y le tiró al desierto, donde esperaba que muriese desangrado o del calor. Pero el hombre sobrevivió, secuestró en la ciudad a una prostituta por la que nadie preguntaría, y ha formado una manada de hijos locos que sobreviven alimentándose de perros, alimañas... y ocasionales viajeros que pasan por allí. El asedio de la familia caníbal a los Carter no se hará esperar, y no va a haber tregua...
Las escenas crueles "Made in Craven" se pueden contar con los dedos de una mano: el perro destripado, el hombre crucificado y quemado vivo, la violación de la hija en la caravana... el supuesto mensaje que Craven quiere transmitirnos no deja de ser un tópico pueril: ninguna de las dos familias es enteramente "buena" o "mala"; los Carter pueden convertirse en salvajes tan violentos como ellos, y alguno de ellos puede sentir piedad y compasión. Un argumento trillado en exceso, y que es desarrollado por Craven sin demasiada convicción.
Del guión, lo mejor que puede decirse es que es una copia más o menos enmascarada de la por entonces en el candelero "La matanza de Texas" de Tobe Hopper. Así, tenemos a un grupo de caníbales que viven en un paisaje agreste, caluroso y asfixiante, y a un grupo de personas representantes (más o menos) de la normalidad, que se pierden en ese lugar y son rodeados y asediados por la familia caníbal, en busca de su carne (además, ambos films comparten a Robert Burns, director artístico que ha participado en no pocos filmes de género). El equipo técnico (once personas) no debe diferir mucho de aquel que rodó "La última casa a la izquierda" pues los resultados, a niven visual y técnico, fueron muy similares.
Las colinas tienen ojos alcanzó un buen éxito económico en el circuito de auto cines, y ganó además el premio a la mejor película de la Academia de Cune Fantástico y Ciencia Ficción de Los Angeles. En España se estrenó mancillada con la dichosa letra S, que identificaba productos (supuestamente) sexualmente explícitos o demasiado violentos. Hoy en día, ambas cosas han sido superadas scon creces, y la película de Craven apenas podría entrar en antologías de gore, y si en el subgénero de terror rural.
El filme contó con una secuela, dirigida en 1981, pero no estrenada hasta 1985, después del fulgurante éxito de Craven, Pesadilla en Elm Street (1984). El filme es mucho, mucho peor que el primero, y no ofrece nada interesante: repesca a Janus Blythe y Michael Berryman para otra aventurilla por el desierto, esta vez por parte de un grupo de chavales que van en autobús a una competición de motos, y se pierden en el desierto. Técnica y artísticamente nula, Craven ha reconocido que la hizo por dinero, porque en aquel momento, nadie quería producir la película de Fred Krueger, y él necesitaba dinero. Es uno de los puntos más bajos de su filmografía, y además rellena su metraje con escenas de la película anterior.
Como anécdota, con esta película se inició una pequeña serie de homenajes privados entre Craven y Sam Raimi: si aquí vemos un poster de la película "Tiburón" roto por la mitad en la caravana de los Carter (quizá para conseguir una comparación, queriendo indicar que el terror humano siempre será más aterrador que el animal) en la ópera prima de Raimi, Posesión Infernal, aparece, en el sótano de la casa, un poster de Las colinas tienen ojos, también roto. Craven devolvió el homenaje cuando, en Pesadilla en Elm Street, la protagonista veía Posesión Infernal en la televisión...
Se habló durante un tiempo de una tercera parte, que tendría un argumento de ciencia ficción, pero lo que nos ha llegado ha sido el remake de Alexandre Aja, que me ha parecido de lo peorcito: mucha sangre sobre maquillajes, muchos gritos, pero en esencia, la misma historia contada con los cánones actuales de cine de terror (que no son precisamente mejores que los de los años setenta). La pelicula de Aja ha tenido secuela, que no he podido ver...
Las colinas tienen ojos, de Wes Craven, no revoluciona el género, no lo hace evolucionar, simplemente presenta una película chapucera técnicamente (y aristicamente, salvo algunas excepciones contadas) pero al fin y al cabo, una historia entretenida y al límite. Sabiendo lo que uno va a ver, no es en absoluto un film despreciable.

Martin

2008-05-03T07:47:00.000-07:00

George A. Romero ha sido considerado muchas veces como un mero directorcilllo de serie B, que únicamente merece algo de reconocimiento por su trilogía de muertos vivientes. Ha sido muchas veces puesto al lado de Tobe Hopper, quien solo tiene una película realmente notable "La matanza de Texas". Sin entrar a valorar a Hopper, Romero tienen un mundo propio, que ha ido explorando consecuentemente a lo largo de su carrera. Además de su célebre trilogía zombie, tiene películas fantásticas, como Creepwshow, la extraña y dificilmente clasificable "Los caballeros de la moto" cine de suspense de calidad (La mitad oscura, Atracción diabólica) y este curioso experimento ¿vampírico? que es Martin (en España fue absurdamente titulada "El regreso de los vampiros vivientes").
La película fue rodada en 1976 (otras fuentes indican 77) tras pasar Romero una larga mala racha, que había acabado con su economía y con su salud. El rodaje de La noche de los muertos vivientes trajo el éxito a su puerta, no así la fortuna, ya que varios productores se aprovecharon del éxito para vender copias piratas sin tener que rendir cuentas al resto de los miembros del rodaje. La siguiente película ni siquiera era de terror, "There always vainilla" un filme extraño y totalmente improvisado, aburrido, estirado y descafeinado, a decir de los que la han visto. El tremendo fracaso del filme motivó que se estrenara en EEUU con otros varios títulos, pero el espectador no picó. Hoy es un filme desaparecido, y no conozco a nadie que la haya visto.
Las cosas se ponen más claras con Jack's Wife, conocida como Season of Witch, una película de brujería y feminismo que incluso fue editada en DVD aquí, aunque no con muy buena calidad. Más conocida todavía resulta "Los crazies" un film con zombies, contagiados tras la caída de un avión del ejército que portaba un virus como arma biológica. Aunque fallida y técnicamente deficiente, tiene algo de interés.

Retrato de la familia disfuncional

Finalmente, llega Martin. Martin Matias es un joven absolutamente introvertido y callado, que viaja en tren a Pittsburg para reunirse con su familia, tras la muerte de los parientes con los que vivía en Indianápolis. En el tren, Martin entra en el departamento de una chica para drogarla y beber su sangre, tras cortarle las venas con una cuchilla. ¿Es Martin un vampiro? es una pregunta que flota alrededor del filme, y que realmente, no obtendrá una respuesta clara.
Tras llegar a Pittsburg, es recogido por su anciano primo Cuda, un fanático religioso convencido de que su familia está maldita, y de que Martin es el noveno nosferatu, un diablo inmortal que bebe la sangre de los vivos para sobrevivir. Cuda pega ajos y crucifijos en casa, para consternación de su nieta Cristina (Christine Forrest, posteriormente esposa de Romero) la cual, de pensamiento algo más liberal, no termina de creerse las historias de su abuelo.
Martin comienza a hacer vida en la ciudad, ayudando a su primo, que posee una tienda de comestibles. Martin hace recados y se convierte en repartidor a domicilio. También sale por las noches, a cometer crímenes para beber la sangre de sus víctimas. Un día conoce a una vecina, la insatisfecha esposa de un marido ausente, la señora Santini, y se enamora de ella...
Para empezar, ¿que es Martin? Cree ser (toda la familia lo cree) un vampiro. Pero en realidad no lo es, al menos no un vampiro de los que el cine nos tiene acostumbrados. Su apetito por la sangre humana y su supuesta longevidad (dice tener 84 años) son las únicas señas de que podría ser algo antinatural. El sol, los crucifijos o los ajos no tienen ningún efecto en él. Como el propio Martin señala "no es magia. Solo es una enfermedad". una rara enfermedad convertida en otra cosa en el seno de una extraña familia, fanáticamente religiosa, que cree todavía que los demonios caminan por la tierra.

Martin se toma muchas molestias para preparar sus crímenes

Romero hace un magnífico examen de la mentalidad imperante en la América profunda: ese Pittsburg sucio y destartalado, donde parece haber una estricta mentalidad victoriana: incluso las desagradables señoras que frecuentan la tienda de Cuda se escandalizan porque un joven va a vivir en la misma casa que una muchacha soltera, como si de un horrible y pecaminoso asunto se tratase, un verdadero escándalo. Es " una ciudad de viejos" como varias personas indican a lo largo del filme, donde no será bien visto el nuevo sacerdote de ideas progresistas (interpretado por el propio Romero). Es, pues, el lugar ideal para que se refugie un muchacho introvertido en exceso, reprimido y de imaginación demasiado fantástica. Lo más probable es que Martin y su familia de verdad crean en su vampirismo, pero lo suyo parece más un problema mental, que quizá "lleva en la sangre" (se dice que hay otros nosferatu en la familia, dos más, que viven en Europa).
A menudo se nos intercalan imágenes en blanco y negro que cuentan el supuesto primer crimen de Martin, sucedido casi un siglo antes, pero bien podrían ser alucinaciones del muchacho perturbado. Martin se erige como un personaje tan oscuro como fascinante. Aunque sea tímido y reprimido, no es un loco común, sino un frío asesino que planifica sus crímenes con cuidado y con antelación, haciéndolos pasar por suicidio a veces, y también parece importante para él tranquilizar a sus víctimas antes de matarlas, no solo sedándolas, sino hablándoles mansamente para que no tengan miedo. Aficionado a los trucos de magia, Martin se limita a vivir su vida, ajeno a los intentos de su primo Cuda para "salvar su alma" y algo menos ajeno a los problemas de su prima, encerrada en un pueblo de ideología medieval donde la mujer no significa nada, intentando convencer a su novio Arthur (Tom Savini, que se ocupó de los FX, en un breve papel) para que se marchende allí. También parece que Martin tiene necesidad de llamar la atención, cosa que hace al llamar a un programa de radio de confesiones noctunas para, bajo el apodo de "Conde" contar sus experiencias vampíricas, llegando a cosechar una pequeña legión de admiradores...
¿Es Martin un vampiro? Al final, la respuesta es lo de menos. Lo importante es que hemos asistido a un implacable examen psicológico, de un pueblo que parece haberse quedado en el siglo XIX, de una familia que ha sido destruida por el ilógico fanatismo religioso, y de un muchacho cuya mente ha quedado arruinada por culpa de su familia, pero también por su excesiva imaginación...
La película se rodó en Pittsburg con el ínfimo presupuesto de 100.000 dólares, aunque oficialmente, la cifra se aumentó ahsta 250.000. Según Romero, fue el primer rodaje que disfrutó desde "La noche de los muertos vivientes" y además le permitió conocer a la que luego sería su mujer, Christine Forrest. Hubo una versión más larga del filme, que superaba las dos horas y aumentaba información sobre la ciudad, diversos personajes secundarios, la pasión de Martin por la magia... el montaje fue declarado demasiado largo, y Romero tuvo que recortarlo hasta la duración que conocemos, con la esperanza de presentar el montaje completo en posteriores ediciones, pero parece ser que dicho montaje se considera desaparecido. También tuvo que cortar diversos planos gore, algunos realmente absurdos, como el corte que Martin hace a la primera chica; el plano tuvo que ser retocado para que el corte no fuese tan largo, una tontería. Esos insertos gore si los tenemos en posteriores ediciones de vídeo...
Martin no es la mejor película de Romero, pero, a pesar de que es de las más olvidadas y desconocidas por el público, si es una de sus mejores películas, una joya sencilla, oscura y psicológica, perturbadora y con no poco humor negro... se hace más que recomendable descubrirla, siempre que no se espere de ella una historia de vampiros convencional.

Solos en la oscuridad

2008-04-20T08:41:00.000-07:00

Jack Sholder es uno de esos directores del fantástico que se han movido siempre en las aguas del desconocimiento. La mayoría del público no reconocerá su rostro ni su nombre, y si se les dice que es el director de, por ejemplo, la segunda parte de "Pesadilla en Elm Street" se limitarán a encogerse de hombros. Aunque ha demostrado tener talento, pocas veces ha destacado con una película que le permita lucirse comercialmente, quizás la más celebrada es la curiosa "Hidden, lo oculto".
Dos años antes de que Wes Craven diera el pistoletazo de salida a la, hasta entonces productora ignota New Line Cinema, Sholder ya destacó con esta "Solos en la oscuridad" un slasher prototípico, entretenido, y que basa su encanto, sobre todo, en los "monstruos" que figuran en su ficha artística, y es que ver aunados en un mismo plano al inquietante Jack Palance, a Martin Landau y a Donald Pleaseance ya es señal, cuato menos, de que estamos ante algo más digno que cualquier secuela de Viernes 13, o copia de esta, pues era el modelo más clonado en películas de psicopatas de la década.
Se nos cuenta, tras un inquietante prólogo con Landau de protagonista, la llegada de la familia Potter a una pequeña ciudad americana, donde el cabeza de familia, Dan (Dwight Scultz) va a ocupar un puesto de psiquiatra en el manicomio del doctor Leo Baln (Pleaseance) un tipo que no parece estar mucho más cuerdo que sus pacientes, e incluso alimenta las fantasías de estos. Allí conocerá a los hombres del ala de máxima seguridad: el antiguo militar Frank Hawkes (Palance, el personaje más interesante) que con una fuerte neurosis de guerra, no soporta estar encerrado; el ex sacerdote Byron Sutcliff, fanático religioso que una vez quemó su iglesia cuando todos los feligreses estaban en ella; un joven obeso que abusó de varias niñas, y el "hemofílico" un asesino en serie que siempre tenía hemorragias nasales tras sus crímenes, y que no permite que le vean la cara.
Mientras el doctor Potter se pone al día en sus funciones, los locos traman contra él, creyendo que Dan ha asesinado a su antiguo psiquiatra, el doctor Merton (a quien tenían en gran estima) y deciden vengar a su antiguo amigo, cuando la ocasión llegue.
Durante un ruidoso concierto de rock, al que todos acuden por mediación de Toni, la cuñada de Dan, se produce un apagón en toda la ciudad, y diversos disturbios. Al quedarse sin electricidad el manicomio, los locos aprovechan para huir de allí, se hacen con ropas civiles y con armas, y esperan pacientemente a que el doctor y su familia regresen a casa para comenzar un asedio brutal...

El doctor Potter habla con Hawkes

Empezando por la plantilla de actores, resulta divertido ver a Dwight Schultz para cualquiera que haya seguido las aventuras de "El equipo A" serie en la que interpretaba al loco Murdock: aquí, Schultz es un psiquiatra, un tipo intelectual, incluso apocado, que prefiere no involucrarse en asuntos comprometidos, resultando casi un émulo del personaje de Dustin Hoffman en "Perros de paja" (película con la que guarda no pocos paralelismos) donde una persona pacifista e incluso cobarde tendrá que hacer uso de la violencia para sobrevivir.
Pero la fuerza de la película está en esos locos, desde el psiquiatra que rige el manicomio, un tronchante Donald Pleaseance, tan desequilibrado como cualquiera de sus pacientes, a ese grupo de hombres "no es que sean violentos, simplemente no han podido o no han sabido integrarse en la sociedad" se repite varias veces en el filme, desde un Martin Landau como el perturbador fanático religioso a un amenazante Jack Palance, no del todo cuerdo/no del todo loco. El ex militar Frank Hawkes, sufre neurosis y claustrofobia, debido al tiempo que estuvo prisionero en Vietnam, y siempre intenta escapar, o por lo menos "creer que conoce la forma de escapar, y que puede hacerlo cuando quiera" como expresa el doctor Bain. El personaje de Philliph Clark es probablemente, el que resta más credibilidad a la película...
Sholder dirige con fuerza un guión arquetípico, puede decirse que está a medio camino entre el slasher (sin excesos en gore, eso si) y la película de suspense; son más los movimientos de los locos y la respuesta de los "cuerdos" lo que interesa a Sholder en lugar de los asesinatos, y cuando estos se suceden son despachados con sobriedad, sin exceso regodeo en la escena sangrienta.
No falta la polémica de "¿quien es el verdadero loco?" ante la situación del apagón: durante el concierto se produce el apagón, posteriormente se producen saqueos y manifestaciones aprovechando la oscuridad forzada, e incluso la policía actúa de manera violenta e irracional, confundiendo sin que parezca importarles a saqueadores con ciudadanos normales.
Pequeña pieza de artesanía, rápida, va al grano y cuenta una historia lo suficientemente creíble y desasosegante, servida por tres grandes actores, sabiéndose ya casi al final de sus brillantes carreras. Sholder conocería el éxito en 1984 con la segunda parte de Pesadilla en Elm Street (menos, pues la secuela, aunque no dejó de generar dinero en taquilla, es de las más denostadas por los aficionados, pese a ser una historia de suspense que aportaba algo nuevo a la saga, aunque desbarra hacia el final) y si, conocería por fin el éxito, público y crítico, en 1987 con la mencionada Hidden, lo oculto (ganadora del Gran Premio Avoriaz, y del premio al Mejor Actor (Michael Nouri) en el festival de Sitges.
Lastima que, actualmente, el talento de Sholder se haya visto implicado en cosas como la nefasta "Arachnid"...

Asalto a la comisaría del distrito 13

2008-04-14T08:42:00.000-07:00

La primera película de John Carpenter fue Dark Star, un proyecto universitario que se alargó durante tres años, pasando de ser un mediometraje rodado por amigos a una película (muy modesta, eso si) estrenada en cines. La película contaba la historia de unos astronautas a bordo de una nave que se dedica a destruir planetas inestables. Los astronautas hippies a bordo se las verás negras por culpa de un alien (en forma de pelota de playa) y por una bomba atómica con conciencia propia que amenaza con destruir la nave, cosa que deberán evitar, filosofando con ella... demencial.
El productor Irwin Yablans (uno de los futuros productores de "La noche de Halloween" le ofreció a Carpenter total libertad para, con un presupuesto limitado, llevar a cabo la pelicula que quisiera. Carpenter eligió un western, concretamente un remake semi encubierto de "Río Bravo" de Howard Hawks. Pero sabiendo de antemano que el western era un género en franca decadencia, y que requeriría bastante más presupuesto para conseguir unos escenarios convincentes, decidió convertir a los indios en pandilleros y a los sheriffs en policías de una ciudad americana en la época "actual" (1976, año de producción del filme). Carpenter escribe el guión, dirige, produce, compone la música (una de las melodías más pegadizas y obsesionantes de su carrera como director) y ademas, monta el filme con el seudónimo de John T Chance (nombre de un personaje interpretado por John Wayne).
El filme comienza siguiendo las andanzas de una pandilla "Trueno callejero". Seis de sus miembros son acribillados en una operación policial. Las autoridades advierten que se esperan represalias por parte de los compañeros de los fallecidos. Así, estos hacen un pacto de sangre para devolver todo el daño que se les ha causado, para vengarse hasta la muerte de ser necesario.
Asistimos entonces al primer día como policía del agente Ethan Bishop, a quien le han dado un primer encargo poco importante: la comisaría del distrito 13, Anderson, tras décadas de leal servicio, ha sido clausurada y trasladada a otro edificio más moderno. Bishop tendrá que supervisar el traslado de las pocas cosas que quedan allí, junto con una mujer policía, Leigh (Laurie Zimmer) y una secretaria. En primera instancia, un encargo rutinaria de ninguna importancia. Las cosas comienzan a complicarse: por una parte, una serie de presos son trasladados a una cárcel para condenados a muerte, entre ellos, el célebre y carismático Napoleon Wilson (Darwin Joston) pero uno de los presos está gravemente enfermo, y tendrán que hacer pasada... en la comisaría de Anderson.

El ciudadano anónimo como potencial víctima de los pandilleros

Por otra parte, los pandilleros asesinan a un heladero y a una niña que acudía a comprar un helado (impresionante escena) el padre de esta, completamente enloquecido, se hace con un arma y dispara contra varios de los jóvenes, que le persiguen enloquecidamente. El padre se refugia en la comisaría, donde el guardián de Wilson y los otros Starker (Charles Cyphers) trata de encontrar un médico. Los pandilleros cortarán la luz y el teléfono, y asesinarán a Starker y a varios de sus presos. Wilson y su compañero Wells (Tony Burton) se salvan, y son encerrados mientras Bishop y Leigh se hacen consciente de la situación. Los pandilleros exigen que se les entregue al hombre al que protegen, pero Bishop, que a pesar de ser un novato tiene un gran sentido del deber, se niega, diciendo que el hombre acudió a buscar ayuda y la recibirá mientras se la puedan dar. Se organiza un impresionante tiroteo, con varios muertos por ambos bandos, y finalmente, Bishop se da cuenta de que no sobrevivirá si no cuenta con la ayuda de Wilson y Wells... los cuatro formarán un grupo formidable en un intento de sobrevivir al asedio mientras dan con un modo de salir del encierro...
Asalto a la comisaría del distrito 13 ha sido comparada tanto con el western que medio remakea, Rio Bravo, como con otras películas de temática similar: La noche de los muertos vivientes, Perros de paja... films en los que unas cuantas personas quedan encerradas en una casa, agredidos por una amenaza exterior, con pocos medios para defenderse y con algunos problemas internos. Ellos solo tienen un rifle y dos pistolas, y para hacer frente a la batida final, se valdrán tan solo de un arma con tres balas (momento mítico) mientras que los pandilleros parecen no tener fin, inquietantes (se nos muestran numerosos entre las sombras, sin que les veamos nunca el rostro) y con recursos ilimitados. Una situación al límite, marcada todavía más por la oscura fotografía de Douglas Kanpp, creando una sensación asfixiante muy conseguida. La dirección de Carpenter es firme, pese a ser casi un novato en esas lides, y ya he mencionado la desasosegante banda sonora...

Luchando hasta el último momento

Respecto a los acotres, Tony Burton siguión haciendo cine, Darwin Joston intervino en alguna peli más de Carpenter como secundario, antes de su fallecimiento prematuro, pero el caso mas sangrante es el de Laurie Zimmer, que interpreta a la mujer policía Leigh. Al parecer, este fue su único film comercial, lo cual resulta una pena, pues apuntaba maneras. Antes solo había hecho una película francesa underground, cuya directora la escogió a ella porque eran físicamente idénticas. Años después, esta directora intentó encontrar a su antigua "doble" haciendo repartir folletos con su foto por diversas ciudades, e incluso rodó un documental "¿Donde está Laurie Zimmer?" pero la actriz sigue desaparecida.
La película es todo un rosario de escenas míticas: desde los pandilleros circulando en coche y apuntando con sus armas a los ciudadanos al asesinato, frío, cruel e indiferente de una niña que va a comprar un helado, los posteriores tiroteos, la personalidad del gran Napoleon Wilson (el primer antihéroe carpenteriano, noble antecesor de gentuza como Serpiente Plissken) un hombre muy peligroso que ha sido calificado de asesino de masas y va a ser ejecutado por ello. Wilson tiene una actitud cínica y sarcástica hacia la vida, es "encantador" segun le describe con sorna su compañero Wells, se pasa toda la película pidiendo un cigarrillo y flirteando con Leigh (la cual no es precisamente indiferente a sus indirectas) y cuando las cosas se ponen feas para "los buenos" no duda en convertirse en un poderoso aliado para Bishop, combatiendo al enemigo con toda su astucia sin que en ningún momento aflore en él una vena sádica o perversa. Al final, después de lo acontecido, se ha forjado entre los dos hombres una camaradería indestructible, y es Napoleon Wilson a quien Bishop considera su compañero, y no los otros hombres que llevan placas como él. Al igual que en otras películas como "Vampiros" la amistad puede surgir en el lugar y la situación más inesperada, y convertirse en lo más importante para aquellos que hacen gala de ella.
Oscura, fría, cautivante, "Asalto a la comisaría del distrito 13" puede considerarse sin ningún pudor como la primera obra maestra de su director, pese a que en su estreno en cines de EEUU fue recogida con mucha frialdad, y bastante despreciada por la crítica. Pero cuando Carpenter ya andaba metido en la producción de "La noche de Halloween" la película fue estrenada en el Festival de Londres, donde causó verdadera sensación, hasta el punto en que varios críticos de cine norteamericanos rectificaron sus palabras, alabando el film. Antes de su estreno, se barajaron los títulos de "The Siege" y "The Anderson Alamo" y fue un distribuidor quien finalmente la bautizó como todos la conocemos.
Hace unos años se realizó un remake, completamente carente del nervio y de la ambiguedad moral de esta. Nada a tomar en cuenta. La original es un verdadero clásico, y son muchos los que la tienen como su película preferida de su director, pese a que este tiene películas mucho más logradas.

Robocop

2008-04-13T15:00:00.000-07:00

Paul Verhoven es un director genial. Utiliza todos los medios a su alcance para hacer, en sus películas, brutales críticas a la sociedad norteamericana. Pero, como dichas películas gozan de popularidad y de buenas cifras de ingresos, nadie parece concederle a importancia al cínico examen de las costumbres americanas, y el hombre sigue a lo suyo. Robocop es una muestra perfecta de ello: gozó de éxito de taquilla y de crítica, tuvo varias secuelas y series (una "en carne y hueso" y otra de dibujos) y se convirtió en uno de los iconos más importantes hacia finales de los años ochenta. Producida por la Orion (que tambien produjo Terminator) con un presupuesto ajustado, Verhoven quiso crear una historia en la que "el alma humana consiga sobrevivir a la muerte y no se supedita a un programa informatico". De hecho, son muchos los que han hecho comparaciones religiosas... pero vamos con el argumento.
Detroit, en algún momento indeterminado del futuro. La ciudad del autmóvil es un nido de corrupción, violencia incontrolable, drogas, prostitución, atracos, violaciones y asesinatos. La policía ya no es un servicio público, sino que forma parte de una compañía privada, la todopoderosa OCP, que ahoga cualquier eficacia del cuerpo policial con una absurda y aplastante burocracia.
El agente Murphy (acertado Peter Weller) es trasladado a la comisaría de Detroit, donde sale a patrullar con su nueva compañera, Lewis (Nancy Allen). En el primer día, persiguen a una panda de sádicos que acaban de robar un banco y se refugian en un viejo almacén abandonado. Allí, los agentes se separan, y Murphy es acorralado por la banda, liderada por Clarence Bodicker (Kurtwood Smith) conocido jefe del crimen que disfruta especialmente matando policías. Al momento, tiene lugar la primera y brutal escena con la que Verhoven nos demuestra que esto va en serio: los pandilleros rodean a Murphy y prácticamente lo despedazan a tiros, y luego se marchan. Lewis le encuentra, moribundo, y aunque sorprendentemente consigue llegar al hospital, los médicos no pueden hacer nada por salvar su vida.
Mientras tanto, un ambicioso joven ejecutivo de la OCP, Robert Morton (un estupendo Miguel Ferrer) aprovecha el fracaso de un proyecto de robot policia, el ED 209, que dirigía el videpresidente de la compañía, el astuto Dick Jones (Ronny Cox). Morton consigue que su proyecto Robocop vea la luz, sustituyendo al ED 209, y para ello utilizan el cuerpo del agente fallecido Murphy, le borran la memoria y reestablecen sus funciones vitales, metiéndole dentro de un traje de titanio y kevlar virtualmente indestructible, con una programación clara: defender la ley, a toda costa. El proyecto funciona, y en pocos días, Robocop limpia las calles de maleantes con eficacia, pero cuando su antigua compañera le reconoce, el alma humana que todavía late dentro del metal comienza a recordar que una vez fue un hombre... poco a poco, toma conciencia de si mismo, y termina por ignorar su programación cibernética y lanzarse a una venganza contra los hombres que le "mataron". Pero eso va a ser más difícil de lo que piensa, puesto que el verdadero jefe de dicha banda es uno de los altos cargos de la OCP...

Robocop en acción

Desde el principio, asistimos a un futuro negro, sucio y lleno de corrupción, violencia y burocracia. Las compañías privadas se han hecho con todo, cárceles, hospitales, policía, lo dominan absolutamente todo, y solo se molestan en mirar por sus beneficios. Controlan, además, los medios de comunicación (impagables los noticiarios y la publicidad que aparece en estos) y su única meta, el motivo de que se construya Robocop, es limpiar las calles para construir una Nueva Detroit, una ciudad de lujo. Los criminales y los crímenes desaparecerán, pero también los pobres, y todos aquellos que no tengan un cierto nivel de vida.
Robocop, por su parte, es un ser cibernetico con una programación, sin recuerdos de su vida anterior, pero que los recupera, gracias a su compañera y a su encuentro con uno de sus asesinos. Es emotiva la escena en que visita su casa, ya abandonada, y va "reproduciendo" fragmentos de su memoria, de su vida familiar.
Robocop es un ser legendario desde el momento de su creación. Tenía que ser, según Verhiven, "potente, elegante, electrónico y real" contradictorios adjetivos que se cumplen. Adorado por los medios de comunicación, que dan amplias noticias de sus actos contra la delincuencia (como no, siendo los medios de comunicacion una herramienta de la OCP) también es un ser torturado, un hombre lobotomizado y convertido en robot que consigue sobrevivir a una muerte brutal (Verhoven quería que la muerte a tiros fuese realmente horrible, para así experimentar mayor grandeza en su resurrección) y se da cuenta de que ha perdido su identidad, su antigua vida. Su esposa y su hijo se han ido para siempre. Así que se enfrenta a lo único que puede enfrentarse, a sus asesinos. Busca cumplida venganza (no exenta de violencia y gore). De hecho, la película es bastante exagerada: ya la muerte de Murphy es muy sangrienta, pero posteriormente, la muerte del ejecutivo a manos del ED 209, la de los malos (el que recibe un baño de ácido y es posteriormente destrozado por una furgoneta es impresionante). Una vez muertos sus asesinos, Robocop (tal vez) pueda volver a ser Murphy de nuevo.
La película cuenta con dos secuelas, la primera, Robocop 2, es un comic de accion hiper violento, guionizada por Frank Miller, con mucha mala leche y humor negro, en absoluto despreciable. Robocop 3, por el contrario, además de hundir la prometedora carrera de su director, Fred Dekker, y de no contar ya con Peter Weller tras el traje, tiene una trama estúpida que intenta ser más comercial, convirtiendo en Robocop en "salvador de los pobres" y dandole una nueva aliada, una niña repelente experta en ordenadores que todo espectador desearía poder asesinar.
La película de Verhoven, sin duda, un clásico de la ciencia ficción. Inolvidable.

Carretera perdida

2008-04-13T13:57:00.000-07:00

David Lynch, autor de joyas como "Terciopelo azul" o la serie Twin Peaks, y en los noventa comenzó a hacer películas deudoras de su ópera prima "Cabeza borradora". Es decir, películas raras, incoherentes, a veces sin ninguna lógica, bizarras, sin sentido... y fascinantes. Carretera perdida fue una de ellas, probablemente la más críptica y extraña. Tiene tantos admiradores como gente que la odia profundamente, no parece existir término medio. Contando con la música de su compositor habitual, Angelo Baladametti, y como actores, Bill Pullman, Patricia Arquette, Baltazar Ghetty, Robert Loggia y Robert Blake.
Todo comienza cuando un apático saxofonista, Fred Madison (Pullman) que está solo en casa, recibe un extraño mensaje en su contestador: "Dick Laurent está muerto". Eso es todo, a partir de ahí comienza la caída en picado. Fred tiene una esposa, René (Arquette) morena y guapa, de la que siempre se siente terriblemente celoso. Una mañana, encuentran en el buzón una cinta donde alguien se limita a grabar el exterior de la casa. Durante una fiesta, Fred ve a un extraño hombre pálido que parece saber algo sobre él, y que le causa una terrible sensación... poco después, reciben otra donde les graban en su dormitorio. Llaman a la policía, que no saca nada en claro, pero promete protegerles. Poco después, sin embargo, René aparece muerta, y parece ser Fred el culpable.
Es sentenciado a muerte, pero mientras espera en su celda del corredor de la muerte, desaparece, y en su lugar aparece otro hombre, Pete Dayton (Ghetti). Aquí comienza la paranoia. Es imposible, ¿como se han cambiado esos hombres? ¿Donde está Pete? lynch, sin embargo, nos conduce en la historia por los cauces que a él les interesan. Pete resulta que es mecánico en un taller, y vive con sus padres. Según parece, desapareció semanas atrás. Es devuelto a su vida, y en el taller se hace amigo de un mafioso, el señor Edy (Loggia) cuya amante resulta ser un clon IDENTICO de René, excepto en el pelo, la "nueva" Alice, es rubia. Pronto, Pete y ella se enrrollan, y traman un plan para deshacerse del señor Edy (que no es más que un alias, su verdadero nombre es Dick Laurent... ¿os suena?)

El "hombre misterioso" que amargará la existencia a Fred

Todo esto es solo el principio. La película se vuelve por momentos más surrealista. No hay lógica, no hay línea argumental, ni empieza, ni termina. Pasan cosas, algunas sabemos y entendemos, otras, no. Los personajes pululan por la historia en silencio, cumpliendo su función, pero el público, muchas veces, no lo entiende. Un desaforado viaje a los infiernos personales de alguien (de Madison o de Dayton). En realidad, se le han dado muchas, muchas interpretaciones a este film. Desde la típica historia de un músico que vende su alma al diablo (en este caso, a cambio de venganza por los cuernos que le pone su mujer) a la teoría mas extendida entre los fans de Lynch, la de la fuga psicogénica. Parece ser una enfermedad psicológica real, que se ha dado muy poco. Según esta teoría, Fred ha matado a su esposa por celos, y es condenado a muerte por ello. Su instinto de culpabilidad le destroza, se vuelve loco, no puede aguantar la idea de que ha matado a su mujer y va a ser condenado a muerte en la silla eléctrico. Por ello, su mente se desdobla, se convierte en un esquizoide con múltiples personalidades y se crea, dentro de su mente, otro mundo paralelo donde las cosas son como a él le gustaría que fueran: "su" mujer le ama, consigue venganza contra Dick Laurent, todo va bien. Pero hacia el final, va siendo progresivamente consicente de la verdadera realidad que le rodea, lo que causa todas esas paranoias en los últimos minutos del filme...
El interesante personaje, llamado simplemente "Hombre misterioso" que interpreta Robert Blake, podría ser, según la teoría, algo distinto. Desde el diablo que ha comprado el alma de Fred y quiere cobrársela hasta su propia conciencia, su "alarma de realidad" que intenta hacerle "despertar. Hacia el final de la película, así parece querer indicárselo, respecto al personaje de Arquette. "No se llama Alice, se llama René. Si alguna vez te dijo que se llamaba Alice, te mintió".
Estrenada la película, Lynch tuvo que soportar muchas pullas. La gente la odiaba, no la comprendían, el público la aborrecía. No es una película que explique cosas, no es para todos los paladares, simplemente propone un juego, puedes aceptarlo, entrar en él y dejarte llevar por sus misterios, o mirar la película con los ojos de la lógica y aburrirte sin entender nada. Sin embargo, la crítica se mostró mucho más benigna de lo habitual, y hoy la película tiene muchos fans... casi tantos como detractores.
En resumen, un saxofonista que (quizas) ha vendido su alma al diablo tras matar a su mujer, y que (quizas) desaparece de su celda y en su lugar aparece otro joven que conoce a una joven fascinante y atractiva, con la que se liará para matar al tal Dick Laurent que (quizá) metió a su mujer René en el mundo de la prostitución... Lynch ha vuelto a dirigir otra película realmente extraña e incoherente "Mullholland Drive" que obtuvo bastante más exito. Con todo, a día de hoy Carretera perdida está considerada una de las mejores películas de Lynch, críptica, ilógica y fascinante. Si os gustan las películas complejas y los misterios sin explicación, no deberías dejarla pasar.

Razas de noche

2008-04-13T12:39:00.000-07:00

Tras el relativo fracaso (creativo) de "Hellbound, Hellraiser II" Clive Barker decidió volcarse en otro proyecto personal, la adaptación al cine de su novela "Cabal". Por desgracia, para ello trabajaría con un gran estudio, la FOX, y torpedearían el proyecto casi desde el principio, despedazando la película de tal manera que lo que conocemos no es más que un mero esbozo de lo que Barker quería hacer. Aún así, es muy interesante de contemplar, esta "Razas de noche".
Un joven perturbado que lleva toda su vida entrando y saliendo de sanatorios mentales, Aaron Boone (correcto Craig Sheffer) ha conseguido por fin algo de estabilidad en su vida, gracias a su novia, Lori, y a su psiquiatra, Decker (un David Cronenberg ENORME) que ha conseguido "curarle". No obstante, una mañana Decker le llama a su consulta y le explica que la policía le ha consultado acerca de unos terribles asesinatos de familias cometidos por la zona, que coinciden con fantasías que Boone le contó durante sesiones de hipnosis. Al saberse culpable, Boone se aisla de todo y se vuelve un drogadicto. Finalmente intenta suicidarse, pero solo consigue que le lleven a un hospital para recomponerse. Allí conoce a otro chiflado, Narcisse, que espera "que le lleven" a un lugar llamado Midian, habitado por monstruos que le "perdonarán sus pecados". Boone se interesa mucho por el lugar, y al darse cuenta de que su psiquiatra le ha delatado y le van a llevar a la cárcel, escapa y se dirige a Midiam, que resulta ser un lugar real, un enorme cementerio barroco, en una ciudad medio abandonada. Allí se topará con dos seres monstruosos que tratarán de devorarle, y que le dicen con desprecio que es inocente de los crimenes de los que se le acusa.
Uno de ellos le muerde, pero el otro se apiada de él, y le ayuda a escapar. En el exterior, le acorralan las autoridades, y tras descubrir que Decker no es su benefactor, sino el verdadero asesino que le ha traicionado, muere en un espectacular tiroteo. Aunque esto le es comunicado a Lori tiempo después, el cuerpo de Boone desaparece del depósito, y es aceptado entre las "Razas de noche" que viven en el subsuelo, bajo las tumbas. Lori, por su parte, se dirige a Midian con la esperanza de averiguar que llevó allí a su torturado novio, y Decker, por su parte, sabiendo que Boone ha vuelto de entre los muertos, la sigue para descubrir su escondrijo, y matarlo...
Barker trató de dar a su película un tono de "película épica de terror". A ello contribuye la banda sonora de Danny Elfman, oscura y similar a la de BATMAN, de Tim Burton. La historia del pueblo oprimido y diezmado que se oculta, a la espera de la llegada de un salvador que les saque de nuevo a la luz y derribe a los injustos, el hecho de que aquí, los monstruos no son intrinsecamente malos, solo se defienden. Los que atacan son los "humanos" exteriormente normales, desde ese absolutamente desquiciado David Cronenberg como un psiquiatra supeditado a otra identidad, oculto bajo una máscara, hasta un grupo de policías que se dedican a tirotear y matar a las Razas de noche simplemente por racismo, son diferentes, son raras, ergo, son una amenaza y hay que erradicarlas de la faz de la tierra.

Boone es aceptado entre las razas de noche

Durante el rodaje, los productores pusieron freno a Clive muchas veces, pero la verdadera masacre llegó en la sala de montaje, donde cortaron la película a su gusto, añadiendo escenas para hacerla más comercial y quitando bastante gore y sexo (la escena entre Boone y Lori en la celda era, en la novela, bastante más gráfica). Por lo tanto, la crítica ya se lo estaba esperando, y cuando Razas de noche fue estrenada, la destrozaron. Fue un fracaso en las pantallas de cine, pero alcanzó un éxito considerable gracias al boca a boca, en su edición en vídeo y en algunos pases televisivos (recuerdo uno en Antena3). Siempre se ha hablado de secuelas (de la novela) y de un Director's Cut de la película en DVD, que recupere el metraje desechado y acerque la película a lo que Barker quería mostrarnos. Mientras llega (si llega) tenemos una película sugestiva, muy interesante, con un final quizás demasiado comercial (el del libro, mucho mejor) pero en suma, válida. Sectas de deformes que viven bajo tierra practicando extraños ritos, asesinos en serie disfrazados de respetables psiquiatras, policías que no son más que carniceros con placa, un supuesto salvador del pueblo de Midian que es un individuo torturado y ansioso tanto de cometer pecados como de que se le perdonen... no es la mejor película de Barker, no es una obra maestra, pero es una gran película.

Mad Max

2008-04-13T11:38:00.000-07:00

Película australiana de impresionante éxito, dirigida en 1979 por el desconocido George Miller, y protagonizada por el joven y desconocido Mel Gibson, en la película que le dio la fama. Un filme sencillo, con aparatosos accidentes de tráfico, pero pocos inconvenientes más, rodada en agrestes parajes australianos, con un presupuesto reducido. Contó con dos secuelas (mi preferida es la segunda parte, aunque esta primera también es genial) a partir de las cuales, la figura de Gibson quedó más engrandecida. Su director, George Miller, no realizó muchas películas destacables fuera de su saga post apocalíptica, siendo digna de mencionar "Las brujas de Eastwick" con un cabroncete Jack Nicholson como diablo cachondo y seductor que se dedicará a perseguir a tres insatisfechas amas de casa de un tranquilo pueblecito americano, con funestas consecuencias.
Max Rockatansky es un joven y prometedor agente de policía, en un futuro no muy lejano en el que las calles se han llenado de delincuentes y de bandas motorizadas que imponen su ley y siembran el terror como piratas de carretera. Durante su turno, él y su mejor amigo, Ganso, son encargados de perseguir a uno de esos chiflados, que completamente enloquecido, siembra el pánico conduciendo su coche a toda velocidad. Max consigue reducirle, y el loco, que se apodaba a si mismo "El Jinete nocturno" muere en el aparatoso accidente que se sucede.
El único alivio de Max a toda esta violencia es volver a casa por la noche con su esposa Jessie y su hijo de corta edad. Pero Max está cansado de todo esto, y aunque en la policía le "recompensan" con un gran coche, el Interceptor, para que no se marche, un día llega la gota que colma el vaso: una pandilla de degenerados raptan y violan a una pareja. Aunque Max no lo sabe, son amigos del Jinete Nocturno. Más tarde, la chica se niega a comparecer en juicio por miedo, y los degenerados quedan en libertad, pero ahora saben que Max y Ganso fueron los asesinos de su líder, y pronto se vengarán matando a "Ganso"... destrozado, Max coge a su familia y se marcha al campo, en un intento de huir de la locura de la ciudad, pero los antiguos compañeros del Jinete Nocturno no han dicho su última palabra...

Max y su amigo el Ganso intentan hacer cumplir la ley

Una violencia desaforada, exagerada. La pandilla de sádicos degenerados que cruza las carreteras australianas imponiendo su ley (que es la ley de no tener ley en absoluto) viola, roba, mata a su antojo, y cuando son detenidos, no tardan ni dos días en salir de los juzgados, debido al miedo de sus víctimas a declarar contra ellos. Incluso cuando los jefes de policía, hartos de las injusticias, dan a sus hombres la libertad de actuar al margen de la ley, el salvajismo de los forajidos es demasiado para unos hombres que toda su vida han intentado defender la justicia.
Solo cuando Max "el loco" entra en acción, tienen esos hombres que empezar a tener miedo...
La película fue un éxito en todo el mundo (el presupuesto era de 350000 dolares, y recaudó 100 millones) aunque tuvo algunos problemas con la censura: así, aún en nuestros días, la película está prohibida en Suecia, en Francia se estrenó como película X e incluso en España se le estampó en la caratula una S, célebre letra con la que se "marcaban" películas eróticas o extremadamente violentas (sic). De las dos secuelas, la segunda es claramente la mejor, "Mad Max 2, el guerrero de la carretera" y la tercera era ya un producto mucho más comercial, donde Max era suavizado y presentado como un héroe "Mad Max, Mas alla de la cúpula del trueno". La original marcó escuela, desarrollando el subgénero de "moteros", de violentas pandillas y de policías al margen de la ley, de futuros "no muy lejanos" donde los criminales hacen de las suyas sin que la ley pueda impedirlo. Clásica.

Re-Animator

2008-04-13T10:10:00.000-07:00

La Empire, compañía de cine de serie B creada en los ochenta por los hermanos Band, no podía haber pedido mejor película para despegar y hacerse un nombre. Aunque, lamentablemente, su futuro no fue muy bueno, haciendo siempre las mismas películas y más secuelas de estas, hasta que quebró y se reagrupó en la Full Moon (que siguió con los esquemas de repetición, y continua hoy en día haciendo peliculas que solo se ven en EEUU en DVD o en television por cable) Empire puede contar en su haber con varios títulos interesantes, casi todos de Brian Yuzna o Stuart Gordon.
Re-Animator fue una idea de Stuart Gordon, hombre de teatro, para crear una serie de televisión sobre las sangrientas aventuras del doctor Herbert West, en su obsesión por vencer a la muerte. Dicho personaje, creado por Lovecraft, y sus tropelías gore, no fueron bien vistas por la televisión, y el canal que pensaba producir la serie se echó atrás y fichó a Steven Spielberg para la sosa serie "Cuentos asombrosos".
Gordon decidió que el proyecto cuajaría mejor en una película cortita de cine, que si tenía exito siempre podría tener secuelas, y se alió con el entonces inexperto productor y fan absoluto del cine fantástico Brian Yuzna. Juntos acudieron a Empire, que aceptó a producirles la película... y acertaron.
Con un presupuesto muy reducido (de hecho, no hay exteriores en el filme) y unos efectos especiales tan caseros como bien logrados, impresionantes, la película apunta por la casquería, pero también por el suspense en algunas escenas, como el ataque del gato en el sótano. Los actores que la protagonizaron, Jeffrey Combs, Barbara Crampton y David Gale, se convirtieron en auténticos mitos de videoclub de fin de semana, quedando encasillados en producciones Empire...

Herbert West, reanimador

El filme comienza con un prólogo en Suiza, donde el prestigioso doctor Gruber muere tras un experimento fallido que solo conocía su ayudante, el joven y tétrico Herbert West (Jeffrey Combs) que inicialmente es acusado de matarle. No obstante, logra evitar ser encarcelado y se dirige a Estados Unidos para estudiar en la prestigiosa escuela Miskatonic, llevando consigo un suero fluorescente en fase de pruebas, creado por su antiguo jefe, que revive el tejido muerto... con ayuda de su compañero de cuarto, Dan Cain (Bruce Abbot) un joven y prometedor médico a punto de casarse con su novia, Megan (Barbara Crampton) llevará a cabo sus experimentos con cadáveres del hospital. Las cosas, como estipulan las leyes del género, se les escaparán de las manos, deviniendo en una orgía gore de bajo presupuesto...
Sorprende, ante todo, lo "sana" que es la película, tomándose las cosas son un sentido del humor (negro) del que carecen la mayoría de las películas gore. Este género se mida por la cantidad de tripas y litros de hemoglobina vistos en cada plano, pero Re-animator posee una historia (fascinante) y unos personajes casi complejos. Los jóvenes que salen en esta película no son los típicos niñatos "made in Viernes 13" sino estudiantes universitarios de alto nivel intelectual, y su oponente, el sádico y perverso Doctor Hill, es un genio a su manera, aunque desquiciado. La película agrupa un número de escenas míticas importante, desde el prólogo al ataque del gato resucitado en el sótano, los primeros usos del suero en personas y sus resultados, el doctor Hill siendo decapitado, su posterior resurrección y su escenita en el depósito de cadáveres con Megan secuestrada (la más celebre de la película, claro). El final es casi comedido, rodado en medio de un ligero humo. Y respecto al plano final... mítico. Más vale zombie que muerto.
Jeffrey Combs quedaría para siempre atrapado en el papel de siniestro científico, y su Herbert West ha pasado a ser una figura tan icónica como Freddy Krueger: un científico genial, con un negro sentido del humor, y que, como un Frankenstein moderno, lo sacrificará todo en aras de lograr sus objetivos: vencer a la muerte. Un propósito tan, en principio noble y altruista se convertirá en un recital de horrores ante la amoralidad de West, que más parece querer ascender a un estado de conocimiento superior, y utilizar sus logros para "ser Dios" que para salvar vidas de manera altruista.

West habla con el doctor Hill como si tal cosa

Clásico de la serie B, de parada obligatoria. Se respira un sano sentido del humor, una película rápida y entretenida, todo un mito en su época. Cuenta con varias secuelas, la primera "La novia de Reanimator" dirigida por el padre putativo de la primera, Brian Yuzna, nos presenta de nuevo a Combs y a Abbot en sus papeles de West y su eterno ayudante, Dan, ahora se han trasladado a la guerra para nutrirse de una buena cantidad de cadáveres frescos con los que llevar a cabo sus experimentos. Cuando regresan a Miskatonic, los recelos de Dan son cada vez mayores, pero West tiene un as en la manga: guarda una serie de órganos de Megan, la fallecida amada de Dan (el corazón y el cerebro) y está dispuesto a "crearle" una novia a su compañero, con tal de que este siga ayudándole. La cabeza del doctor Hill todavía anda por ahí, y no será ajena a lo que sucede en el hospital...
De producción española (con aparición de Elsa Pataky y Santiago Segura incluidas) es "Beyond Reanimator" bastante más paródica y mal parada. Yuzna y Gordon amenazan con rodar más secuelas próximamente, la primera de las cuales sería "House of Reanimator".

Rojo Oscuro

2008-04-13T09:43:00.000-07:00

Dario Argento es, hoy en día, uno de los directores de cine de terror más prestigiosos, y uno de los directores de cine italiano más conocidos. Deudor de maestros como Ricardo Freda o Mario Bava, el cine de Argento es algo más simplista que el de aquellos, pero no deja de ser muy interesante, especialmente las dos partes de la trilogía de las Madres, y el film presente.
Situémonos: 1975, Italia. Hasta el momento, Argento ha rodado tres películas "con título de animal" sobre psicópatas: El pájaro de las plumas de cristal, El gato de las nueve colas y Cuatro moscas sobre terciopelo azul. En las tres, se presenta una situación (un chantaje o un asesinato) que debe ser resuelto por alguien que tiene algún detalle sobre el crimen que no logra recordar. Alguien que se obsesiona con el crimen, investigándolo, que es a la vez presa y potencial víctima. Al final, las películas tenían resoluciones muy simples, donde los motivos de los asesinos casi siempre eran traumas infantiles del estilo de "Psicosis".
En Rojo Oscuro, Argento lleva hasta los límites todas sus constantes anteriores, detallando todas sus obsesiones, todos sus motivos, para centrarse, a partir de su siguiente film, la grandiosa "Suspiria" en un cine más fantástico que "racional" con brujas, infiernos, y demas. Posteriormente volvió a las películas de asesinos más normales, pero su cine ya estaba "marcado".
Rojo oscuro nos cuenta la historia de dos amigos, Marcus y el borrachín de Carlo, que una noche, en una calle desierta, contemplan un asesinato por una ventana. Marcus descubrirá el cadáver y se obsesionará con el crimen (la víctima era una medium que poco antes había augurado la presencia de un asesino durante una sesión) y con un cuadro que vio en la casa, y que posteriormente parece haber desaparecido. Con ayuda de una periodista, inicia unas pesquisas que le llevan a descubrir un libro, "la leyenda de la casa del niño que gritaba". Marcus trata de hablar con la autora, pero esta es asesinada. En el libro halla una foto de la casa, y al visitarla descubre un dibujo infantil en la pared que muestra un crimen, y descubre un viejo cadáver momificado tras una pared tapiada.
Acuden a los archivos de una vieja escuela, con la esperanza de averiguar quien fue el niño autor del dibujo, y por lo tanto, el asesino. La periodista es atacada cuando descubren que el autor de dibujo es Carlo, el amigo de Marcus, pero este se da cuenta de que su amigo no pudo cometer los crímenes, pues estaba con él mientras presenciaban el primero...

Aquí falta un cuadro

Crimenes, temas parapsicológicos, y hasta la vieja leyenda de la casa encantada tienen lugar en "Rojo oscuro", con unas muertes visualmente muy hermosas y elaboradas (Argento siempre ha dicho que considera el asesinato en sus películas como un Arte mas) la cámara sube, baja, recoge amplios espacios (la solitaria calle por la que caminan los amigos al comienzo del filme) y Argento mima todos los planos como un artesano, cada movimiento es arte.
No falta aquí el trauma infantil, ya sea en esa habitación del asesino al que no vemos, donde hay muñecas, canicas y cajas de música, o directamente, la figura de Carlo, cuyos motivos no revelare para no desvelar el asombroso (aunque lógico) final. También hay algunas escenas muy recordables, como el descubrimiento del cadáver tapiado, o el ataque al detective, que sufre el ataque de un extraño muñeco y después sus dientes son golpeados contra varios muebles.
Sin embargo, lo más atrayente es la fascinación del protagonista por el crimen. Como el Sam Dalmas de "El pajaro de las plumas de cristal" o el Frank Arno de "El gato de las nueve colas" Marcus es un hombre del que conoceremos pocos datos (es pianista) que se verá involucrado en un crimen que le obsesionará, haciéndole correr grandes riesgos, y del cual tiene un detalle vital que no consigue recordar (el cuadro desaparecido).
Rojo Oscuro es un film bisagra, que divide la filmografía de Argento. A partir de ahí, reincidiría varias veces en un cine mas fantastico, hasta "Phenomena". A partir de ahí, volvería a dar un paso atrás, hacia un cine más simple, más engañoso, pero ya sin dejar de ser un cine visualmente elaborado e impactante. Con todo, aunque solo sea por este y los dos filmes que le sucedieron en su filmografía, Argento siempre tendrá un hueco en el panteón de los grandes autores del cine fantástico...

Phantasm

2008-04-13T09:03:00.000-07:00

En 1979, el mercado del cine de terror empezaba a llenarse de asesinos enmascarados que portaban armas cortantes, en busca de jovencitas de buen ver a las que trepanar, debido a la influencia (enorme) de la película estrenada un año antes, "La noche de Halloween" de John Carpenter. Nada que objetar, este periodo es bastante rico en películas muy recomendables, y no sería hasta la segunda mitad de los ochenta que el subgénero empezaría a oxidarse, perdiendo ya cualquier interés a principios de los noventa.
Don Coscarelli es un director atípico. Tan atípico, que muy pocos le conocerán. A algunos les sonará su nombre, pues es el creador de una saga de espada y brujería de serie B "El señor de las bestias" con Marc Singer de protagonista (el líder de la resistencia contra los lagartos en V). Pero la mayoría de los aficionados al cine fantástico le conocemos por la más rara película (y saga, aunque esa es otra historia) que ha existido: Phantasm, o Phantasma, como se la estrenó en nuestro país. Una historia concisa, de corta duración, muy pocos actores, escenarios repetitivos, pero bien utilizados, y unos efectos especiales tan imaginativos como escasos. Una película, en suma, que sale triunfando, aunque para muchos fans más "modernos" (de esos que dicen que su película favorita es Scream de Wes Craven) ha envejecido fatal y es una historia absurda.
Absurda puede que si sea, y de hecho lo es, pero esto no la perjudica, al contrario, la beneficia y MUCHO. Es una película que no tendría cabida en nuestros días, no solo porque el cine casero de bajo presupuesto ya no existe, sino porque cuenta una trama ilógica y rara, y estamos actualmente, en una etapa políticamente correcta en la cual, el espectador exige que todo misterio quede perfectamente explicado al final. Y ese es el problema, que entonce,s los misterios dejan de serlo, y no interesan a nadie. En Phantasma, tenemos una buena serie de misterios inexplicables y algunos, inexplicados.

Michael ante el misterioso portal de la habitacion blanca

Todo comienza con un rápido prólogo donde un joven es asesinado por la extraña chica con la que estaba en un parque. Chica que, consumado el asesinato, se convierte en un extraño anciano de altura increíble. A continuación, acompañamos a un joven, casi un niño, Michael, de pelo rubio y rasgos gatunos y aniñados, al cementerio, donde acude a ver el entierro del joven asesinado, amigo de su hermano mayor Jody. Tras el funeral, Mike observa como un hombre viejo y alto roba el ataud, metiéndolo en un coche. Desde entonces, comienza a investigar por su cuenta los extraños sucesos que tienen lugar en el cementerio y en la casa que hay en esta, donde habita el guardia, el viejo, el "Hombre alto" como se le conocerá, de expresión severa, avinagrada e inhumana.
La vida de Michael, en el pequeño y casi deshabitado pueblo de Morningside, es bastante rara. Aparentemente no va a la escuela, y se dedica a ir siguiendo por ahí a su hermano mayor Jody, por miedo a que este le abandone, tras la muerte de sus padres, y también a echar una mano a Reggie, el amigo de su hermano, heladero de profesión y futuro protagonista de la saga. Michael acude a la casa de una bruja local, inquieto por lo que ha visto en el funeral. Allí se le advierte que le esperan tiempos oscuros, pero que no debe tener miedo. Mike intenta contar esto a su hermano Jody, pero este está preocupado por la morbosidad de su hermano pequeño, y no le cree. Disgustado y atacado por extrañas pesadillas, Michael se cuela de noche en la casa del cementerio, donde es perseguido por una extraña esfera voladora asesina, y por el "Hombre alto" del que finalmente consigue huir, llevandose consigo varios de sus dedos, que sangran una extraña sustancia amarilla y que más tarde, se convierte en una criatura voladora que les ataca, a él y a Jody. Con ayuda de Reggie se desharán de ella, y más tarde Jody acude a la casa, donde es atacado por una especie de ser enano y monstruoso encapuchado. Huye de la casa y es recogido en coche por Michael, pero son perseguidos por otro coche que parece no llevar a nadie al volante. Cuando consiguen pararlo, descubre que lo conducía uno de los enanos, nada menos que el amigo de Jody enterrado al principio del film, muerto y reducido de tamaño.
Avisan a Reggie para que les ayude, pero es capturado. Jody encierra a Michael en la casa y se va a por el hombre alto él solo, pero Michael logra huir y descubre, en la casa del cementerio, una habitación blanca donde hay un extraño portal a otra dimensión, de mayor gravedad y temperatura, donde son enviados los muertos como esclavos, previa reducción de su tamaño para que puedan soportar las condiciones de ese otro mundo...

Michael ve al Hombre Alto en sueños... ¿o no son sueños?

Una simple sinopsis ya puede hacer comprender a quien no la haya visto que está ante una película realmente única, irrepetible y extraña. Morningside es casi un mundo paralelo, de escasos habitantes y donde no parece haber ningún tipo de ley, los hermanos se enfrentan al asunto sin mencionar siquiera la palabra policía, y nuevos personajes pueden ser presentados sin previo aviso para ser utilizados solo en un par de escenas, como las chicas que conducen a Michael a su tienda, donde este verá una foto muy antigua donde aparece el hombre alto...
Los mayores halazgos del filme se centran en este ser, y en sus iconos. Para empezar, este ser no es del todo humano, puede cambiar de aspecto e incluso de sexo a conveniencia, es inmortal y ubicuo, un embajador de otro mundo en la Tierra, resucita y reduce a los muertos para enviarlos a su mundo como esclavos. Poderoso, maligno e indestructible, de dosificadas apariciones, siempre misteriosas, como una presencia que lo controla todo en la sombra, sin intervenir, salvo cuando se hace necesario. Su físico se lo pone el actor Angus Schrimm, que había participado con Coscarelli enn un proyecto anterior, quedaría inevitablemente encasillado en su papel y lo interpretaría en las tres secuelas posteriores (hay quien dice que está una más por venir, que cerraría la saga).
El segundo punto fuerte de Phantasm son las esferas plateadas, instrumentos del Hombre Alto para dar caza y muerte a los intrusos. El ajustado presupuesto solo permitió mostrarlas dos veces, pero quedan convincentemente retratadas como armas mortales, que pasaron al panteón de otros instrumentos similares, como la garra de Freddy Krueger o la caja Puzzle de Hellraiser. Tampoco es nada despreciable la visualmente increíble "habitación blanca" ocupada por barriles llenos de enanos, preparados para ser enviados como esclavos a la otra dimensión, y dos extraños pilares plateados, que resultan ser el portal al mundo del hombre Alto.
Bizarra, surrealista, mezcla el terror con una ciencia ficción de andar por casa y fantasía. Rocambolesca historia de final más que sugerente, que nos presenta un mundo tan incoherente (ese pueblo que casi parece de otro planeta, similar a este, pero de reglas distintas) se ha convertido en una pieza clásica del cine de serie B de la época, muy bien resuelta y todo un éxito en su día.
Coscarelli se ocupó el mismo de la creación de las secuelas, algo estimable, aunque ninguna de ellas destaca por si misma, es de agradecer que ninguna trate de copiar a la primera. La secuela "Phantasma, el regreso" nos habla de como Michael ha sido internado en un manicomio (ahora interpretado por otro actor, curiosamente) y como el Hombre Alto acaba con la familia de Reggie, por lo que este y Michael tramarán una venganza y buscarán al Hombre Alto por todo el país, en poblaciones que han caído en desgracia. La tercera "Phantasma, el pasaje del terror" es una puñetera delicia solo por lo rocambolesco y revuelto de su argumento, completamente anti convencional, donde Reggie deberá cuidar de Michael y de otro niño al que han recogido, mientras Mike se reencuentra con su hermano Jody, que es en realidad, una de las esferas del hombre Alto (toma ya). De nuevo, un final abierto, donde todos los protagonistas sufren una muerte casi segura, para rescatarlos en la cuarta y hasta ahora última parte "Phantasma, Oblivion" donde se nos desarrolla la idea de que Michael sea un instrumento del hombre Alto, y no la persona que cree ser. Bastante más fallida, pese a todo, las secuelas (salvo quizá la segunda) escaparon a la moda de asesinos tipo Freddy o Jason, y son lo bastante extrañas. Se viene rumoreando que la cosa se cerraría con la quinta entrega, "Phantasm, The End" pero mas vale que se den prisa, porque el actor Angus Schrimm está en las últimas...
Phantasm, la original, es un clásico de obligada visión para cualquiera. Cualquier aficionado al cine clásico, o cualquier espectador que pretenda serlo, pero no esperéis ver una película de terror convencional, donde todo quede explicado antes de los títulos de crédito... es todo lo contrario.

Vampiros

2008-04-13T08:34:00.000-07:00

Tras una etapa algo inestable en los noventa, John Carpenter dirigió la que, para muchos, es su última obra maestra, pues la posterior "Fantasmas de Marte" es estimable, pero demasiado dispersa y en ocasiones, excesiva para poder ser calificada de "obra maestra". Carpenter siempre ha admitido su mayor pasión por el género western, y es más, casi todas sus películas son western disfrazados, desde "Asalto a la comsiaría del distrito 13", un tiroteo eterno a lo largo de una noche de pesadilla entre un pequeño grupo de policías en una comisaría ya clausurada y una horda de pandilleros a los que nunca vemos con claridad, pero que superan en número y armas a los policías, hasta la misma "Vampiros" pasando por el díptico de Serpiente Plissken y la gran "Están vivos".
Vampiros se ambienta en la frontera de EEUU con Mejico, por lo tanto, estamos ante un filme fronterizo, que nos muestra largas carreteras desoladas y paisajes agrestes y rojizos, donde nada bueno puede suceder ni sucede...
Todo comienza con un grupo, liderado por el durísimo y poco dado a finuras Jack Crow (un James Woods en su salsa). El grupo asaltará una casa abandonada en la frontera de Méjico, una vieja granja decrépita... pero no vacía. En realidad, es un nido de vampiros, y Crow y su equipo trabajan a sueldo para la Iglesia, exterminando a estos seres por dinero. No tienen ninguna consideración moral, son tan sucios y violentos como los seres a los que destruyen.
Lejos de los vampiros "made in Sensacion de vivir" propiciados por películas como "Entrevista con el vampiro" (seres torturados, existencialistas y hasta humanitarios) aquí los vampiros vuelven a ser feroces criaturas de la noche, matan, desgarran con uñas y dientes, solo se preocupan por sobrevivir y alimentarse. Crow y los suyos tienen su método para destruir a estos seres: los arrinconan, les disparan gran cantidad de balas (las balas les hacen daño, pero no les matan) les clavan varias estacas, y finalmente les disparan con una ballesta atada a un cable que les saca a la luz del día, donde arden en medio de grandes combustiones. Es decir, los matan a distancia, casi sin mancharse las manos.
Tras el último trabajo, el equipo Crow se refugia en un motel, dispuestos a celebrar por todo lo alto el trabajo, con alcohol y prostitutas en abundancia, pero Jack sigue preocupado porque en el nido no hallaron al líder del grupo (los líderes vampiro son mucho más desarrollados y poderosos que los vampiros normales). Y Jack no se preocupa, porque el líder, un oscuro y demacrado ser, ha sobrevivido, ocultándose lejos de la casa, y de noche va a por el equipo Crow. Sin la luz del sol, no tienen la más mínima posibilidad de acabar con un líder vampiro. El equipo y las chicas son masacrados casi al completo, solo Jack y su compañero, Montoya (Daniel Baldwin) logran huir del motel y conducir a contrareloj hasta que amanece, acompañados de una prostituta a la que el vampiro ha mordido, katrina (Sheryl Crow, la angelical Laura Palmer de "Twin Peaks".

Hambre de vampiro

Tras separarse, Jack acude durante el día al motel, para decapitar a todos sus compañeros muertos, pues podrían resucitar, y luego se reúne con el hombre que les paga el sueldo, un cardenal (Maximilian Schell) que le informa de que han sucedido cosas similares a otros equipos de cazavampiros en Europa, y que el que les atacó es un vampiro de casi mil años, Valek. Crow se va (con la sensación de que no se lo han contado todo) acompañado por un joven e inexperto sacerdote, Adam. Se reúne con Montoya, con la esperanza de que la chica les lleve hasta Valek, pues los mordidos por un vampiro, antes de convertirse, a menudo ven lo que su creador ve. Lo que Jack no sabe todavía es que Valek es mucho más peligroso que cualquier otro vampiro, y que busca una cruz que permitiría a los vampiros andar a la luz del día...
Estamos ante un producto 100% Carpenter, duro, sin florituras de ningún tipo, directo, cuenta lo que quiere contar, y lo critica todo (en este caso, la Iglesia, directamente responsable de la existencia de los vampiros, y dispuesta a todo por tapar su error). Nadie se salva. Hay algún desbarajuste gore, el justo y necesario, pero sobre todo, pervive esa sensación de que contemplamos un viejo western amoral. Ni Jack Crow, a todas luces un asesino a sueldo, aunque sus víctimas sean vampiros, amoral, capaz de maltratar a una mujer herida, a un cura, a cualquiera, malhablado y rebelde, asesinó a su propio padre cuando este se convirtió en vampiro, ni Valek, un antiguo sacerdote que sufrió un injustificado exorcismo por parte de la Inquisición, que le convirtió en vampiro, son distintos. Son dos caras de la misma moneda, y sus métodos no se diferencian demasiado, solo les separan sus intereses opuestos. De hecho, es Crow quien comienza las hostilidades, liquidando a los "hijos" de Valek, y su venganza contra los cazadores es prácticamente legítima. Estamos ante una historia de doble venganza, de hombres (y monstruos) que hacen su propia ley al margen del mundo exterior, que no se detienen hasta conseguir lo que quieren.
Lo único que sobra es la historia de amor, entre Montoya y Katrina, por superficial y tópica, pero afortunadamente roba muy pocas escenas y proporciona, o da paso a otras, bastante afortunadas. Incluyendo el final (que no habría sido posible sin la mencionada historia romántica) un final puro western, donde la amistad acaba triunfando y siendo el único sentimiento que se salva de la amoralidad de los personajes. Final que no desvelaré, pero que es realmente recomendable visionar.
Quien espere ver en "Vampiros" una historia de buenos y malos, saldrá perdiendo. En esta película, no hay bien ni mal, solo unos cuantos hombres (vampiros o no) que se exterminan entre ellos por pura venganza. Quien quiera ver una historia amoral, rápida, violenta, pero no exenta de cierto mensaje, tiene en esta, la última obra maestra de Carpenter (al menos, hasta el momento), esta es su película.

El Malvado Zaroff

2008-03-20T09:10:00.000-07:00

Uno de esos filmes clásicos en verdad, cine de culto valorado tan solo por unos cuantos aficionados, el ser una obra teóricamente menor de Ernest Schoedsack (creador de ese magnífico filme que es King Kong) no ha beneficiado mucho a esta película, de una hora y cuatro minutos de escasa, pero turbadora duración. Encontrarla hoy es casi imposible, desde que la edición que tuvimos en nuestro país por parte de Manga ha sido desctalogada, lo que aumenta su valor.
El cazador Robert Rainford (Joel McCrea) es parte de la tripulación de un barco que navega en alta mar. En cubierta, Bob y el capitán discuten sobre cazadores y cazados, sobre si es adecuado que el hombre mate por deporte a otras criaturas inferiores. Un naufragio pondrá a Bob, como único superiviente, en una isla de abundante vegetación, donde encuentra un castillo habitado por el conde Zaroff (Leslie Banks) un aristócrata ruso apartado de la sociedad, que vive con unos cuantos criados de aspecto grotesco y con dos hermanos, supervivientes de un anterior naufragio, el borrachuelo de Martin y su hermana Eve (Fray Way, mas tarde la hembra de King Kong). El conde tiene unos modales muy civilizados y acoge con hospitalidad a Bob, pero su comportamiento y su absoluta obsesión por un tipo de "caza mayor" del que habla más bien poco, pone nerviosos a sus invitados. Más tarde, Martin desaparece en compañía del conde para aparecer luego muerto de un flechazo, es entonces cuando el loco conde Zaroff revela su juego: es un cazador de presas humanas, suelta a los náufragos que llegan a su isla (gracias a trampas y falsas indicaciones marinas colocadas por él) con un día de ventaja, y luego les persigue implacablemente con su mosquete, su arco y sus flechas, Ahora, Zaroff espera que Bob, como reconocido cazador que es, se una a él en su próxima cacería. Bob, lógicamente, se niega en redondo a algo así, por lo que el conde decide cazarle a él, y le suelta junto a Eve en la selva. Si sobreviven sin ser atrapados durante un día, obtendrán la libertad...

El conde dedicado a su deporte preferido

Es increíble la poca popularidad de la que goza esta película, y al mismo tiempo, la cantidad de filmes posteriores que beben de ella. Su influencia está por todas partes, en esas películas donde el hombre no es la cima de la cadena alimentaria, ya se trate de animales (Tiburón) o personas que comen personas (La matanza de Texas). Tampoco es gratuito comparar al conde con un vampiro (atentos a la frase pronunciada por Martin "El conde duerme de día y caza de noche", pista importante). Estamos pues, ante un clásico del cine que la gente prefiere imitar a reivindicar, lo que dice no poco sobre esta obra maestra.

Psicosis

2008-02-17T06:58:00.000-08:00

La génesis de este film, absoluta obra maestra y verdadera iniciadora del subgénero de psycho killers, es más bien sencilla: el genial cineasta inglés Alfred Hitchcock se encontraba en medio de una crisis de ideas, mientras que otros competidores suyos como William Castle le sacaban ventaja a pasos agigantados. Hitchcock pidió a sus colaboradores que buscaran alguna novela interesante para adaptar, y finalmente se encontró ante "Psicosis" un texto de Robert Bloch interesante, aunque empequeñecido por la grandeza del film subsiguiente. Hitchcock se decidió a producir este filme como un respiro, sin darle demasiada importancia. Pensaba que podría obtener buenos beneficios si se estrenaba en verano. Jamás imaginó que este rodaje iba a devenir en la película por la que es conocido en todo el mundo, un absoluto clásico en blanco y negro (a pesar de que en los últimos años, Hitchcock se había pasado al cine en color). Rodada con un equipo de televisión, con un presupuesto de ochocientos mil dólares, recaudó más de trece millones y convirtió en estrellas a sus actores (algunos de ellos ya consolidados y otros completamente desconocidos, como Anthony Perkins).
La sinopsis del film es bien conocida: Marion Crane (Janet Leigh) es una muchacha de Phoenix agobiada por su situación: trabaja en una inmobiliaria y está enamorada de Sam Loomis (John Gavin) un hombre divorciado con el que mantiene un apasionado idilio secreto, y que se niega a casarse debido a sus deudas. Marion encontrará su solución cuando un cliente millonario, pomposo y machista, entrege 40000 dólares al contado para pagar una casa como regalo de bodas. Marion verá en ese dinero la solución a sus problemas, y en un arrebato de desesperación, lo roba y huye para intentar reunirse con su amante.
Por el camino asistiremos a sus peripecias, dignas del cine negro: sus pensamientos/supuestos diálogos de sus perseguidores, y sus avatares cuando es perseguida por un amenazador policía, teniendo que cambiar de coche, entorpecida por las condiciones climatológicas (la lluvia sobre el parabrisas que presagia su futuro inmediato). Hasta aquí todo normal. Hasta que aparece en una noche particularmente torrencial, un viejo caserón en las cercanías de un motel, el motel Bates. Marion pernoctará en el motel, y conocerá a su dueño, el joven Norman Bates (Anthony Perkins quedó irremediablemente atado de por vida a este personaje) un joven sano y en esencia, aparentemente inofensivo, con dificultades para comunicarse (tartamudea, es tímido). Ante lo tardío de la hora, Norman la invita a cenar, y sube a la casa para preparar la cena. Marion asiste a una conversación entre Norman y su anciana y posesiva madre. Cuando el joven vuelve con la cena, surge una inevitable conversación sobre su madre reclusa en la casa. Comenzamos a tener el perfil psicológico del joven Bates, un muchacho desequilibrado por el trato de una madre castradora y celosa, aislado del mundo, sin amigos ("El mejor amigo de un muchacho en sus madre" dice en un momento del film). No tiene claro si la ama o la odia. Siente tentaciones de abandonarla, pero le crea un gran complejo de culpa. Al final, Marion sentirá cierta afinidad con el muchacho, conectando su "cruz" (su madre) con la suya propia (el delito que acaba de cometer) y decide regresar para devolver el dinero e intentar arreglar las cosas.
Marion entra en su habitación, se desnuda, se mete en el cuarto de baño y comienza a tomar una ducha. Entonces, el espectador observa como se abre la puerta de su habitación y aparece alguien que entra en el baño y aparta la cortina. Entrevemos la silueta de una vieja que procede a acuchillar salvajemente a la joven, que muere tendiendo una mano a la cámara, en busca de una salvación imposible. Por la mañana, el joven Norman observa lo sucedido, aterrado por la visión de la sangre, pero decide encubrir el crimen para proteger a su madre, mete a la joven Marion y todas sus pertenencias en su coche, y lo hunde en un pantano cercano.

Una de las instantáneas más famosas del Cine

Aquí concluye la primera parte del film, y en la segunda parte, las cosas se centran alrededor de la investigación sobre lo sucedido, donde el amante de Marion, Sam, se unirá a su hermana Lila (Vera Miles) y a un detective privado, Arbogast (Martin Balsam) en busca de la desaparecida. El detective comienza a buscar por todos los paradores y moteles de la zona, y al llegar al de Bates no queda satisfecho con la explicación del chico, y al intentar hablar con su madre es asesinado. Sam y Lila deciden infiltrarse en el hotel y arrancarle la verdad al joven Norman... y a su madre.
Hitchcock convierte esta película en un clásico valiéndose de un guión inteligente que toca multitud de temas, tales como el transformismo, el parricidio, el adulterio, el desdoblamiento de personalidad y la necrofilia, un grupo de actores excelentes, empezando por una Janeth Leigh estupenda, que carga con todo el "protagonismo" para ser asesinada antes de la mitad del metraje, una convincentemente confusa Vera Miles, un adecuado "héroe" John Gavin, y mis favoritos, Anthony Perkins como el desequilibrado Norman Bates y Martin Balsam como el típico detective de cine negro, duro, cínico y que sigue a su "presa" con determinación y perseverancia. Unos títulos de crédito fragmentados y una banda sonora de Bernard Herrman (que ha pasado a la historia por si misma, nadie es capaz de imaginar la escena de la ducha sin imaginar tambien los acordes de Herrman) terminan de conformar un absoluto clásico de parada obligada para cualquiera.

El hogar del joven Bates... y su madre

La película tuvo varias secuelas (además de muchas y malísimas imitaciones) para empezar, la correcta "Psicosis II: El comienzo" en la que, veinte años después, Norman Bates es declarado curado y puesto en libertad, para disgusto de Lila Loomis (Vera Miles) que es la mala de la película y tramará un plan para enloquecer a Norman y que vuelva a quedar encerrado. Más que correcta historia de suspense, entretenida y bien dirigida. Psicosis III, dirigida por el propio Perkins, no pasa de ser un refrito de todo lo que ya hemos visto, y Psicosis IV es una precuela que cuenta las torturas a las que Norman era sometido por su madre. Nada que aportar. También hubo una película titulada "Psicosis 2" con Rachel Welch, que a pesar de su título nada que tiene que ver con la saga original.

Las tres caras del miedo

2008-02-13T10:29:00.000-08:00

Mario Bava, genio y figura del cine de terror italiano e inaugurador, con su ópera prima anteriormente comentada "La mascara del demonio" de la denominada escuela del terror italiano tuvo muy pocas obras maestras, debido a la falta de respeto con la que era tratado por parte de los productores, falta de presupuestos adecuados y de medios suficientes. De hecho, algunos discuten la maestría de alguna que otra de sus obras (Seis mujeres para el asesino) pero todos reconocen unánimemente que, por encima de todo, Bava es creador de dos absolutas piezas maestras, la anteriormente mencionada y la que hoy nos ocupa.
Dirigida en 1963, la película cuenta con Boris Karloff como narrador, para a continuación ofrecernos una cinta clásica de sketches, pequeñas historias de terror independientes. La primera "El teléfono" se nos hace la más floja del conjunto, sin que esto signifique nada deshonroso para la historia, un giallo con el suspense correspondiente bastante bien llevado. Una mujer está sola en su piso, y recibe constantes llamadas amenazadoras, lo que la aterra, pues acaba de leer en el periódico que un antiguo amante suyo que prometió matarla ha huído de la cárcel. La muchacha pedirá ayuda a una amiga... llevadero, correcto, nod estaca pero tampco desmerece la fama que la película lleva a sus espaldas.
El siguiente segmento, "Los Wurdalak" es absolutamente maravilloso, ya solo por este fragmento merece la pena tener en cuenta la película, y está inscrito como una de las mejores historias de vampiros del Cine, con una fotografía colorista que dota a la historia de un aire de cuento clásico, de fábula aterradora para asustar a los niños y a los mayores. Absolutamente inolvidable, comienza con un viajero inglés que visita y se pierde en las estepas rusas. En un camino hallará un cuerpo decapitado, y poco después llegará a una posada, donde toda la extraña familia parece inquieta. El joven descubrirá que el patriarca de la familia, Gorka (Boris Karloff de nuevo, exquisitamente caracterizado) salió de viaje y dijo a su familia que si no regresaba antes del atardecer del quinto día, deberían destruirle, pues se habría convertido en un vampiro. Interesado por la historia y por la joven hija del posadero, el forastero se quedará, y Gorka llegará justo un minuto después de que el plazo se cumpla, y parece extrañamente cambiado... con la llegada de la noche, hará su aparición en la posada la mayor de las pesadillas.
Con una ambientación absolutamente soberbia, todo fluye con naturalidad, como sucede en las obras maestras. Escenas como el rapto del niño, o la petición de ayuda a su madre, y sobre todo, el irrepetible plano final de la ventana se han convertido en iconos de cine de terror, más allá de la importancia del filme en si.

Gorka observa a sus parientes desde la ventana

El último relato, "La gota" cuenta otra historia atmosférica y sugestiva que se basa en pequeños elementos para asustarnos. Una mujer acude a amortajar a una muerta, que en vida ofrecía sus servicios como medium. La mujer decide robar el anillo que lleva la muerta, y ese será su error y el principio de su pesadilla, pues la muerta volverá para atormentar a la ladrona... la oscuridad que se cierne sobre el femenino personaje protagonista, una mosca que vuela por su solitario apartamento, un grifo que gotea, ruidos, equívocos... un relato casi a la altura del segundo, que consigue meternos el miedo en el cuerpo con elementos en principio, capaces de causar pavor por si mismos. Excelente.

La medium vuelve del mas alla reclamando lo que le ha sido robado

Un epílogo con algo de guasa, de nuevo con Boris Karloff, que nos dice irónicamente que todo es artificio, cierra esta absoluta obra maestra del cine. Lastima que Bava tuviera que alternas verdaderas joyas imprescindibles con productos de consumo, a veces correctos (Bahia de sangre) a veces ridículos (Terror en el espacio). En cualquier caso, la presente es una película fundacional. De visión obligada.

La leyenda de la mansión del infierno

2008-02-02T11:21:00.000-08:00

Basada en una novela del escritor Richard Matheson (uno de los mejores escritores del fantástico moderno) "La casa infernal", su adaptacion, esta "La leyenda de la mansión del infierno" es sin duda una de las mejores y más terroríficas y atmosféricas películas de casas encantadas. Junto con "The Haunting" de Robert Wise y "Al Final de la escalera" de Peter Medak, constituye una de las mejores muestras del subgénero. Dirigida por el habitualmente actor John Hough (que se reserva para si mismo un irónico papel) es una película que transpira verdadero terror desde su primer plano, un plano de la terrible casa Belasco envuelta en una niebla insalubre de la que nada bueno puede surgir...
Un científico, Lionel Barret, está convencido de que los fenómenos paranormales no son más que manifestaciones de energías negativas acumuladas en lugares con una larga lista de sucesos desagradables. Tiene los planos de una máquina que piensa construir, y que "limpiaría" estas atmósferas, acabando para siempre con las historias de casas encantadas, pero la construcción de la máquina es demasiado cara. Esto se soluciona cuando un viejo multimillonario al borde de la muerte le paga 100.000 dólares para que averigue si hay vida más allá de la muerte. para ello, Barret tendrá que liderar a un pequeño grupo, formado por si mismo, su neurótica y reprimida esposa, una parapsicóloga y un antiguo medium, Benjamin Fischer (Roddy McDowall). Para ello, todos se trasladarán a la mansión Belasco, un lugar tétrico, calificado como "el monte Everest de las casas encantadas" donde diversos grupos de científicos han investigado antes sucesos extraños, y han acabado muriendo o perdiendo el juicio. Fischer fue el único superviviente del último de estos experimentos, y ostenta una actitud cerrada y negativa hacia esta nueva incursión.
El grupo se traslada a la casa, donde se formarán dos "frentes" uno compuesto por el matrimonio Barret, que afirma que los hechos sucedidos en la casa no tienen nada sobrenatural, y otro por la parapsicóloga y el medium, que afirman lo contrario. Pronto sucederán hechos extraños que pondrán en jaque a estos hombres y mujeres. La personalidad diabólica del constructor y habitante de la casa, el terrible millonario desaparecido Emeric Belasco, que llenó la casa de los hombres y mujeres más decadentes del planeta, convirtiendo la vida en la mansión Belasco en una orgía continua de sexo, drogas, alcohol, violencia, e incluso asesinato, necrofilia y canibalismo, pronto se hará patente. Un gato que enloquece, una serie de objetos que salen volando atacando al grupo... poco a poco, el ambiente se vuelve irrespirable. La sensible parapsicóloga creerá haber establecido contacto con el espíritu del hijo de Emeric Belasco, Daniel, un joven atormentado cuya alma pretende liberar. La esposa de Barret comienza a emborracharse por las noches, perdiendo por completo el control, mientras su marido es ajeno a todo esto, y Fischer lo observa todo fríamente, esperando el momento de actuar y cobrarse su venganza sobre la casa que antaño estuvo a punto de destruirle...

Solo ver el título ya acojona...

Una absoluta obra maestra. Sin sangre, sin apenas efectos especiales, solo con una niebla insana y unas puertas chirriantes, y cuatro personajes que van enloqueciendo paulatinamente, se consigue crear una de las atmósferas más enrarecidas y terroríficas del cine, una película realmente conseguida y terrorífica. Las terribles tropelías cometidas por Emeric Belasco, que rigió en aquella casa adorado como un Dios, creando un mundo aparte lleno de horrores decadentes permanecerán en la mente del espectador mucho después de que la película se acabe y las luces se apaguen...

El grupo de investigadores entra en la casa del infierno

Respecto a las diferencias entre novela y película, son ambas muy parecidas. En la novela se ahonda un poco más en la vida del terrible e influyente Emeric Belasco, pero por lo general, ambos medios de expresión corren parejos. Se echa de menos, eso si, uno de los pasajes más terroríficos de la novela, aquel en el que el doctor Barret resulta agredido por un ente en una sauna oscura, y que en la película no está. Aún así, estamos ante una de las adaptaciones más fieles y logradas de la historia. Obra maestra obligatoria.

Dracula (1958)

2008-02-02T10:47:00.000-08:00

La Hammer Films fue una productora que reinventó el género de terror y ciencia ficción en los años cincuenta y sesenta, cayendo en decadencia en los setenta. Alcanzaron la fama gracias a la trilogía Quatermass, películas de ciencia ficción protagonizadas por el frío hombre de ciencia Bernard Quatermass, que se enfrentaba a peligros de origen extraterrestre. La trilogía está compuesta por "El experimento del doctor Quatermass" "Quatermass 2" y "¿Que sucedió entonces?" y tras el estreno de la primera, la Hammer alcanzó el éxito rápidamente, produciendo además una película sobre Frankenstein "La maldición de Frankenstein" dirigida por el artesano Terence Fisher y protagonizada por el genial Peter Cushing como el científico obsesionado, y Christopher Lee como su atormentada e inhumana criatura. La fórmula volvió a resultar exitosa, y el siguiente paso de la productora fue adaptar la obra Drácula al cine, de nuevo contando con Terence Fisher en la dirección y Peter Cushing y Christopher Lee como los protagonistas, manteniendo además a Jimmy Sangster como guionista, Jack Asher en la fotografía y James Bernard en la música.
Un bibliotecario, Jonathan Harker, acepta un trabajo en un castillo de los Cárpatos, propiedad del conde Drácula, para revisar y organizar su inmensa biblioteca, llena de libros de todas las épocas. Una vez llega a su destino, al encuentro de Harker saldrá una jovencita solicitando su auxilio, pero la llegada del Conde (Christopher Lee) la hará huir. El Conde instala a Harker, que en realidad es un cazador de vampiros a las órdenes del profesor Van Helsing, que ha acudido allí a destruir al conde y a su progenie. Pero, poco tiempo después, Harker es engañado por la muchacha, que no es sino una vampira esclava de Drácula, que le muerde en el cuello. La aparición del Conde la hará huir, pero el Conde encierra a Harker en su cuarto para que, en el próximo amanecer, se convierta en un vampiro más tras haber sido mordido. Harker consigna en su diario sus últimas anotaciones y escapa de la habitación, intentando llegar al refugio de Drácula para destruirle antes de perder su alma. Aunque logra matar a la mujer vampiro, la noche le sorprende, y Drácula le apresa.

Una de las imágenes más clásicas del cine de terror

Algún tiempo después, el profesor Van Helsing llega a una aldea de los Cárpatos donde tratará de orientarse, pese a que los aldeanos se muestran poco colaboradores. Consigue llegar al castillo, en cuyas cercanías encontrará el diario de Harker, donde este consignó sus últimas palabras. Al llegar al refugio del Conde, descubrirá que este ha huído, y ha dejado en su lugar a un vampirizado Harker, con quien Van Helsing acaba. Defraudado, el profesor vuelve a Inglaterra, sin sospechar que el vampiro también se ha instalado allí, y se está alimentando de la prometida de Jonathan. Tras comunicar a la familia de este que el pobre hombre ha muerto, la familia solicita su ayuda para curar a Lucy, y el doctor comprende lo que se está pasando, pero es ya tarde, y la joven muere. Van Helsing la sigue de noche, una vez resucita convertida en vampira, con la esperanza de que ella le guíe hasta el príncipe de las tinieblas, Drácula...

El primer detective de lo sobrenatural, el profesor Van Helsing

Ante todo, "Horror of Drácula" o Drácula, según el país donde se vea, es una película fundacional, que resucitó un género y creó un mito. Christopher Lee con las fauces ensangrentadas y exhibiendo sus colmillos, la víctima femenina despojándose del crucifijo y abriendo las ventanas al vampiro voluntariamente, Van Helsing corriendo por el salón para abrir las cortinas y dejar pasar la luz del día... son escenas convertidas en tópicos, que todo buen aficionado al fantástico conoce. La fotografía de Jack Asher es colorista, da al film un aura mágica y sobrenatural. Christopher Lee encarna a un vampiro físico, que constituye una amenaza física real, más allá de la sombra que era Nosferatu, o que el decadente noble interpretado por Bela Lugosi. Lee interpreta a un vampiro realmente brutal, primitivo en sus actos, y a la vez, capaz de mostrarse civilizado, cordial y extremadamente aristocrático cuando la ocasión asi lo requiere. Peter Cushing, por su parte, interpreta a un hombre de ciencia y también de acción, estudioso de los fenómenos sobrenaturales capaz de involucrarse en una feroz lucha para acabar con una criatura de las sombras. Un hombre frío, pero humanitario, cuya labor le ha alejado de sus semejantes (todos le toman por loco y le desprecian por sus teorías) pero, irónicamente, lleva a cabo esta labor para salvar a esa humanidad que tanto le desprecia (el personaje de Michael Gough es un ejemplo perfecto de ello). Interpretaciones magistrales, dirección artesanal como solo Fisher supo hacerlo en una película imprescindible, de obligada parada para todo aficionado al fantástico, ya sea novato o veterano. Una de las grandes obras maestras del cine.
La película generaría una saga, con dos obras maestras ("Las novias de Drácula", "Dracula, principe de las tinieblas") dos películas muy buenas (Dracula vuelve de la tumba" "El poder de la sangre de Dracula") y el resto, lamento decirlo, es muy malo, con la Hammer entrada en decadencia en los años setenta, con "El exorcista" en pantalla era muy difícil competir, y más con lo mismo de siempre. ah, si la Hammer hubiera sabido reinventarse...

Lobos humanos

2008-02-02T09:13:00.000-08:00

Al mismo tiempo que llegaban las películas de licántropos que resucitarían el género en los ochenta, "Aullidos" y "Un hombre lobo americano en Londres" llegó y pasó más desapercibida esta curiosa cinta, que yo creo, pasó sin pena ni gloria porque se promocionó de mala manera, haciéndola parecer una película de hombres lobo, cuando no lo es. Dirigida por Michael Wadleigh, un director del que solo se conoce otro trabajo, un documental sobre Woodstock, y protagonizada por actores que normalmente suelen hacer de secundarios, como Albert Finney y Edward James Olmos.
Todo comienza con una brillante secuencia nocturna. El magnate y político Van De Veer da un paseo de noche con su esposa, por una vieja iglesia que pronto será derribada para construir uno de sus edificios. Su chofer y guardaespaldas espera, fumando pacientemente un cigarrillo cuando de pronto, es brutalmente asesinado por unos extraños seres depredadores a los que no vemos. El magnate y su esposa sufrirán su misma suerte. Al día siguiente, el inspector Wilson (Finney) acudirá al lugar de los hechos y tendrá que trabajar con la psicóloga criminalista Rebeca Neff para esclarecer los hechos. Pronto se pone de manifiesto que los crímenes no han sido normales, ya que las mutilaciones que sufrieron los cadáveres no fueron hechas con ningún arma blanca. Wilson investigará y descubrirá que los archivos están llenos de casos similares, muertes violentas sin motivo aparente, que nunca habían preocupado a nadie porque las víctimas eran vagabundos sin hogar y drogadictos terminales. Investigará ciertas leyendas de la comunidad india con ayuda de Eddie Holt, un indio americano que poco a poco le transmitirá ciertas leyendas. Se hará evidente para Wilson que una vieja raza, un paso evolutivo desaparecido entre los lobos y los hombres, que ha vivido durante milenios en el subsuelo y en los barrios bajos está emergiendo ahora para defender su territorio...
Sorprende sobre todo el aire de serie B de la buena que tiene la película, con los típicos mensajes sociales que emana la cinta. Por ejemplo, los extraños "lobos humanos" (una especie depredadora más inteligente y desarrollada que el hombre) han permanecido durante eras ocultos, alimentándose de los hombres abandonados por los que nadie se preocupa, pero cuando el proyecto inmobiliario de Van de Veer amenaza su hogar (una vieja iglesia derruida en un barrio marginal) los lobos humanos emergen para defender lo que es suyo. Nadie tenía conocimiento de su existencia porque viven y se alimentan con cuidado, y los únicos que saben de ellos, los indios (con los que antaño estos lobos humanos mantuvieron una relación cordial, hasta que el hombre se "civilizó demasiado") se han molestado en hacer que todo el mundo crea que estos seres son solo viejas leyendas, en las que ya muchos indios jóvenes no creen, como puede verse en la escena del bar. Sin embargo, algunos de ellos, como el propio Holt, todavía tienen cierto contacto místico con estos seres...

Los detectiven se meten en la boca del lobo

También el personaje protagonista, Dewey Wilson, es totalmente ochentero. Un policía "quemado" que aparece por primera vez en zapatillas deportivas y sujetando un café, terriblemente resacoso, y por quien casi nadie parece sentir aprecio. Poco a poco, Wilson superará su fascinación y su miedo, y acabará sintiendo una extraña afinidad con esta raza de "lobos humanos" impidiendo que los guardias de seguridad los maten cuando los lobos irrumpen en los despachos de la constructora de Van de Veer.
Curiosa y mayormente desconocida, quizá por el mentado motivo de que la distribuidora, Warner, intentó venderla como "una película de hombres lobo" en pleno auge de los licántropos en el cine, y la película tenía bien poco que ver con el tema. Una película de serie B, modesta, bien rodada (basada en una novela de Whitley Strieber, autor de "El ansia") y con actores más que solventes, "Lobos humanos" es una película añeja, que ha ganado mucho con los años, y perfectamente disfrutable hoy en día.
UNA PEQUEÑA NOTA: La película fue distribuida en su día por Warner Española, y desde entonces no ha vuelto a ser editada en nuestro país, por lo que es bastante dificil encontrar una copia. Si bien en emule circula una version con el DVD americano y el sonido del VHS español, más que correcta.

Pactar con el Diablo

2008-01-30T12:16:00.000-08:00

En los años 90, el cine fantástico estaba de capa caída. El terror era una mera explotación de las películas y subgéneros que habían tenido éxito la década pasada, y el que había sido uno de los creadores del cine de terror moderno, Wes Craven, se ocupó de comenzar su destrucción en los noventa con su saga Scream. Consciente de que el género estaba acabado, Craven se decidió a sacarle todo el partido económico que pudiese mediante la burla y el no tomarse en serio sus películas con lo que el terror fue pudriéndose, mezclándose cada vez más con la comedia absurda tipo Scary Movie. Salvo los pocos autores de género que han seguido regalándonos sus joyas, y algunas pequeñas excepciones, el género de terror ha muerto como tal.
Pactar con el Diablo pertenece a la segunda categoría. Es una gran película, planteada en tono casi épico, con buenos actores y algunos momentos realmente escalofriantes. Sobre todo, es una historia sobre la moral, la ética y el libre albedrío de la gente. Basada en una novela de Andrew Neiderman, que desconozco, no obstante, los críticos afirman que la película supera a la novela en muchos aspectos. Dirigida por Taylor Hackford, director que visita por primera vez el género fantástico, y que antes había dirigido la célebre "Oficial y caballero" y "Eclipse total" una película basada en una historia no fantástica de Stephen King. Hackford dirige con corrección y estilo una de las últimas películas satánicas coherentes con la filosofía mefistofélica, no como la ridícula "El fin de los dias" y otros sub productos nacidos al abrigo del fin de siglo.
Florida. El joven y ambicioso abogado Kevin Lomax (Keanu Reeves) no ha perdido ni un solo caso en toda su brillante carrera. Tras ganar un caso de corrupción de menores, gracias a estrategmas digamos, poco éticas, Lomax recibe una oferta para trabajar en un bufete de Nueva York, propiedad del poderoso y misterioso John Milton (Al Pacino). A pesar de los recelos de su madre, una fanática religiosa, Kevin se traslada a la Gran manzana con su esposa Mary Ann (Charlitze Theron). Allí serán bien recibidos, y el trabajo de Kevin (elegir un jurado) tiene tanto éxito que le proponen que se quede allí permanentemente. Allí conocerá a Milton, un hombre maduro, encantador, inteligente, con don de lenguas y gran confianza en si mismo, que cautivará al joven abogado y le ofrecerá una vida de lujo, con un piso enorme y gratuito y un gran sueldo, introduciéndole poco a poco en las altas esferas de poder del bufete, donde Lomax irá ascendiendo gracias a los consejos de Milton, que irá quitando al joven todos los obstáculos que aparecerán en su camino, legales y morales.

El joven abogado será tentado por el mayor experto en tentaciones

Es curioso como el ascenso al poder de Kevin se refleja paralelo al descenso al Infierno que sufre su esposa Mary Ann, al percatarse de las extrañas cosas que les rodean. Sus extrañas pesadillas en las que aparece un niño jugando con unos intestinos, o la escena en la que, mientras hace el amor con su marido se transforma en Cristabella, otra protegida de Milton a la que Kevin desea, o aquella en la que las desceebradas esposas de los compañeros de Kevin la llevan de compras, introduciéndola en el mundo del consumismo desaforado, y Mary Ann asiste, perpleja, a una transformación de una de ellas en otra cosa son sumamente perturbadoras.
Ante todo, la película se zambulle totalmente en la ideología cristiana, ignoro si voluntariamente. Kevin pasa por distintas pruebas, y en todas ellas toma opciones que le acercan moralmente al Infierno, discutibles y poco éticas, o directamente, urde engaños para librar a los clientes de Milton de la cárcel. El discurso final de Milton sobre el bien, el mal y el libre albedrío es uno de los mejores jamás pronunciados en una película satánica. Milton se define a si mismo como "un humanista" que ama al hombre y procura darle todo lo que desea. Dios no es más que "un sádico" que disfruta viendo como los hombres quebrantan sus propias reglas una y otra vez, mientras que él es "un devoto del hombre", y concluye afirmando (y demostrando) que quien quiera unirse a él lo puede hacer por su propia voluntad.
La película juega con el hecho de que el espectador sabe desde el principio que Milton es el diablo, pero los personajes no, salpicando así la cinta de pequeñas bromas o citas bíblicas que el espectador entiende y disfruta. El diablo compuesto de Pacino viene a ser un sátiro, un rebelde que "prefiere reinar en el Infierno antes que servir en el cielo" y que niega rabiosamente a Dios. Es también muy recomendable el discurso que le da a Kevin, paralelamente al momento en que su antiguo protegido, Eddie Barzoon, es asesinado por unos mendigos diabólicos. En general, Pactar con el diablo se resume como una película inquietante, aunque nunca terrorífica, pero muy entretenida pese a su larga duración. Recomendable.

Fallen

2008-01-14T02:44:00.001-08:00

Curiosa película de 1998, con Denzel Washintong, Donald Sutherland y John Goodman, con Elias Koteas en un breve pero inquietante papel. La película no se decide entre el melodrama policiaco y el terror, pero lo extraño de su trama (algo así como "La cosa" pero suavizada y en un entorno urbano) y de su tratamiento visual en tonos fríos y nocturnos la convierten en un punto de parada obligatorio para valorar el cine de terror en los noventa (que tuvo escasísimas muestras de verdadera valía).
El detective Hobbes (Washintong) asiste a la ejecución en la cámara de gas de un peligroso asesino, Reese (Koteas) que insiste en verle antes de morir. Durante ese tiempo, Reese habla en un extraño idioma y propone varias adivinanzas al detective. Poco después de morir, un extraño ser incorpóreo sale de su cuerpo y posee a un policía.
Hobbes, por su parte, se verá intrigado cuando comiencen asesinatos calcados a los de Reese, y reciba llamadas anónimas que le irán dando pistas. También descubrirá, gracias a los enigmas que le dio el asesino antes de morir, a un honrado policía que en los años sesenta, tras detener a un asesino en serie, fue acusado de cometer varios crímenes y se suicidó, dejando a una hija, con la que Hobbes hablará. Pronto se pondrá de manifiesto para el asombrado detective que no se enfrenta a ningún ser mortal, sino a Azazel, un demonio bíblico que "vino de los desiertos" y posee a las personas a través del tacto. Antes de morir Reese le dio la mano, en un intento de poseerle, pero no pudo, ya que Hobbes resultó ser una de las pocas personas inmunes que hay, por lo que ahora el demonio, furioso, está decidido a destruir su vida "desde fuera".
Lo más intrigante de la cinta, además de su curioso pesimismo, no muy habitual en el cine de los noventa (no esperen los aficionados un final precisamente feliz...) es el proceso por el que pasa Hobbes, que al principio cree estar enfrentándose a un simple asesino que imita al primero, pero va convenciéndose poco a poco, de forma creíble. Es impresionante la escena en la que Hobbes se da cuenta de esto, cuando varios compañeros policías comienzan a rozarse entre ellos, y a cantar la canción que cantaba Reese, negando luego haberla cantado.

El detective Hobbes se mete de lleno en un asunto del pasado

Por lo general, estamos ante una película interesante, de guión muy elaborado, aunque una dirección algo maniquea. Al contrario que en el cine policial de la época, aquí no hay tiroteos, explosiones, ni tampoco efectos especiales de ninguna clase, solo unos buenos actores trabajando con firmeza sobre los papeles que les han tocado. Denzel Washintgon lleva muy bien su papel de policía perseguido, cada vez más al borde del abismo, con graves problemas familiares, por cierto, y John Goodman interpreta a su compañero Jonesy, el personaje cómico, pero capaz de aportar diálogos bastante buenos en la parte final del film. Una película interesante, no del todo lograda, pero que merece ser vista por sus buenas actuaciones y planteamientos interesantes. En manos de un John Carpenter o un Clive Barker, estaríamos hablando de una obra maestra...

El pueblo de los malditos

2008-01-13T12:30:00.000-08:00

En 1995, John Carpenter recuperaba la perspectiva, tras un periodo incierto. En la primera mitad de los ochenta trabajó para los grandes estudios, y de esa época salieron cosas tan excelentes y recordadas como "La cosa" pequeñas joyas incomprendidas como "Christine" o "Golpe en la Pequeña China" o algunas de sus películas más odiadas, como "Starman" una comedia romántica con pinceladas fantásticas. En 1987 volvía a la serie B con la estupenda "El principe de las tinieblas" y en 1988 prometía seguir esos derroteros en la criticadísima pero brillante, casi visionaria "Estan vivos". No obstante, tras un periodo de retiro, en 1992 volvió al servicio de los grandes estudios para servir una comedieta con Chevy Chase como protagonista y productor, considerada su peor película. Al año siguiente tendríamos noticias suyas mediante una película para televisión, Body Bags, y finalmente en 1995, volverían las cosas a su cauce con esta "El pueblo de los malditos". Basada en una novela de John Whyndam, "Los cucos de Midwich" que ya tuvo su versión cinematográfica en 1960, Village of Damned, una película de suspense en blanco y negro, considerada un clásico menor, por lo tanto nos enfrentamos a un remake.
Lo primero que llama la atención es el grupo de actores, todas viejas promesas de los años ochenta, que fueron momentaneamente rescatados del olvido. Christopher Reeve, el inolvidable Superman en uno de sus últimos papeles antes de tener el accidente fatal, Linda Kozlowski, la periodista sexy de "Cocodrilo Dundee", Kirsty Alley (Runaway, Mira quien habla) o Michael Paré (Calles de fuego, El experimento Filadelfia). En el lado negativo, la banda sonora no le hace justicia a la película, y esta tiene un tono frío y despersonalizado que no suelen tener las películas más personales de su autor. En lo positivo, unos actores adecuados, un guión más que interesante y una dirección correcta.
En el pequeño pueblo de Midwich, todos sus habitantes caen dormidos por espacio de varias horas. El gobierno, al percibirse lo que ocurre, acude al lugar y decide que se trata de algún tipo de gas, ya que esto solo afecta a los que cruzan una línea determinada. Pocas horas después, todo el mundo despierta sano y salvo, a excepción de algunos accidentes (gente que quedó dormida al volante o mientras hacía algún trabajo peligroso). Parece que ha sido un incidente extraño, aislado y sin explicación, pero pocos meses después, casi todas las féminas del lugar resultan estar embarazadas: solteras, viudas, una mujer a la que los médicos le habían dicho que era estéril, otra cuyo marido estaba fuera de la ciudad en el momento en que se supone quedó embarazada, e incluso una chica que jura que era virgen. Una de las embarazadas es la esposa del doctor Alan Chafee, que asiste asombrado a estos hechos. El gobierno, por medio de una ambiciosa agente, Susan Verner (Kirstey Alley) ofrece a todas las familias afectadas una sustanciosa suma y los gastos de los bebés en comida, ropa y demás, si deciden seguir adelante con el embarazo y permite que se haga una evolución de esos niños. Finalmente, todas las mujeres tienen extraños sueños, tras los cuales deciden tener a los niños.
Finalmente, estos vienen al mundo una noche, salvo uno de ellos, que muere en el parto. Con varios meses por delante, se pone de manifiesto que los niños son asombrosamente idénticos, de pelo plateado y ojos azules, y muestran tener ciertos poderes para castigar a quienes les molestan. Mara, la supuesta hija del doctor Chafee, acaba haciendo que su madre se suicide cuando esta le sirve la comida demasiado caliente. A partir de entonces, el doctor desconfía de los niños y comienza a vigilarlos de cerca. Conforme van creciendo, se van apoderando sutilmente del pueblo, y todo quien intenta hacerles daño muere en extrañas circunstancias. Los niños muestran una inteligencia fuera de lo común, y todos están unidos en parejas (son diez niños y nueve niñas). Sin embargo, una de las niñas murió durante el parto, y el que habría sido su compañero, David, al verse desplazado y diferente, comienza a desarrollar sentimientos empáticos y humanos, con ayuda de su madre, Jill, que quedó viuda al morir su marido mientras conducía en las horas en que todos perdieron la conciencia.

El grupo de niños diabólicos

Pronto, los adultos se percatan de que los niños son malignos, e intentan destruirlos, pero solo consiguen ser masacrados y son obligados a suicidarse. Los niños toman Midwich bajo su control y se van a vivir a un gran cobertizo todos juntos. El doctor Chafee se aliará con la doctora Verner, la cual sabe más de lo que dice: según parece, han sucedido cosas similares en otros pueblos aislados, y todos los pueblos acabaron completamente arrasados. Alan decide destruir a los niños malignos, salvando sin embargo a David, para que pueda seguir humanizándose... pero los niños tienen la facultad de leer las mentes.
Yo entiendo "El pueblo de los malditos" como una película que trata sobre quienes son diferentes. Primero, las mujeres embarazadas son diferentes, y semi repudiadas por la comunidad, por la Iglesia, por sus familias (como la mujer cuyo marido estaba en Japón en el momento de la supuesta gestación). La peor parada será la chica virgen, que será también que pierda a su niña en el parto. El pequeño David verá un futuro negro para ella, llegando incluso a intuir que va a suicidarse.
Después, los diferentes son los niños, todos idénticos, de pelo extrañamente blanco, mirada inquietante y una inteligencia y comportamiento que se sale de lo normal en cualquier niño, además, con poder para provocar accidentes y suicidios en aquellas personas que tratan de dañarles. Son un grupo absolutamente unido, piensan igual, visten igual, y marchan igual, ordenadamente en dos hileras. El pueblo les repudiará, tratando de rechazarles primero mediante la violencia, y cuando se pone de manifiesto que son demasiado poderosos, les dejarán hacer, intentando olvidar su presencia cuando se marchan a vivir a un enorme granero.
Por último, es diferente David, el hijo de Jill. Es diferente porque estos niños van en pareja, pero su pareja es la niña que murió al nacer. Mara, la hija del doctor Chafee que es la líder de los niños, le dice a David que sin compañera, debe asumir que es menos importante. David comienza a humanizarse cuando rompe la ordenada hilera para ir a poner flores a la tumba de la niña que habría sido su compañera. Allí se encontrará con el doctor Chafee, que ha ido a visitar la tumba de su mujer. David le dará la mano, mostrando afinidad con él, aunque le advierte que "no se ponga demasiado sentimental". El doctor se aliará con la funcionaria gubernamental para tramar la destrucción de los niños malditos, pero se aliará con la joven viuda, Jill, para salvar a su hijo de la destrucción. Antes ha intentado la vía pacífica, dialogando con su hija y sugiriéndole que podrían convivir en paz, pero la niña le dice que si ellos se pusieran a la par con los humanos, estos acabarían destruyendoles. El doctor tendrá que ingeniárselas para contener en su mente la idea de la destrucción, formando, literalmente, un muro mental...
En resumen, película de aspecto algo frío, con música inadecuada, pero con excelentes actores (Christopher Reeve especialmente, véase el final del filme para comprobarlo) y un guión bien puntuado lleno de temas que la película de los años sesenta no podía tocar, como la religión (el sacerdote del pueblo armado con una escopeta y dispuesto a disparar a los niños) o el feminismo, al ser la niña la jefa de sus compañeros (en el film anterior era un niño, y en la novela, ninguno destacaba sobre los demás). Una pequeña película, no demasiado grande, y nunca destacada entre las grandes obras del maestro, pero lo suficientemente interesante como para disfrutarse sin problema.

Los viajeros de la noche

2008-01-13T11:06:00.000-08:00

Eric Red es un reputado guionista del fanástico, como ha quedado reseñado en "Carretera al Infierno". Suyo es el guión de esta pequeña joya, Los viajeros de la noche. La directora, Kathryn Bigelow, ha llevado a cabo otras películas no exentas de interés, como Le llamaban Bodhi (más tarde plagiada con descaro, cambiando tablas de surf por coches en la nefasta "A todo gas") o la infravalorada Días extraños. Red y Bigelow unieron sus talentos en 1987, junto con un grupo de actores excelentes (tres de ellos recién salidos de "Aliens, el regreso") para sacar a la luz una de las más extrañas y atípicas películas de ¿vampiros? de la década.
Una noche calurosa en Oklahoma, Caleb, un muchacho que de día ayuda a su padre y a su hermana en la granja veterinaria que poseen, y de noche pasea con sus amigos, peleándose y echando un vistazo a las chicas, conocerá a Mae, una diosa rubia y delgada, de aspecto frágil, pero irresistible. Decidido a pasar la noche con ella, se ofrece a acompañarla para conocer los contornos. Pero Mae no es como las chicas campesinas que Caleb conoce. Los caballos le tienen un pánico atroz, la chica filosofea acerca de la belleza de la noche, y cuando el amanecer está próximo, parece aterrorizarse, y exige a Caleb que la lleve de vuelta. Sin embargo, el coche se estropea, y la muchacha, tras morder a Caleb en el cuello, saldrá corriendo. El chico saldrá del coche y reemprenderá el camino a pie, llegando a su granja al amanecer. Pero durante la noche, algo ha sucedido, ahora sus ojos lagrimean y su piel echa humo. Cuando está a punto de llegar a su casa, una caravana con las ventanas tapadas le secuestra, sacándole para siempre de su vida cotidiana.

El encuentro en la noche que cambiará la vida del joven Caleb

En la caravana va Mae, junto con su extraña familia de vampiros vagabundos. Si bien, lo de que sean vampiros es discutible, pues no tienen colmillos, las cruces, ajos y demás no les hacen ningún daño... solo comparten dos características, el sol les es letal, y deben alimentarse todas las noches de sangre humana. El pintoresco grupo, liderado por un antiguo sudista, Jesse Hooker(Lance Henriksen, competente como siempre) su novia, una chica dura y despiadada, Diamonback (Jenette Goldstein) se compone además de un muchacho psicópata y desquiciado que utiliza sus espuelas de vaquero para degollar a la gente, Severen (Bill Paxton) y un viejo verde eternamente atrapado en el cuerpo de un niño, Homer. El grupo discute acerca de que hacer con él, pues su intención era matarlo, pero Mae se lo impide y les hace ver que ya es uno de ellos. Tras discutirlo acaloradamente, deciden darle una semana para que se "integre".
A partir de entonces, Caleb sufrirá un ansia brutal por la sangre. Mae le dará su propia sangre, como si fuera un niño (la imagen de Caleb bebiendo sangre del brazo de Mae en medio de un campo abandonado de extracción petrolífera es genial). Sin embargo, pasado el primer periodo, cuando ya debe buscarse la comida, Caleb se niega a matar seres humanos, viendo las orgías de destrucción que causan sus nuevos compañeros sin pestañear, como si la inmortalidad les hubiese dotado de total inmunidad moral, y Mae tratará de protegerle, sabiendo que si Caleb sigue negandose a matar, provocará la ira de los demás...
Estamos ante una película muy de su época, de los ochenta, de gran belleza visual. Al ser más oscura que la otra película de "vampiros jovenes" del mismo año, Jovenes ocultos, y al contar con menos publicidad, pasó sin pena ni gloria por las salas de cine, para más tarde convertirse en película de culto para multitud de aficionados, gracias al formato doméstico. Hoy en día está considerada como la mejor película de vampiros de la década, junto con "Noche de miedo", mientras que películas que en su día fueron mucho más populares, como la mencionada Jovenes ocultos o "Vamp" han envejecido muchísimo y están peor consideradas. Además del maravilloso triunvirato de actores (Henriksen-Goldstein y Paxton, que acababan de hacer la exitosa Aliens, el regreso) la película se beneficia de la hipnótica presencia de la muchacha que encandila al protagonista y al público, Jenny Wright, actriz que solo hizo unas pocas películas más (tenía un breve papel en el drama estudiantil "St Elmo, punto de encuentro" y protagonizó otra película de terror, "Lecturas diabolicas") y como los propios actores comentan en los extras del DVD de esta película, la actriz desapareció y nadie ha vuelto a tener contacto con ella...
Por otra parte, el cine de Kathryn Bigelow es un cine esteticista, profundamente visual, como el de algunos compañeros de la época, como Tonny Scott. Filma como pocos habrían sabido hacerlo esas noches frías, negras y azules, donde se desenvuelve la historia, con brillantez, noches mágicas, como las de John Carpenter. Otra gran idea visual es el celebrado momento en que el grupo de vampiros duerme durante el día en un hotel. La policía lo rodea y comienza a disparar contra el edificio. Las balas no les hacen daño alguno, pero si los haces de luz que se cuelan por los agujeros que estas hacen... también es visualmente impecable la mencionada escena en la que Mae alimenta a Caleb, como si de un chiquillo se tratase, en medio de un campo de extracción petrolífera, o la escena en que todo el grupo se prepara para atacar un bar de carretera, y enseñar así a Caleb como "debe hacerlo".

La troupe de vampiros ambulantes...

Esta es una de las escenas más recordadas de la película, donde los vampiros juegan con rudos camioneros y duros matones de bar, como si fueran muñecos, conscientes de que su fuerza y su inmunidad a cualquier herida les proporcionarán la victoria. Torturan a esos pobres desgraciados y juegan con ellos como quien juega con muñecos. Matan no solo para alimentarse, sino simplemente, para divertirse. Su inmortalidad les ha inmunizado contra cualquier sentimiento de culpa, cometen toda clase de pecados sin pestañear. Y la directora del film está siempre de parte de sus monstruos, y no de las víctimas (matones, ladrones de carretera, prostitutas) lo que hace que al espectador le sea difícil encontrar a los vampiros antipáticos, pese a sus brutales actos.
Por otra parte, si bien en aquel momento ya se habían hecho varias películas modernas de vampiros, en estas se seguían presentando a estos seres de forma enigmática. Aquí asistimos a un impecable examen de sus actividades, que nos son mostradas con detalle: viajan por la América rural en caravanas o camionetas con las ventanas tapadas con cinta aislante, paran ocasionalmente en moteles durante el día para descansar un par de días (curiosa y divertida la escena en la que un anciano propietario de un hotel le comenta a Jesse que "su cara le suena de algo" y este le contesta irónicamente que va por allí cada cincuenta años, y le pide que le haga ya una reserva). Para poder mostrarnos a lupa sus actividades, se nos presenta a este grupo como una familia, todo lo atípica que se quiera, pero familia (varios personajes llaman "mamá" al personaje de Jenette Goldstein, y esta se empeña en tratar a Homer como si fuera un niño, pese a que se comenta que es el más viejo de todos ellos). También, cuando el grupo descubre que Mae ha convertido a Caleb, Jesse les echa a Mae y a Caleb una mirada de decepción paternal.
El tiempo ha revalorizado esta película, sobre todo en USA, su país de origen, y solo con buscar su nombre es Internet se pueden ver comentarios positivos de todo el que ha podido verla y redescubrirla ahora, años después. Una película entretenida y recordable, que pasa de la moda políticamente correcta que tanto daño hace al cine en nuestros días, y hace que el espectador sienta verdadera simpatía por unos seres que, por sus actos, merecen la muerte definitiva...

Hellbound: Hellraiser II

2008-01-08T13:11:00.000-08:00

Tras el inesperado y rotundo éxito económico de la película de serie B "Hellraiser" los productores de New World, la compañía responsable de la distribución americana de la película, pidieron una secuela rápidamente. El director de aquella, el escritor Clive Barker (la película estaba basada en un libro suyo, "The Hellbound Heart") se negó a volver a coger ni la pluma ni la cámara para la tarea, probablemente ansioso por explorar otros mundos, pero si accedió a ser productor ejecutivo de la cinta, y a sugerir ideas para el guión. Es evidente, visto el producto acabado, que esta película queda en eso, en buenas ideas faltas de desarrolo. Pero no nos adelantemos.
El éxito de Hellraiser aún está fresco cuando se empieza a rodar en el Reinido Unido "Hellbound: Hellraiser II" pero el rodaje tuvo varios problemas, entre ellos, una crisis bursatil que les hizo perder parte del presupuesto. El guión se resintió, tuviendo que reescribirse, además, el actor Andrew Robinson, que había interpretado a Larry Cotton en la primera parte, se negó a participar, pese a que tenía mucho papel en el guión original. La historia, más o menos, queda así:
Han pasado solo unos días desde los acontecimientos que presenciamos en Hellraiser. La única superviviente, Kirsty Cotton, se recupera en el hospital psiquiatrico de Channard, donde contará su experiencia a la policía y al propio doctor Channard. Estos, por supuesto, no la creen, y la internan en contra de su voluntad. Pero el siniestro doctor Channard, director del hospital, conoce la mitología de los cenobitas, está enterado de que toda la historia de Kirsty es real, y pretende acceder al mundo cenobita con una configuración del lamento (aunque, incongruentemente, posee tres de estas cajas). El doctor consigue un colchón de entre los escombros de la casa de los Cotton, el colchón manchado con la sangre de la madrastra de Kirsty, Julia, y sacrificando a uno de sus pacientes, consigue revivirla, si bien en un estado incompleto. Con la promesa de que Julia le iniciará en las maravillas de su mundo, el doctor la provee de la sangre de jovencitas para ir reconstruyendo su cuerpo.
Mientras tanto, Kirsty tiene pesadillas en las que un hombre desfigurado en el que cree reconocer a su padre le pide ayuda desde el Infierno. Por otra parte, sentirá afinidad hacia otra paciente del hospital, Tiffany, una niña muda que no hace más que resolver puzzles. Channard planea utilizar a la niña para que abra la Configuración, ya que él se ha visto incapaz. El ritual se lleva a cabo con Kirsty presente, que ha salido del hospital tras convencer al ayudante del doctor de la obsesión de este. Los cenobitas hacen acto de presencia, pero una vez más, incongruentemente, no utilizan sus métodos para reducir a los prisioneros, y los dejan "explorar" su mundo con libertad. Channard y Julia se adentran en el universo cenobita como alumno y maestra, y Kirsty entra con la intención de salvar a su padre, llevando a Tiffany consigo para poder salir más tarde del lugar. Más, los cenobitas no han olvidado su último encuentro frustrado, y todavía ansían probar su carne...

Frank pide ayuda como puede

La película mezcla una buena atmósfera visual, personajes interesantes, aunque incompletos, y alguna idea bien esbozada, con una gran falta de coherencia con la primera parte y un empeño perjudicial en cargarse la mitología cenobita (dando a estos un pasado humano, e incluso la posbilidad de redimirse). El primer ejemplo, al principio de la película: al final de Hellraiser, la casa de los Cotton había quedado reducida a escombros. Bien, pues aquí la casa solo está ligeramente dañada, pero se conserva entera para que se pueda encontrar el colchón sobre el que murió Julia, el dichoso colchón sobre el que girará la mitad primera de la película. También resulta ridículo que Channard tenga tres cajas, tres Configuraciones, cuando de sobras es sabido que solo existe una, que no se trata simplemente de un artículo de coleccionista del que queden unas pocas copias, sino de una pieza única que solo cae en manos de las personas que anhelan más ardientemente probar sensaciones de más de tres dimensiones. Tampoco es muy creible que tenga dibujos de los cenobitas, a los que se supone, nadie ha visto y ha vivido para contarlo.
También los mejores personajes, Channard y Tiffany, están superficialmente pincelados. Son personajes interesantes, pero no llegan a cuajar. ¿Porque Tiffany hace puzzles continuamente? ¿Que trauma le impide hablar? ¿Realmente mató a su madre? Y el doctor Channard, uno de los más respetados cirujanos y psiquiatras del mundo, un ocultista aficionado, y en el fondo, un ser pusilánime, cobarde e incluso conservador, que quiere escapar a toda costa de este mundo no porque busque otros placeres y conocimientos, sino simplemente porque está constantemente mortificado al no encajar en este.

Julia guía a Channard por el mundo cenobita

Julia se erige como el personaje más interesante. Si en la primera parte era víctima y a la vez verdugo (víctima de los manejos y engaños de Frank, y verdugo de los hombres que mata para restaurar a su amante) aquí es directamente la mala de la película, más experimentada y sabia tras sus experiencias en el Infierno, y ha realizado un curioso pacto fáustico para cobrarse su venganza respecto al personaje de Frank, que aquí apenas sale, y quedará nuevamente desfigurado y convertido en una masa de músculos sangrantes.
Respecto al mundo cenobita, es una especie de circo ambulante del Infierno lleo de monstruosidades, algo muy alejado de lo que podía imaginarse en la primera parte. El mejor infierno, paradojicamente, resulta ser el de Frank, un hombre adicto a las sensaciones fuertes encerrado por toda la eternidad solo en una habitación, rodeado de tentaciones que desaparecen en cuanto se acerca...
Un final precipitado, incoherente y nefasto, personajes interesantes no desarrollados y ciertas licencias con respecto a la película original en el lado negativo. Una atmósfera inquietante conseguida, una extensión adecuada del interesante personaje de Julia y algún detalle de los personajes nuevos (Channard y Tiffany) en el lado positivo. Al menos, Hellbound es una película atmosférica y se toma en serio a si misma, cosa que no suceería en las siguientes secuelas. De todas formas, los productores habrían acertado quedándose solo con la primera parte.

La noche del cazador

2008-01-08T12:36:00.000-08:00

La noche del cazador es sin duda un clásico del cine de suspense, una de las películas más influyentes del cine fantástico actual. Tremendo fracaso en su día, hoy está reconocida como una obra magna. Fue la única película dirigida por el excelente actor Charles Laughton, dirigida en 1955 y rodada en un blanco y negro expresionista, angustioso y desolador. Protagonizada por el siempre excelente y convenientemente perverso Robert Mitchum y por Shelley Winters, estamos ante una película que es algo más que un melodrama de la época de la Depresión, algo más que una historia de suspense magníficamente contada, es prácticamente un cuento de hadas, macabro y oscuro, pero cuento de hadas.
Son los años de la Depresión, donde nadie tiene trabajo, ni prácticamente nada que llevarse a la boca. Un joven y desesperado padre de familia, Ben Harper, roba un banco, y mata en el transcurso del robo a dos personas para poder escapar. Cuando llega a casa con el botín, perseguido por la policía, entregará el botín a su hijo John, haciéndole prometer que cuidará de su hermana pequeña Maggie, y que no revelará jamás el lugar donde está escondido el botín, ni siquiera a su frágil madre (Shelley Winters). Apresado por la policía, en prisión conocerá a un predicador pervertido, Harry Powell (Robert Mitchum) que lleva tatuadas en los nudillos las palabras "amor" y "odio" y que tiene una particular visión de la Biblia. Harry intenta que Ben le diga donde está el botín, incluso le interroga mientras duerme, pero la única frase que le arranca en sueños es la cita bíblica "Un niño te guiará". Poco después, Ben es ajusticiado en la silla eléctrica.
Algún tiempo después, la recién viuda trata de sobrellevar su estado, hacer frente a la verguenza que sufre por los delitos de su marido y sacar adelante a sus hijos en la comunidad rural, reprimida, estrictamente religiosa y muy dada a chismes. Al pueblo llegará un aparentemente amable, equilibrado y recto predicador, que no es otro que Harry Powell, que pretende conquistar a la viuda, convencido de que los hijos de Ben Harper conocen el escondrijo el botín. Ni la mujer ni los vecinos se apercibirán de la maldad e hipocresía que se esconden tras el supuesto religioso, pero el pequeño John pronto comprende que Powell no es el salvador, el padre de familia sustituto, sino el ogro que ha venido a destruir su hogar, y el muchacho tratará de salvar el secreto de su padre, que juró llevarse a la tumba..

El temible falso profeta Harry Powell

El filme tiene una fuerza visual y conceptual aplastante. Ya sean los planos nocturnos en los que John entrevee entre las cortinas de su cuarto al hombre que vigila su casa, y que pronto será el hombre de la misma, los caminos rurales abandonados y llenos de miseria, el cadáver de la pobre viuda sumergido en las aguas del lago, o ese viaje que hacen los niños de noche por un solitario río, con los bosques llenos de extraños sonidos y las figuras de las bestias que les acechan. Se trata, sobre todo, de una relectura de cuento infantil, del niño que se enfrenta al ogro y debe madurar y pasar a la etapa adulta para poder vencerlo. El pequeño John, pese a su corta edad y su ignorancia hacia multitud de cosas, protege a su hermana de los peligros por encima de todo, y tiene que aprender a sobrevivir para sacar adelante a la niña, y a la vez, esquivar la persecución de ese ogro que ha destruido su familia, y cuyos únicos motivos son un puñado de billetes. En definitiva, La noche del cazador es un clásico, con un Robert Mitchum impagable (repetiría el papel de "ogro" de hombre pervertido e hipócrita, en la tambien excelente "El cabo del terror"). En su día, la película fue despreciada precisamente por los motivos que la han convertido en clásico, por no ceñirse a ningún género en concreto y beber de varios, quedando este como el único film, de innegable talento, del normalmente actor Charles Laughton.

Papá llega a casa...

Estoy vivo

2007-12-23T07:20:00.000-08:00

A principios de los años setenta, Larry Cohen era un director de serie B neoyorquino, bastante desconocido. Sus únicas películas comerciales eran unas cuantas blaxplotation (películas de y para negros) como "El Padrino de Harlem" por citar la más conocida. Fue en 1972 cuando dirigió por primera vez para un gran estudio, la Warner Brothers, con un presupuesto ajustado, pero sin duda superior a cualquiera de los anterior, que le permitió contar con el maestro de los efectos especiales Rick Baker y, como compositor, el maestro Bernard Herrman en una de sus últimas composiciones para películas.
Los Angeles. Una acaudalada pareja, los Davies, acude al hospital para que ella de a luz, pues es su segundo hijo, aunque en las primeras semanas del parto pensó en no tenerlo, e incluso stuvo tomando píldoras abortivas. Duante el parto, algo sucede, y cuando el marido entre en el quirófano, descubrirá que su hijo ha asesinado de forma grotesca a los médicos, y ha huido. El bebé era un ser monstruoso y anormal. Los Davies vuelven a casa intentando olvidar la experiencia, pero se levanta un debate social en torno a ellos: él pierde su empleo debido a la mala publicidad, y se cree que el motivo de la monstruosidad del bebé se debe a un fallo en las píldoras abortivas. El farmacéutico fabricante pacta con la policía, para que el cuerpo sea destruido una vez hallado el niño, y así no se pueda descubrir su responsabilidad en los hechos, ya que el padre ha donado el cuerpo a la ciencia cuando sea encontrado, a cambio de un contrato laboral. Sin embargo, el monstruoso niño, que ha seguido matando por la ciudad, buscará a sus padres, y primero la madre, y finalmente el pade, comprenderán que se trata de un humano, por monstruoso que sea, y que es su hijo al fin y al cabo.

El dramático parto

El diseño de la criatura por parte de Baker fue bastante bueno, un ser deforme y de apariencia repulsiva. Los asesinatos también tienen su punto de gore, y parece ser que en la época fueron insoportables, si bien hoy en día su violencia está superada. Respecto al bebé, es apenas mostrado durante la película, solo se nos muestran tomas deformadas de su rostro durante los ataques, si bien al final de la película es mostrado al completo. Es to se debe a que a Cohen, más que el monstruo y sus hazañas sangrientas, lo que le interesa es el periplo de sus padres: el deterioro familiar, o el circo mediático que se monta en torno a ellos, la actitud agresiva y poco transparente de las coporaciones farmacéuticas responsables de las píldoras que han causado la mutación, el miedo a la paternidad... en resumen, la respuesta de la sociedad a un fenómeno. Y esta es brutal, pues el niño (que no puede tener conciencia de sus crímenes, y por lo tanto no puede ser moralmente culpado por ellos) se convierte en epicentro de una caza policial, y levanta un gran debate social donde todos están a favor de destruirlo, incluidos sus propios progenitores. Pero, primero la madre, cuando descubra al bebé en casa y lo protege de su marido, que quiere matarlo, y luego el propio padre, que intenta impedir su muerte cuando está atrapado por la policía, aceptan que se trata de algo suyo, les guste o no. Según el propio Cohen "Trataba de hacer sentir simpatía hacia alguien que es distinto. Es una película muy de los setenta, donde los chicos llevaban el pelo largo, fumaban hierba y llevaban una vida límite. Los padres no podían controlar a sus hijos y los echaban de casa, existía un miedo generalizado de las generaciones mayores por sus propios retoños".
En efecto, la película tiene un aire muy "seventy" tanto en su fotografía, fría y algo extraña, como en ropas, peinados, actitudes, decorados, etc. Sus mayores bazas, además de un monstruo que, por omisión de su aspecto, consigue dar miedo y despertar interés, es una banda sonora perfecta, por encima incluso del aspecto visual del film, que "rellena huecos" que la narración de Cohen, algo primerizo todavía, podía dejar en la película. Esta fue un éxito (dicen que batió el record en taquillas de la Warner Bros, que no había tenido un éxito semejante desde "My fair Lady") y resultó lo bastante interesante para que algunos cinéfilos la nombrasen "película de culto". Tuvo dos secuelas, orquestadas por el propio Cohen, y muy inferiores: "Sigue vivo" donde el padre de la primera parte trata de advertir a otra pareja que va a tener un bebé similar, y "La isla de los vivos" donde el número de bebés es mayor, y se decide, por seguridad o quizás, por miedo, recluirlos en una isla. Ambas son películas de serie B solo para completistas, con alguna buena idea, pero faltas de ritmo y buen hacer fílmico, bastante sosas en comparación. La original queda como una curiosa película por si misma, con logros suficientes para merecer el prestigio de que goza hoy en día, entretenida y perfectamente disfrutable.

La maldicion de Damien

2007-12-18T11:35:00.000-08:00

Dos años después del moderado éxito de "La profecía" sus productores decidieron ofrecer una secuela. Y estamos ante una de las pocas veces en las que podemos decir que es una digna secuela, que si bien, entiéndase, nunca podrá superar a la primera entrega, parte de unas premisas muy interesantes, con el mismo tono épico y excelentes actores. Además es una película que gira en torno a la adolescencia de su protagonista (el Anticristo, nada menos, interpretado por un muy convincente Jonathan Scott Taylor) y que, aunque parezca imposible, consigue reflejar todas las dudas, los cambios y las contradicciones que suelen sucederse en esa época de nuestra vida. La banda sonora vuelve a ser de Jerry Goldsmith, con su inquetante tema "Ave satani", puntuando los momentos de suspense. Una película con virtudes y fallos (que los tiene) realmente fascinante. Incluso, para mi gusto, más fascinante que "La profecía" si bien la dirección es muy inferior. De no haber sido así, podríamos haber estado ante una secuela mejor que la original, pero centrémonos en lo que hay.
Inmediatamente después de los sucesos narrados en "La profecía" asistimos a un prólogo en Israel, donde el sacerdote Bugenhaggen, que aconsejó a Robert Thorn acerca de lo que debía hacer con el Anticristo, ha descubierto que Thorn ha muerto y el chico ha sobrevivido, y ha sido acogido por sus tíos, Richard y Anne Thorn. El monje cuenta lo sucedido a un amigo suyo, arqueólogo americano, y le pide que lleve a los Thorn una carta que lo explica todo, para que ellos puedan luchar contra el Anticristo. El arqueólogo, por supuesto, no le cree, pero Bugenhaggen le dice que hay una prueba, el muro de Yigael recientemente descubierto, donde se nos muestran dibujos del Antricristo en distintas etapas de su vida, y la cara del Anticristo en edad infantil es la misma que la de Damien Thorn. Finalmente, el arqueólogo acude con el monje a ver el muro, pero este se derrumba misteriosamente, sepultándoles a ambos vivos.
Ocho años después, Damien Thorn es un adolescente sano y carismático, que habita en casa de sus tíos con su primo Mark, de su misma edad. Richard Thorn tiene en sus manos Industrias Thorn, una poderosa corporación valorada en más de 100 millones de dólares. Damien, por su parte, no es consciente de su destino, de su verdadera identidad, y ha crecido como un muchacho normal. Actualmente, vive y estudia con su primo en una academia militar.
Mientras ciertas personas descubren o sospechan de Damien, y de un complot teñido en torno a la familia Thorn, van muriendo en extraños accidentes. A la academia militar llega un nuevo profesor, el sargento Neff (Lance Henriksen, el inolvidable Bishop de Aliens el regreso) que no es sino un agente del Diablo, cuya labor es proteger al chico y a la vez, comenzar a guiarle en un proceso de auto descubrimiento, dándole pistas e indicándole donde puede buscar la verdad acerca de su existencia. Por otra parte, uno de los socios de confianza de Richard Thorn, Paul Buhrer, es otro enviado del Diablo para ir allanando el camino en Industrias Thorn, y convertir la corporación en un imperio, para cuando el Antricristo llegue a la edad adulta y pueda heredarlo y, desde una posición de poder, dominar el mundo. Son curiosas las ideas de Buhrer acerca de los negocios, por ejemplo, su proyecto de comprar enormes parcelas de tierra del tercer mundo a un precio ridículo, y cultivar allí alimentos artificiales para acabar con el hambre en el mundo... pero claro, el tercer mundo y su sustento dependerían de esos cultivos de alimentos, en manos de Industrias Thorn.
Poco a poco, Damien toma conciencia de lo que es, y de aquello a lo que está destinado, y va aprendiendo a mover los hilos y a utilizar para su provecho a los agentes enviados por su "padre" ya sea un espectral cuervo que provoca enfermedades o accidentes, o sus propios poderes para causar dichos accidentes. El dulce e inocente niño conoce su futuro ("¿Porque? ¿Porque yo"? preguntará, sin obtener respuesta) da un paso adelante en la madurez, asume su destino y se convierte en un ser frío, calculador, y sobre todo, sabedor de que le esperan grandes días... sin embargo, resulta conmovedor y entrañable que, antes de convertirse en dicho ser frío y sin entrañas, una vez sabe ya quien es, le pedirá a su primo Mark que se una a él. "Te quiero. Eres como mi hermano" le dice. Pero su primo retrocede, horrorizado, e intenta huir, por lo que Damien lo mata. Ya nunca volverá a querer a nadie.
Por su parte, Richard Thorn también recibirá avisos y pistas, y acabará recibiendo el paquete de Bugenhaggen, que contiene las siete dagas de Megido, la única cosa en la Tierra que puede acabar con el Anticristo.

Como todo buen líder de masas, Damien goza de popularidad y buena compañía...

La pareja de este film, formada por William Holden y Lee Grant como Richard y Anne Thorn está estupenda, y no tiene nada que envidiar a Peck y Remick. De hecho, en "La profecía" se le ofreció a William Holden interpretar el papel que interpretaría Peck, pero lo rechazó por estar ocupado en otro proyecto. Jonathan Scott Taylor está brillante en su papel, comienza siendo un niño, un muchacho inmerso en una vida plena, integrado en una familia que le quiere, preparándose para el futuro... y acaba convirtiéndose en el Anticristo, asumiendo su terrible papel. Es de agradecer que aquí no se reincida en la línea argumentar de "La profecía" donde siempre se nos sugería que los hechos acaecidos podían ser simples coincidencias fruto de la locura de la esposa de Thorn. En "La maldición de Damien" no cabe duda: desde los cinco primeros minutos del film, sabemos que estamos asistiendo a las andanzas del hijo del Diablo en la Tierra.
Una película excelente y digna secuela. Por desgracia, la saga se remataría de mala manera en "El final de Damien" donde asistimos a los pasos del Anticristo en edad adulta, en posesión ya de las empresas familiares, pero convertido en un ser demasiado frío, inhumano, y poco carismático, cuando se supone (y en "La maldición de Damien se sugiere) que el Anticristo es y será un líder de masas encantador. Pese a la competente labor de un joven Sam Neill, la película es un auténtico desastre, un caos argumental, donde solo sobresalen los monólogos de Damien frente a un crucifijo. Hubo más tarde una cuarta parte, "La profecía IV: El renacer" donde una niña misteriosa, que resultaría ser la hija de Damien, seguiría sus andanzas. Mala, televisiva y sin nada que aportar. Una verdadera lástima que tras un peliculón como "La profecía" y una película tan interesante como "La maldición de Damien" que acababa, supuestamente, dejando lo mejor para el final, terminase de manera tan terriblemente nefasta.

Alien, el octavo pasajero

2007-12-18T09:46:00.000-08:00

¿Terror? ¿Ciencia ficción? Decisión arriesgada y discutible, pero en realidad, está claro para cualquier espectador que esta película de Ridley Scott contiene ambos elementos, también es una estupenda cinta de aventuras en el espacio.
El guión inicialmente escrito era una parodia de ciencia ficción, escrito por Dan O'Bannon, un tipo bastante interesante que se ha movido poco, pero contundentemente, regalándonos joyas de todo tipo, amén de sus estupendos guiones. Su guión fue vendido a la FOX, que tras pasarlo por varios retoques de diversos guionistas e la casa, encargó el trabajo al director inglés Ridley Scott, por aquel entonces todavía desconocido, con una sola película destacable, "Los duelistas". Scott aceptó el reto y comenzó el rodaje, contratando a HR Giger para que diseñase a su Alien, a Jerry Goldsmith para que compusiera la banda sonora, de tintes épicos, y a Sigourney Weaver para que interpretase a la oficial Ripley. El resto es historia...
En un futuro no determinado, el ser humano se ha lanzado ya a la conquista del espacio. Un carguero industrial, el Nostromo, traslada toneladas de minerales para su comercio, con destino a la Tierra. Los tripulantes de la nave duermen en un sueño de hibernación, pues de otra manera no sobrevivirían al viaje, pero algo sucede en las computadoras de la nave, y esta los despierta cuanto todavía faltan varios meses para llegar a la Tierra.
Los tripulantes de la nave se reúnen para tomar café y comer, y finalmente descubren que todavía les queda un largo viaje. Su capitán, Dallas (Tom Skerrit, excelente) les explica que según la computadora, se ha recibido una señal de otro planeta, y están obligados por contrato a comprobar todo tipo de transmisiones desconocidas. Dallas viajará a un inhóspito planeta junto a Lambert (Veronica Carwright) y Kane (John Hurt). Allí hallarán restos fósiles de una civilización antigua, pero aparentemente, no hay vida. Sin embargo, Kane descubrirá una enorme colonia de extraños huevos, y cuando los está inspeccionando, uno de ellos sale disparado, enganchándose a su cabeza. De vuelta a la nave, parece que no hay forma de quitárselo, pero poco después, esa extraña cosa aparece muerta y Kane revive sin recordar nada. Sin embargo, durante la comida, el pecho de Kane estalla violentamente y de él sale un pequeño monstruo que escapará de la tripulación, la cual quiere dar caza al ser, salvo el oficial científico, Ash (Ian Holm) que insiste en preservarlo para estudiarlo en la Tierra...

La tripulacion al completo

La cantidad de cosas que se pueden reseñar acerca de esta película son infinitas. Su extraordinaria banda sonora, que remarca hasta que punto el espacio puede ser un lugar solitario y aterrador, la fotografía, que nos revela un futuro muy parecido al presente, un lugar sucio, oscuro, donde todo falla, las máquinas se averían y las personas pierden el control ante las situaciones extremas, las actuaciones, todas geniales, desde un Tom Skerrit que afronta el difícil reto de ser el protagonista de la película durante la primera mitad de su metraje, para luego morir y dejar paso a la oficial Ripley, que en todo momento se muestra como el personaje más reflexivo, al contrario que la otra fémina de la nave, Lambert, una mujer histérica incapaz de afrontar el terror que llega a instalarse en el Nostromo, Ash, el supuesto "oficial científico" que es en realidad un androide enviado por "La compañía" (misteriosa y todopoderosa corporación que ha enviado la nave al planeta de los aliens a proposito, para conseguir un ejemplar que utilizar como arma) un ser que parece en principio tan reflexivo y frío como Ripley, pero entre ambos se establece una tensión que estallará cuando la tripulación descubra la verdadera naturaleza de Ash... por un lado, están todos estos "tripulantes" y por otro, estableciendo una clase social inferior, los peones de la nave, Brett (Harry Dean Stanton) y Parker (Yappet Kotto) dos "camioneros del espacio" como alguien los definió, cínicos y ajenos a todo lo que sucede. Los operarios se mostrarán siempre irreverentes y preocupados tan solo por su sueldo, hasta que la amenaza cobra vida.
Por otra parte, era en aquel momento extremadamente novedosa la idea y concepción del alien, un ser que pasa por distintas fases de transformación, desde un ser con visos de cangrejo que aprovecha los cuerpos humanos como "úteros" involuntarios, al alien en si, que al principio es una especie de gusano, pero va pasando por diversas fases y cambios de piel, hasta convertirse en un monstruo, una máquina de matar, un superviviente. Los convincentes efectos especiales, de Carlo Rambaldi (Dune, ET, King Kong...) recrean a la perfección tanto los diversos diseños de Giger de una criatura tan terrible que apenas la vislumbramos, como de las muertes (la primera de ellas es prácticamente gore, agónica).
Alien, el octavo pasajero, se convirtió en 1979 en una película revolucionaria, que presentaba a un monstruo contra el que nada se podía hacer, un ser con el que no se puede razonar, frío e inmortal, y nos lo presentaba en un marco muy convincente, con unos más que interesantes personajes. Es particularmente acertada la frase promocional "En el espacio, nadie puede oír tus gritos" que se ocupa de resaltar el hecho de que los personajes no podrán huir ni esconderse, están absolutamente solos, y cuentan únicamente con su propio ingenio. Imprescindible, muy entretenida y disfrutable, y a ratos, desasosegante.
Por supuesto, contó con secuelas, a mi entender, la única destacable es "Aliens el regreso" entretenida cinta de acción, con Sigourney Weaver como ama de la función. Disfrutable, pero lejos de la original. Alien 3 fue una decepción generalizada, una película aburrida que intentaba volver a los orígenes del terror y la soledad del espacio, sin conseguirlo en absoluto Alien Resurrection intentí crear algo parecido, dar empaque al producto, y tiene momentos memorables, pero no se quita el calificativo de mediocre. Innumerables series de cómics sobre los aliens inundan el mercado, donde se los empareja con otro extraterrestre carismático de los ochenta, el Depredador. Como la original, nada.

Piraña

2007-12-18T06:37:00.000-08:00

Tras el éxito de "Tiburón" de Steven Spielberg (1975) multitud de productos de todo tipo intentaron copiar su éxito. La mayoría fracasaron burdamente, eran películas extranjeras, hechas con cuatro duros, con un guión calcado al de Spielberg, pero con menos medios y actores terriblemente malos. Solo un número limitadísimo de estas "imitaciones" lograron convertirse en excelentes películas por si mismas. Y el primer ejemplo es "Piraña" de Joe Dante, fechada en 1978.
Hasta aquel día, Dante había sido montador en la New World, modesta productora de cine fantástico, dirigida por el rey de la serie B Roger Corman. En la New World, todo el mundo conseguía tarde o temprano, la oportunidad de dirigir alguna película de bajo presupuesto, y a Dante le llegó la hora con esta joyita. Con un presupuesto algo mayor de lo que solía ser habitual en las películas de New World, y un guión de John Sayles (ambos repetirían en la también magistral Aullidos) contó con actores bastante desconocidos como protagonistas (Bradford Dillman había sido secundario en varias películas de la saga Harry el Sucio) pero con varios secundarios realmente entrañables, como Kevin McCarthy, el protagonista de "La invasion de los ladrones de cuerpos" (también le veríamos en otras pelis de Dante como Aullidos o En los limites de la realidad) la inquietante y siempre bien recibida italiana Barbara Steele, y no olvidar al entrañable secundario Dick Miller, presente en todas y cada una de las películas del director.
Dos adolescentes escapados de casa huyen por la América rural, haciendo autostop. De noche, entran en unas instalaciones militares aparentemente abandonadas, y encuentran una piscina en la que deciden bañarse, pero ambos son asesinados por algo en el agua. Poco después,
una joven cazarecompensas que trabaja para una agencia de detectives, Maggie, contratada por la familia de una chica que se ha fugado con su novio. En su búsqueda llegará a un pueblecito rural donde los chicos han sido vistos por última vez, y con ayuda de un habitante de la zona, Paul, les buscará y llegará hasta las instalaciones militares, donde activan un mecanismo que vacía la piscina en el mar. De pronto, aparece un hombre en estado frenético que trata de impedirlo, pero ya es tarde. Le reducen, y más tarde el hombre dice ser el doctor Hoak, un científico que trabajó en un proyecto secreto que iba a usarse como arma para la guerra de Vietnam, y que consistía en crear un ejército de pirañas voraces, a las que no les afecta el agua salada, y que se reproducen a una velocidad de vértigo... las pirañas se dirigirán a un campamento de verano y a un parque acuático, y la pareja tratará de impedirlo, con ayuda de otra científica (Barbara Steele) que en realidad ha sido enviada a recuperar las pirañas, aunque sea a costa de dejar morir a todos los habitantes de la zona...

La pareja protagonista en busca de las pirañas

Piraña es una película divertida, a ratos inquietante, pero no llega a ser ni una película de terror pura ni una simple comedieta al servicio de parodiar "Tiburón". Por ejemplo, en la primera escena, dos jóvenes son devorados en una piscina, escena que es tratada con respeto, seriamente, para, a continuación, presentarnos en la siguiente escena, a una chica que juega a un videojuego llamado "Tiburón". El terror viene dosificado con momentos de humor, pero también hay en la película momentos crudos y sangrientos (no escatiman ni a la hora de mostrar cadáveres medio devorados, ni a la hora de mostrarnos a decenas de niños atacados brutalmente en el agua de un campamento de verano, niños entre los cuales se halla la hija del protagonista, por cierto). También habla el film sobre la corrupción que impera en el sistema político y militar: el ejército envía a la doctora Mengers para controlar la situación, es decir, para que el secreto no salga de ese pueblo y para recuperar vivas el mayor número de pirañas posibles, y los políticos responsables del proyecto también son accionistas del parque acuático que se va a inaugurar, y no están dispuestos a perder beneficios, llegando a abrir el parque, aunque están sobre aviso de que las pirañas se dirigen hacia allí... por supuesto, el dueño del parque recibirá su castigo al final, a manos de sus propias creaciones.
Piraña fue distribuida por la United Artists, y acabó resultando un éxito en taquilla, aunque los críticos la despedazaron por considerarla una copia, no de Tiburon, sino de "Los pajaros" de Hitchcock, y hasta muchos años espués de su estreno no empezó a ser valorada como se merecía, esta gran joya, una película pequeña, pero a la vez, grande en su modestia, de efectos especiales justos (la película sugiere más que muestra) actores más que correctos, llegando, por ejemplo, Barbara Steele a alcanzar niveles gloriosos (el plano final de la película merece pasar a cualquier antología). En definitiva, un producto ideado para el consumo rápido que acaba trascendiendo de sus objetivos y deviene en una película entretenida, llena de homenajes y con muy bien de ritmo. Totalmente recomendable. A principios de los ochenta se rodó una secuela "Piraña 2, Los vampiros del mar" de producción italiana, donde las pirañas tenían alas y volaban. Fue dirigida por un novato James Cameron, si bien parece que estuvo enfermo durante el rodaje y la película la acabó rodando uno de los productores. Bastante mala, de todas formas. Peor todavía el remake de la original Piraña 95, con William Katt y Alexandra Paul, que ahorra en sangre y violencia, resultando bastante aburrida. Se está preparando otro remake en la actualidad.

Carretera al Infierno

2007-12-12T13:14:00.000-08:00

Eric Red es un guionista interesante. Como director ha arrojado unos resultados mucho menos interesantes, pero suyo es el guión de la genial "Los viajeros de la noche" y de esta Carretera al infierno. Ambas son dos road movies con toques de terror.
Se nos cuenta la historia de Jim Halsey (C. Thomas Howell) un joven que conduce un coche a San Diego por encargo. Una noche está tan cansado que está a punto de tener un accidente. Para evitar dormirse, decide recoger a un autoestopista para que le haga compañía, con tan mala fortuna que recoge a un vagabundo, John Ryder, si es que era ese su verdadero nombre (Rutger Hauer brutal, como siempre) que muestra un apreciable desnivel mental, hasta que acaba amenazando de muerte al chico. Aunque aterrorizado, Jim consigue echarle del coche, cosa que el bueno de John se tomará a mal. Al día siguiente, Jim ve al autoestopista en otro coche con una familia, que poco después aparece muerta. A partir de entonces, John cargará todos sus crímenes a Jim, que también será perseguido por la policía, y solo obtendrá ayuda de una camarera (Jennifer Jason Leigh) que le cree y le salva cuando está a punto de ser injustamente acribillado por la policía. Sin embargo, John seguirá persiguiendo implacablemente a la pareja, dejando tras de si un rastro de cadáveres en un viaje infernal.
Lo que más llama la atención de esta película (además de su aire irreal, onírico, como si todo fuera una pesadilla) es la figura de John y su relación con el chico. Al principio parece un simple loco, que ha salido a matar, porque si. Lo que quiere es que alguien acepte su reto, que alguien le plante cara. "Impídemelo" le dice a Jim cuando anuncia su intención de matarle. Y cuando Jim se lo impide, John parece encontrar lo que buscaba, una especie de rival a su altura. A partir de entonces torturará al muchacho, no con intenciones de matarlo, sino de cargarle todos sus crímenes para hacerle pasar una dura prueba. Más que su asesino, John Ryder se erige casi como una figura paternal, ejerce el papel de guía de Jim por el Infierno, a pesar del chico. Cuando se encuentran en un bar, la actitud del psicópata es casi paternal. Cuando la policía aclara las cosas y atrapa a John, el jefe de policía le comenta a Jim "Hay algo raro entre vosotros dos". Y cuando John escape de la custodia policial, Jim sabe que solo él podrá pararlo...

Imágenes del film

Una historia asfixiante, de una persecución a través de la América rural (una América donde la gente se mantiene al margen sin prestar ninguna ayuda al prójimo, y la policía la componen un hatajo de incompetentes furibundos y casi psicopaticos, capaces de matar al tipo equivocado sin pararse a pensarlo dos veces) un psicópata sin nombre, sin pasado, sin motivaciones, un muchacho inocente perseguido por este y por la justicia, y una camarera que tratará de ayudarle, casi parece la estructura de un western...
Varias secuencias contribuyen a crear un clima turbador o irreal, como la primera noche que pasa Jim encerrado. Tiene extraños sueños con lo que ha sucedido, con el autoestopista. Cuando despierta, ve que alguien ha dejado su celda abierta. Camina por los pasillos desiertos de la comisaría, se encuentra un perro policía vagando por allí, y finalmente halla los cadáveres asesinados de los policías: John los ha matado y le ha dejado libre, de forma que las culpas recaerán siempre sobre él. Una secuencia brillantemente planificada...
Recientemente, "Carretera al Infierno" ha contado con una secuela y un remake, ambos bastante inferiores, por no decir otra cosa... y es que habría sido bastante difícil "capturar" repetir los logros de esta extraña y agobiante historia de suspense, capaz de hacer pasar al cinéfilo una hora y media tensa y desasosegante. Un pequeño clásico.

Picnic en Hanging Rock

2007-12-12T10:40:00.000-08:00

Peter Weir es de sobra conocido por sus películas más famosas: El club de los poetas muertos, Unico Testigo (aquella de Harrison Ford en una comunidad Amish) y la genial El show de Truman. Lo que pocos saben es que, el director australiano comenzó su carrera con películas de corte fantástico, películas extrañas, atípicas, sobrecogedoras. Nunca llegan a ser películas de terror puras, "de miedo" pero si son películas que dejan al espectador con un poso de desasosiego. De estas películas solo he podido ver dos, la extrañísima, onírica y casi incomprensible (para bien) "La ultima ola" una película irreal, muy digna de ver, y la que nos ocupa.
Advierto ya al espectador que busque en una película sustos baratos, costosos efectos especiales, un par de tiros y alguna que otra explosión, que esta NO es su película. Picnic en Hanging Rock se desarrolla a pleno día, en un soleado paisaje, sin sangre, sin efectos especiales, sin monstruos, demonios ni ningún otro elemento similar. Tampoco le gustará la película a los amantes de las cosas masticaditas, a los que antes de que aparezca la palabra "FIN" quieren que quede todo explicado y ningún cabo suelto. Esta es una película que ayuda a pensar, no a dormir.
Año 1900. Las chicas del colegio femenino Appleyard van de excursión al monte de Hanging Rock (que existe en verdad). Una de las chicas, Miranda, es rica y adorada por todas, ya que tiene un aspecto verdaderamente angelical. Especialmente la quiere Sara, una chica de origen humilde que no val picnic por estar castigada. Una vez en la roca, Weir comienza a mostrarnos algunos elementos extraños: los pájaros que dejan ensimismada a Miranda, el cuchillo que parte en dos la tarta en forma de corazón, o que todos los relojes se paren a las doce en punto. Pequeños detalles que van viciando la atmósfera, calurosa, un día soleado, las chicas visten trajes blancos... se nos prepara para que suceda algo, pero no sabemos cuando, ni qué, ni porqué.
Durante la comida, Miranda y tres amigas piden permiso para explorar la roca. Cruzan varios arroyos y finalmente, se sientan allí a disfrutar del paisaje. Poco después, las demás chicas y las profesoras caen en un sueño prolongado. Al despertar, las cuatro chicas todavía no han vuelto. Se comienza a buscarlas, pero solo aparece una de las chicas, en estado de shock y sin recordar nada.

Las colegialas disfrutando de la naturaleza poco antes de desaparecer

Se da la alarma y la policía comienza una búsqueda, pero sin resultado. El joven Michael, un muchacho que vio a Miranda el día de la excursión y quedó embelesado por su belleza, decide buscarla por su cuenta, y él si parece que consigue cruzar al "otro lado" algo extraño le ocurre, y finalmente consigue recuperar a otra de las chicas, que aunque no está herida, es incapaz de recordar nada, ni de indicar el paradero de las otras dos compañeras.
Más tarde, una de las alumnas se suicida, la directora aparece muerta, y nunca más se tiene noticia de las desaparecidas. ¿Que les sucede? Es evidente que no se pierden, simplemente, ni son secuestradas, ni nada por el estilo. La última vez que las vemos parecen embelesadas, hipnotizadas por la naturaleza. La policía no consigue hallarlas, pero el joven Michael si que consigue "conectar" de alguna manera con las rocas, es capaz de pasar a ese otro lado, sea cual sea, y recuperar a una de las chicas. Ni ella ni la otra compañera rescatada sabrán explicar qué ha sucedido, y de hecho, cuando la segunda chica vuelve a la escuela, será repudiada por las demás y abucheada, como si, tras su viaje, su condición fuera diferente. Michael será el único que la apoyará, pero seguirá enamorado de la hipnótica Miranda.
Por otra parte, enla película se pronuncian una serie de frases ambiguas que aportan un sentido de la irrealidad todavía más fuerte al film. "Todo lo que vemos, o percibimos, es solo un sueño dentro de otro sueño" es el film que pronuncia Miranda, y que abre el filme. "Ahora sé que Miranda es un ángel de Boticelli" comentará una de las profesoras, antes de que se produza la desaparición de las chicas. Por cierto, que antes de partir a la excursión, Miranda se despedirá de esta profesora, como si supiera que no iban a volver. "Debió ser horrible" comenta una de las sirvientas de la escuela, pero nuevamente, no sabemos qué. Nunca una película ha estado tan cerca de mostrar lo inexistente.
Aquellos que busquen una película de terror al uso, de susto fácil, consumo rápido e igualmente rápido olvido deben ignorar este film. Los que, por contra, quieran ver una historia extraña, filmada de forma atípica, sugestiva y misteriosa, con un final terriblemente ambiguo, disfrutarán mucho con esta joya de un primerizo film, y también con la mencionada "La ultima ola".

El baile de los vampiros

2007-12-12T08:51:00.000-08:00

Poco antes de entrar en el mercado norteamericano con la reseñada "La semilla del Diablo" su autor, Roman Polanski, tan solo era un director polaco, de películas europeas, duras, rompedoras, pero casi ninguna salía de sus fronteras, no eran excesivamente conocidas, y por supuesto, no suponían éxito comercial alguno. En un intento de crear una carta de presentación para el mercado americano, decidió dirigir una parodia de las clásicas películas de la productora británica Hammer, que en ese momento todavía no había entrado en decadencia. La Hammer renovó el cine de vampiros con sus películas sobre Drácula con Christopher Lee (Dracula, Dracula principe de las tinieblas, Dracula vuelve de la tumba, El poder de la sangre de Dracula...) pero también tenían otros experimentos fílmicos sobre vampiros, como la aventurera "Kronos, cazador de vampiros", la trilogía Karnstein, o El beso del vampiro. Polanski quería parodiar todo lo que la Hammer había convertido en referente de sus películas, y se centró en la estructura de esta última.
El profesor Abronsius (Jack McGowan) está decidido a demostrar a sus colegas científicos que los vampiros existen. Para ello, parte a Europa, acompañado por su fiel ayudante Alfred (el propio Polanski) Tras estar a punto de morir congelados, se refugian en una posada perdida en los Carpatos, donde los supersticiosos aldeanos ocultan algo, ponen cruces y ristras de ajos en las puertas, y parecen temer especialmente por sus hijas jóvenes... durante el transcurso de la vida en la posada, Alfred se enamora de la hija del posadero, Sara (Sharon Tate, más tarde esposa de Polanski) una chica guapa e inocente, pero obsesionada con bañarse. Durante uno de esos baños, Alfred contempla como un extraño personaje de capa roja y negra ataca a la chica y la secuestra. Poco después, el posadero aparece muerto con marcas en el cuello, y tímidamente, los aldeanos indicarán a los protagonistas, llenos de terror, el camino al castillo del conde Von Krolock, el noble local...

Los atribulados "héroes"

La película mezcla algunos momentos de terror con comedia bufa. De hecho, mucha gente odia abiertamente "El baile de los vampiros" y se la acusa de indefinición. Polanski parodia el género de terror gótico vampírico, pero a la vez, parece querer recrearlo. Yo creo que Polanski, realmente no pretende recrear los filmes de la Hammer, sino su atmósfera. De hecho, aquí se deja de fingir que los vampiros del estilo Hammer pueden dar miedo. Lo que Polanski pretendía (y consigue) es demostrar que puede copiar un estilo determinado, recrearlo, hacer que funcione, pero para sus propios fines (la parodia). Por desgracia, mucha gente no ha podido o no ha querido ver esto, y se limitan a clasificar esta extraña y magistral cinta de "bodrio"...
Una vez en el castillo del conde, los dos despistados científicos se enfrentarán a un refinado aristócrata en su enorme e infernal castillo lleno de sorpresas, y a su afeminado hijo (que por cierto, tiene a su cargo una de las pocas escenas en las que el terror y la comedia se hibridan a la perfección, la persecución de Alfred por los corredores del castillo).
Una vez hallada la dama perdida (bañándose, como no) esta les explicará a sus supuestos salvadores que no puede irse, puesto que ha sido invitada a un baile (el baile del título) baile en el cual se nos dará otra precisa muestra del talento de Polanski.

El primer ataque del vampiro

Pese a no ser perfecta, estamos ante una obra maestra del cine. Su humor, en exceso británico, la ha convertido en una película incomprendida por muchos, valorada por pocos, pero solo por su arrebatador sentido de lo visual (esos amplios y blancos espacios nevados... esos planos del castillo...) hacen su visionado imprescindible. Muchos críticos dijeron sentirse engañados, ya que la puesta en escena auguraba una película de terror, y se encontraron con una comedia, pero no puede decirse que no estemos avisados: en el primer plano del filme, el león que ruge, símbolo de la compañía MGM, se convierte en un vampirillo.
Un clásico del cine (pese a quien pese) que abrió a Polanski las puertas de Hollywood, consiguiéndole su siguiente trabajo, La semilla del diablo. El resto es Historia...

La zona muerta

2007-12-11T05:27:00.000-08:00

A comienzos de los años ochenta, Stephen King se hallaba en plena época dorada de su carrera. Sus libros se vendían como churros, y las adaptaciones de estos al cine, hasta la fecha, habían sido impecables, y de un modo u otro, éxtiso (Carrie, Salem's Lot y El resplandor). Dino De Laurentiis, un gran productor de Hollywood, compró por esa época los derechos de su novela más reciente "La zona muerta" con intención de adaptarla. Tras varios problemas de guión (Stephen King escribió el primero, y los que lo leyeron aseguran que era francamente horrible) y para encontrar director, se sumó a la proucción Debra Hill, que contrató al gran David Cronenberg parqa ocuparse del filme. Cronenberg supervisó una reescritura del guión a su gusto, y escogió al inquetante Christopher Walken para interpretar a su torturado personaje, Johnny Smith, y se rodeó de secundarios excelentes: Martin Sheen, Herbert Lom, Tom Selleck...
La historia que se nos cuenta es la de un tímido profesor de literatura, Johnny Smith, que está a punto de casarse con el amor de su vida, Sarah Bracknell. Pero una noche, al volver a casa, tras sentir una extraña premonición en un parque de atracciones, sufre un terrible accidente de coche que le deja a las puertas de la muerte. Aunque sobrevive milagrosamente, queda en coma durante cinco años. Cuando despierta, lo hará para descubrir que su mundo se ha derrumbado: no puede andar, ha perdido su empleo, y Sarah se ha casado con otro hombre. Sin embargo, el destino le ha reservado otra sorpresa: tras despertar del coma, Johnny descubrirá que tiene el "don" (aunque él lo considerará durante toda la película una maldición) de ver el pasado y el futuro de las personas y objetos que toca. Con este don advertirá a una de las enfermeras que le cuida en el hospital que su hija se ha quedado atrapada en un incendio, y más tarde reunirá a su médico, el doctor Weizak, con su madre, a la que creía muerta durante la segunda guerra Mundial.

El protagonista a punto para enfrentarse a su destino

Poco a poco, conseguirá volver a andar, aunque quedará cojo el resto de su vida. Una vez sale del hospital, se refugia en casa con su padre (su madre ha muerto poco antes) e intentará ocultarse del mundo, amargado y torturado por lo que se ha convertido su vida "perfecta". Cuando un policía de Castle Rock (Tom Selleck) le pide su ayuda para atrapar a un asesino de mujeres que asola su pequeño pueblo, Johnny se negará, pero más tarde aceptará. Una vez atrapado el asesino, Johnny decide convertirse en profesor particular, para intentar recuperar algo de normalidad, y salvará a un alumno de una muerte segura. En casa del padre de este chico estrechará la mano de Greg Stillson (Martin Sheen) un ambicioso político que aspira a la Casa Blanca, y verá que este hombre acabará deparando a todo el mundo un futuro fatal...

Al estrechar la mano a Stillson, Johnny ve un futuro negro para toda la humanidad

Lo que más llama la atención de esta película es que parece estar construida con una estructura de sketches, o capítulos independientes: Johnny tiene el accidente, despierta, comprueba poco a poco su poder, luego interviene para coger al asesino en serie, luego intenta advertir a uno de sus alumnos de su muerte inminente, y finalmente se enfrentará a Stillson. Todo ello nos es narrado como si de capítulos separados se tratase, dándole al filme una estructura muy especial.
Ante todo, que nadie se engañe: esta es una película de David Cronenberg, con todo lo que ello conlleva. Aunque aquí no hay sangre, ni repulsivas transformaciones físicas, ni todas esas mutaciones que tanto apasionan al director, se nos presenta a un personaje principal solo, oscuro y torturado, torturado por el poder que posee su propio cerebro, y que él nunca ha querido, como los marginales telépatas de otra película de Cronenberg, la curiosa "Scanners". Lo que se nos narra es un proceso de autodestrucción ( y también de auto conocimiento y aceptación del destino) de un chico que solo quería casarse con la mujer de su vida y ser profesor de literatura, pero se verá abocado a un destino tan grande como incomprendido. Primero, Johnny no comprende sus visiones, le dan miedo (Cronenberg las filma mostrándonos lo tembloroso y debilitado que queda Johnny tras ellas). Poco a poco comprende lo que son, pero las ignora, se esconde, se oculta del mundo y del contacto, no acepta ni comprende su "maldición" que le ha convertido en un ser marginal. Se considera un ser maldecido por Dios, como le dice al sheriff que acude a su casa a pedirle ayuda, pero más tarde, cuando ve en las noticias los terribles crímenes, recapacita y decide ayudar al sheriff.
Es esta parte de la película, el segmento de Castle Rock y del asesino en serie, la que más terror contiene. Las pesquisas de Johnny en un lóbrego puente, o sus visiones de los crímenes (y especialmente, la resolución de estos) son momentos malsanos, inquietantes, que consiguen hacer pasar al espectador unos veinte minutos especialmente desasosegantes. Pero para Johnny, el incidente solo le supone pasar más tiempo en el hospital (recibe un balazo) donde verá a Sarah, al amor de su vida, que ha tenido ya un hijo. Johnny y Sarah pasarán una noche juntos, donde el padre de él constatará tristemente "Es agradable tener una familia en casa". Pero Johnny sabe que esa noche no es el inicio de nada entre Sarah y él, sino todo lo contrario, se está cerrando definitivamente una puerta, es una despedida. Todo empeora cuando el doctor Weizak, que ha estado investigando poderes similares a los de Johnny, le dice que las visiones están afectando a su cuerpo, gastándolo, y que probablemente acabarán destruyendo todas sus energías y acabando con su vida. Esto acaba con las esperanzas de Johnny de, tarde o temprano, volver a llevar una vida normal, y le confirman lo que ya sabe, que le espera una existencia corta y solitaria. En esos momentos vuelve a dar clase, a un muchacho de padre rico con problemas de lectura, y a través del muchacho consigue encontrar algún sentido a su vida. Pero todo se torcerá cuando vea que el chico quedará atrapado bajo el hielo durante un partido de hockey y morirá. Aunque Johnny intenta avisar al padre del muchacho, este se negará a escucharle, pero en el último momento, no permitirá que su hijo acuda al partido. Aunque Johnny le ha salvado la vida, el padre le echa de sus vidas, destrozado por los remordimientos, pues otros chicos han muerto en un accidente que él podía haber evitado.
Durante toda la película se nos han mostrado aquí y allá indicios sobre Stillson, un senador con ambiciones a la Casa Blanca. Su nombre mencionado aquí, un cartel publicitario allá... pero es en casa de su alumno donde conocerá a Stillson (Martin Sheen) un político con el don de la palabra, pero terriblemente corrompido. Cuando Johnny coga una chapa de Stillson, verá algo que no sabe lo que es, algo que él denomina una zona muerta, la cual aparece cuando Johnny tiene posibilidad de cambiar el futuro. Una vez es alejado de su alumno, Johnny se centra en investigar a Stillson, y cuando le estreche la mano durante un mitin político, descubrirá que ese hombre, en su ambición, acabará destruyendo el mundo, o parte de este.
Al final, en la larga carta que Johnny escribe a Sarah, le dice que ahora comprende que todo lo que le ha sucedido tenía un propósito, y que se ha dado cuenta de que sus poderes no son la maldición que él creía, sino un don que le permitirá salvar, literalmente, el mundo, e ironías del destino, nadie nunca lo sabrá, nadie nunca sabrá el porqué de su atentado contra el político, pasará a la historia como un asesino.
Por supuesto, siendo un film de Cronenberg no podía ser de otra manera, la película es triste y deprimente: sucede toda en paisajes helados, cubiertos de nieve, eternamente invernales. Johnny Smith es uno de los personajes más torturados y sufrientes de la historia de su filmografía, pero que al final, devendrá en una figura mártir y se redimirá a si mismo, consiguiendo (de una manera bastante cruel) lo que deseaba.
La película contó, en el año 2000, con una serie de televisión entretenida, pero muy inferior, donde Johnnny se convierte en un ser más simpático y mucho menos solitario y deprimido, habiendo además varios cambios en la historia e introduciendo personajes nuevos (cuando despierta y descubre que Sarah se ha casado, descubre que el hijo de esta no es de su nuevo marido, sino del propio Johnny) y también se fusionan varios personajes. La serie acaba siendo bastante olvidable. La película es otra muesca en la filmografía del canadiense, una historia deprimente, pero a la vez, esperanzadora, que parece intentar decirnos que, por mucho que suframos, al final siempre hay un motivo para todo. Los actores, especialmente Christopher Walken, están excelentes (Cronenberg dijo que quería darle a su Johnny Smith un aura trágica similar a la de la criatura de Frankenstein). Muy recomendable.

Muñeco diabolico 2

2007-11-29T05:44:00.000-08:00

Probablemente la única secuela el filme de Tom Holland que merece la pena por si misma, sin perder el alma en favor del público como ha sucedido con las últimas entregas, sea esta segunda parte, dirigida por John Lafia (coguionista de la película original). Esta película, además de ser una digna pieza de suspense y una coherente secuela, cuenta con el actor de la primera, Alex Vincent, de nuevo en la piel del traumatizado infante Andy Barclay, pero además, todos los secundarios de la cinta son viejos conocidos: Gerrit Graham (El fantasma del paraíso) Jenny Agutter (Un hombre lobo americano en Londres) Grace Zabriske...
Algún tiempo después de los sucesos de la primera parte, se ha celebrado un juicio sobre los hechos. El policía Mike Norris ha negado todos los hechos, los rumores acerca de la posibilidad de que el muñeco estuviera realmente poseído. La madre del niño, por contra, ha mantenido la versión de los hechos, y por tanto, ha sido encerrada en un manicomio. Su hijo Andy está en un centro de acogida, donde pronto lo adoptará una pareja madura, con experiencia en niños, que tienen bajo su techo a una adolescente conflictiva, Kyle (Christine Elise).
Por otro lado, tras el juicio, los restos calcinados de Chucky son entregados a la empresa que fabrica los Good Guys, y estos lo reconstruyen por completo para comprobar si en su mecanismo había algún fallo o sabotaje que pudiera haber causado el "malentendido". Las conclusiones son satisfactorias y el muñeco es completamente normal, pero durante su reconstrucción, un operario muere en un extraño accidente. Poco después, Chucky vuelve a la vida, y de nuevo buscará a Andy.
La película se centra de nuevo en los crímenes cometidos por el muñeco para llegar hasta Andy, el niño a cuyo cuerpo necesita transferir su alma para dejar de ser "un pedazo de plástico", pero en la familia adoptiva de Andy no tardarán en creer que los crímenes los ha cometido el niño, perturbado por todo lo sucedido. Hacia la mitad del metraje el protagonismo derivará en Kyle, la adolescente "rebelde" que, una vez comprendida la situación, tratará de salvar a su hermano adoptivo.

El muñeco hace de las suyas

La película está contada casi como una fábula, como un cuento de hadas maligno, en agradables tonos de fotografía (la casa, la escuela, la fábrica de los juguetes) con momentos muy conseguidos, por ejemplo, al llegar a la casa de Andy, Chucky se encuentra con un muñeco Good Guy idéntico a él, y aprovechará para enterrar al muñeco en el jardín y sustituirlo, provocando más de un equívoco con Andy, o todas las secuencias de persecución en la fábrica de Good Guys, el escenario perfecto para acabar donde todo empezó, una vuelta a los orígenes para acabar con los mismos.
Por otra parte, la película tiene no poco humor negro, no solo en las frases de Chucky, sino también en otras situaciones planteadas a propósito, como la lectura en clase de Pinocho (que no es sino una variación de la historia de Chucky, un muñeco que deseaba ser un niño de verdad). Algunas de sus escenas, como Chucky asesinando a la maestra con una regla (escena de gran sadismo) o aquella en la que Andy despierta atado y amordazado en su casa han trascendido de la propia película.
Por desgracia la saga no siguió por estos adecuados derroteros: Muñeco diabólico 3 era una película bastante mala, con menos presupuesto e imaginación, donde Chucky era de nuevo reconstruido para perseguir a Andy, ya un adolescente, a una academia militar (donde la única idea acertada es el momento en que el muñeco cambia las balas de pintura por balas de verdad durante un entrenmiento). Pero, por desgracia, dos niños británicos, tras ver la película, raptaron y mataron a un bebé, lo que rodeó al muñeco y a sus películas de muy mala fama. Parecía que sus días estaban contados, pero en 1998 resucitó de nuevo, esta vez en clave de comedia "La novia de Chucky" y aún mas tarde, la última secuela "La semilla de Chucky". Ninguna llega ni a la suela de los zapatos de la original, son meras parodias que se burlan de si mismas y del género, más parecidas a Scary Movie que a una verdadera película de suspense. Una pena.
Muñeco Diabolico 2 es pues, la única secuela a la altura, un filme de suspense bien hilvanado, donde la acción transcurre con más soltura (en la primera entrega se tarda excesivamente en mostrar al muñeco, en aras de hacer creer al público que Andy podría ser el asesino) mientras que aquí, ya sabemos desde el principio quien es "el malo", mientras que Andy sigue siendo visto por todos los adultos como un niño perturbado y peligroso. La única secuela recomendable.

Dracula

2007-11-25T12:11:00.000-08:00

Tod Browning era un genio del cine, que duda cabe. Él, junto con James Whale, puso en marcha el ciclo de monstruos de Universal, que podría entenderse como el nacimiento del cine de terror sonoros, o incluso el nacimiento del cine de terror "moderno" aunque esto sería mucho más arriesgado. Con películas como "Freaks" o "La marca del vampiro" en su filmografía, la valía de Browning como director está más allá de la duda, pero su nombre es recordado sobre todo por la mencionada Freaks y por esta Dracula. Y es que Browning quería hacer un ciclo sobre monstruos clásicos, auspiciado por la Universal, que había comprado los derechos de la obra teatral "Dracula" de Hamilton Deane, siendo pues la novela de Stoker la primera película en producirse, con Lon Chaney. Pero Chaney sufría un cáncer de garganta, y murió antes de comenzar el rodaje. Tras descartar a varios actores, Browning fichó por el actor que interpretaba al personaje en la célebre obra de Broadway, un desconocido Bela Lugosi. Hoy, decir Bela Lugosi es decir Dracula, pero en aquel entonces, Browning tuvo que luchar por conseguir al actor (no sabía hablar inglés, lo que lo hacía todo más difícil).
El guión fue un refrito entre varios autores, pero en los créditos consta Garret Fort, basándose en la obra de teatro que a su vez, está basada en la novela original (excelente e imprescindible, por cierto). Como protagonistas, además de Lugosi, un inolvidable Dwigth Frye y Edward Van Sloan.

El conde y su victima

La película tiene un prólogo inquetante y visualmente impecable, donde un agente de ventas, Rendfield, viaja a Transilvania para reunirse con un aristócrata de la zona, el Conde Dracula,con quien debe cerrar la venta de una propiedad en Londres, donde el Conde piensa trasladarse en breve. Tras recibir toda clase de advertencias de los incultos lugareños, llegará al castillo casi en ruinas, en peculiares circunstancias, le recibirá un sombrío aunque hospitalario Dracula, que le convida a una cena durante la cual arreglan sus asuntos de negocios. En esta escena de la película Lugosi pronuncia algunas frases emblemáticas que le seguirían hasta la tumba "Escuchelos. Son los hijos de la noche. Que maravillosa música la suya" (ante los aullidos de los lobos en el exterior del castillo) o la todavía más célebre "Yo nunca bebo... vino".
Tras la cena, el conde se retirará dejando a Rendfield solo en sus habitaciones, pero el agente inmobiliario tiene ya marcado su trágico destino, y tras ser tentado por tres silenciosas vampiresas, queda hipnotizado, y el Conde entrará de nuevo en el cuarto para beber su sangre y convertirle en su esclavo para siempre.
Más tarde, Rendfiel, ya completamente loco, y su amo, llegan en un barco lleno de cadáveres a Inglatera, donde el primero es recluido por loco en el sanatorio Seward, y el aristócrata vampiro ocupará la finca adquirida e irá introduciéndose en la sociedad londinense al mismo tiempo que sacia su sed de sangre en los callejones más miserables.

Dracula mueve los hilos desde las sombras

Es esta parte del film la que está considerada "en exceso teatral" y no deja de ser cierto, solo hay una convrsación tras otra, en las que se nos informa de lo que sucede, pero poca acción. Sin embargo, yo encuentro maravilloso cada fotograma, y no creo que el cine tenga que ser siempre sinónimo de acción para entretener. Dracula fascina a Lucy, la cual muere, sin una gota de sangre en su cuerpo, lo que llama la atención del doctor Van Helsing, que comienza a investigar, a la vez que Mina Harker se convierte en la siguiente víctima del vampiro, y también vemos la evolución de Renfield, completamente obsesionado por beber la sangre de "pequeñas vidas" como moscas y arañas que se afana en cazar en la ventana de su cuarto en el manicomio.
Estamos ante una joya del cine clásico. Si bien hoy en día ver la película no puede causar ninguna inquietud en absoluto (incluso, a los espectadores menos rigurosos les llega a causar risa) en su día causó un impacto similar al que causaron en su momento películas como "El exorcista". Su aura clásica es fascinante. La fotografía expresionista, de Karl Freund, confiere a la película una estela mítica. Tuvo varias secuelas, la primera "La hija de Dracula" donde la condesa Zaleska, hija del noble, reclama su cadáver para darle sepultura, e intenta después seguir con su vida y con el estigma del vampirismo. También se produjo un hecho extraño, ya que en aquella epoca las peliculas no eran dobladas, por lo que, al mismo tiempo que se dirigía Dracula, se dirigio otra versión, de habla hispana, con los mismos decorados y al mismo tiempo, pero con actores hispanos. El "Dracula hispano" es toda una leyenda, en absoluto despreciable, e incluso en algunos pasajes supera a su gemelo americano...